Японский арт: Япония арт (61 фото)

Содержание

Япония арт (61 фото)

Японский пейзаж с самураем


Японские мотивы


Обои с японской тематикой


Аниме Весна


Фон Япония мультяшный


Японская минималистический пейзаж


Японский пейзаж арт


Япония врата тории арты


Тории в лесу


Китайский Императорский дворец арт


Японская Графика


Японский пейзаж


Картины в китайском стиле


Самурайские пейзажи


Векторный пейзаж


Абстракция в китайском стиле


Фон китайский стиль


Японский фон для презентации


Обои для рабочего стола японский стиль


Аниме пейзаж


Японская живопись Минимализм


Японский фон


Японские мотивы


Обои с японской тематикой


Китайская живопись


Фон арт


Японский пейзаж силуэт


Пейзаж в китайском стиле


Фон в стиле самураев


Обои в японском стиле


Аниме пейзаж


Фон в стиле самураев


Японский пейзаж арт


Пейзажи в стиле аниме


Аниме пейзаж


Ханамура Overwatch


Фоны для гача лайф Япония


Япония Самурай Сакура аниме


Фон китайская тематика


Фон китайский стиль


Япония арт


Фон Минимализм


Рисунки в японском стиле


Японские арты Минимализм


Обложки в японском стиле


Японские пейзажи из аниме


Картины в японском стиле


Фон китайский стиль


Японский фон


Японские обои


Китайский фон


Фон в японском стиле


Задний японский фон для арта


Храм Хакурей


Обои с японской тематикой


Монотипия Сакура


Пейзаж в японском стиле


Фон для презентации в японском стиле


Японский фон


Фон в стиле Японии


Обои в японском стиле

«Минимум пространства, максимум красоты»: японский арт-центр Наосима

Бетон и зелень, замкнутые пространства и простор воображения, красота рукотворного и созданного природой.

В Японии искусству посвятили целый остров. Арт-центр родился на Наосиме совершенно спонтанно. Изначально, Фукутакэ Соитиро, миллиардер и глава книжного дома «Фуктуакэ», прибыл на остров, чтобы построить международный детский лагерь, как и мечтал его отец. Но в процессе работы с Тадао Андо, выдающимся архитектором самоучкой, идея лагеря отошла на задний план. Было решено превратить остров в уникальное тождество искусства и природы.

Первым творением стал музей Benesse House. Как известно, визитная карточка Тадао Андо – холодный голый бетон, и он идеально вписался в ландшафт острова. В Benesse House также интересно то, что большинство инсталляций и картин не покупаются, а создаются специально для музея.

Источник: официальный сайт Bennesse Artsite Naosima

В 2004 году на острове открылся Chichu Art Museum. Вся постройка полностью находится под землей для создания естественного направленного освещения. Восприятие и внешний вид инсталляций меняется в зависимости от погоды и времени года. В музее представлены работы Клода Моне, Уолтера Де Марии и Джеймса Таррелла.

Источник: официальный сайт Bennesse Artsite Naosima

Также на Наосиме можно посетить музей самого Тадао Андо. Он вдохнул новую жизнь в старый деревянный домик, стилизовав его. Это место стало пространством контрастов, здесь дерево вторит бетону, старое – новому, а свет – тени.

Остров Наосима – кладезь произведений искусства, но не все из них спрятаны за бетонными стенами. Так инсталляция Tom Na H-iu, созданная японской художницей Марико Мори, расположилась в самом центре пруда, обрамленного бамбуком. Tom Na H-iu – кельтское место перерождения душ, где каждый может прочувствовать свою связь со Вселенной.

Источник: официальный сайт Bennesse Artsite Naosima

Остров Наосима – новый обязательный пункт в списке мест по спасению вашей творческой души после пандемии. Это место, где искусство существует в полной гармонии с красотой природы.

Искусство Японии: от Хокусая до современности

В Центре цифрового искусства Artplay Media открывалась новая мультимедийная выставка «Искусство Японии: от Хокусая до современности». В выставку войдут не только всемирно известные шедевры таких мастеров японской гравюры, как Кацусика Хокусай, но и мало известные широкой публике работы: женские портреты «последнего гуру эпохи укиё-э» Ёситоси Цукиоки и пейзажные гравюры Имао Кайнэна из частной галереи российского коллекционера и знатока японской культуры Екатерины Пугачевой.


Деревянные гравюры укиё-э — «картины изменчивого мира» — стали, пожалуй, самым ярким явлением в Японии XVII–XIX веков. Это зеркало японской городской культуры с его сложной иерархией, особым языком иносказаний, аллюзий, символов, своей мифологией, специфическим духом свободы и особой эстетикой. Именно гравюра прославила японское искусство в странах Европы. Благодаря ей в XIX веке «японизм» проник в европейскую живопись и декоративно-прикладное искусство, повлияв на импрессионистов, постимпрессионистов и мастеров ар-нуво. И все же для большинства японское искусство оставалось диковинкой: картины казались незаконченными эскизами, свитки напоминали обои, а гравюра — карикатуру. И даже сегодня многие аспекты японского искусства не вполне понятны западному зрителю.
На мультимедийной выставке в Artplay Media перед зрителем оживают четыре традиционных жанра гравюры: бидзинга (изображение красавиц из «веселых кварталов»), фукэйга (пейзаж), катёга (цветы и птицы), муся-э (изображение воинов). А закадровый текст, записанный для выставки Дмитрием Ковалениным, поможет разобраться в японской мифологии и символике.
Дмитрий Коваленин — писатель и востоковед, переводчик таких современных японских писателей, как Харуки Мураками, Мати Тавара, Иори Фудзивара, Котаро Такамура, Ёко Огава, Саяка Мурата. Коваленин также известен как автор уникальной 2-хтомной монографии о жизни и творчестве Харуки Мураками («Суси-Нуар. Занимательное муракамиЕдение») и книги «Коро-коро» — сборника малой прозы, рассказов и эссе о современной Японии.

Это тотальная мультимедийная инсталляция, погружающая зрителя в чувственный мир образов, созданных великими художниками. Изображение проецируется не только на экраны, но и на пол. Общая площадь проекции составляет около 1200 кв.м.

Мультимедиа Арт Музей, Москва | События

образовательный проект26/V 19:00. МАММ ул. Остоженка, 16

Лекция историка-япониста Александра Раевского «Японский культурный код: история без пыли» или «Как японцы переводят наследие предков на современный язык»

МАММ, лекторий «Мой курсив» и востоковед Александр Раевский представляют лекцию «Японский культурный код: история без пыли, или Как японцы переводят наследие предков на современный язык».

Для японцев история никогда не покрывалась пылью. Она — живой материал, из которого построена современная культура. Эпоха Хэйан, длившаяся с 8 по 12 века, по сей день считается высочайшим культурным достижением нации: именно тогда были заложены основы японской эстетики. Узнаете их в культе «любования природой» или умением подобрать цвет кимоно в соответствии с сезоном года?

Изящная эпоха Хэйан была сметена жестокими самураями. Современная индустрия японских развлечений делает самураев одними из главных героев.

Попадая в Японию сегодня, мы сквозь современные линзы по-прежнему различаем Японию прошлого, где господствовала культура, основанная на гедонизме, красоте и любви. И кодекс бусидо.

В нашей лекции в дело пойдет все: древние храмы, религиозные фестивали, изысканные аристократические развлечения, безжалостные самураи, гравюры укиёэ, маски театра но, манга, фестивали косплея, анимэ. Посмотрим, как мудрая Япония перекодирует историю на современность и наоборот. И решим: не в этом ли код ее успеха?

Александр Раевский — историк-японист, кандидат психологических наук, переводчик и преподаватель МГУ им. М.В.Ломоносова. Несколько лет жил в Японии, изучал культуру и традиции этой страны. Преподает японский язык и читает лекции в культурно-деловом центре «Японский дом». Приглашенный эксперт в программе «Правила жизни» (телеканал «Россия — Культура»).

Лекторий «Мой курсив» проводит развлекательные, научно-популярные лекции в исполнении остроумных интеллектуалов, с которыми приятно провести время.

Мураками Такаши | ART Узел

Такаши Мураками ( 村上 隆) — японский художник, скульптор и дизайнер. Родился в Токио в 1962 году, окончил Токийский национальный университет изящных искусств и музыки. Один из наиболее известных в мире японских художников в стиле нео-поп. 

Творчество Такаши Мураками — это оригинальный симбиоз современной поп-культуры и «высокого» искусства. В его работах прослеживается влияние популярных в Японии мультфильмов — аниме, и комиксов — манга.

Одной из ключевых работ автора является некое подобие автопортрета, его алтер-эго, — Mr. Dob. Персонаж представляет собой существо с круглой головой и большими ушами, на одном нарисована латинская буква D, на другом — B, голова изображает букву О. DOB — сокращение фразы “Dobojite dobojite” (Зачем? Зачем?). Фраза ассоциируется с японской культурой, так как принадлежит известному комику Toru Yuri, однако Мураками выбрал ее как обращение ко всем мировым культурам, воспринимаемый как своеобразный призыв к размышлению. Картина написана в 1998 году, но впоследствии художник создал целую серию с изображением Mr. Dob, где персонаж был перерисован в разных цветах. 

Mr. Dob, 1997 

Визитной карточной автора на протяжении уже многих лет являются рожицы-цветочки, изображающие весь спектр эмоций — улыбающиеся, веселые, грустные, злые, испуганные.

Killer Pink 

Помимо них Такаши изображает героев аниме и манги, создает скульптуры персонажей, одна из которых — скандальная порнографическая работа «Мой одинокий ковбой» (My Lonesome Cowboy) — была продана на аукционе за 15.2 млн долларов. 

My lonesome cowboy, скульптура

Мураками занимается не только написанием картин, но и создает предметы одежды, всевозможные аксессуары с изображением своих произведений — от сумок до диванных подушек и ковриков для компьютерной мыши. Он сотрудничает с Марком Джейкобсом — креативным директором известной марки Louis Vouitton — и создал для бренда коллекцию сумок Cosmic Blossom.

В 2002 году Такаши стал куратором выставки современных японских художников и скульпторов Superflat. Название выставки, которое переводится как «суперплоский», художник придумал сам, и назвал этим термином все современное японское искусство, сочетающее в себе продукты индустрии развлечений (аниме, манга), поп-культуры и изящных искусств. Автор задается вопросом, в чем различие между живописью евпропейских и японских художников, и приходит к выводу, что в Японии изобразительное искусство создает ощущение «плоскости» из-за отсутствия трехмерного изображения. Таким образом, Такаши Мураками выделяет современное японское искусство в отдельный «феномен», тем самым привлекая к нему внимание и способствуя его развитию на мировом рынке. 

В 2010 году в Версале была организована выставка современных художников, где были представлены и скульптуры Такаши Мураками. Работы вошли в книгу Murakami Versailles. Поразительный контраст стилей — барокко и ни на что не похожий японский поп-арт — произвел неизгладимое впечатление на зрителей, вызвав как положительные отклики, так и волну негодования и критики преимущественно из-за эротических мотивов в некоторых работах автора. 

Kaikai, Версаль, Франция, 2010

Творения Такаши Мураками — одновременно яркие, развлекательные и глубоко философские. Сам Такаши определяет свою творческую деятельность как критику японского общества. В современной Японии, по мнению художника, живопись, скульптура, игры, комиксы и дизайнерская одежда слились в одно целое, и уже нет разницы между высоким искусством и продуктами потребления. 

В 2013 году состоялся дебют Такаши на большом экране — вышел его первый полнометражный фильм «Глаза медузы» (Jellyfish Eyes). Фантастическая лента рассказывает о небольшом японском городке, где появляются существа, похожие на медуз, с которыми дети города играют, не подозревая, что они созданы на секретной базе, которая ставит эксперименты и таит в себе много неизвестного и, возможно, опасного. Картина создана для детей в стиле, схожем с аниме, ярком, динамичном и развлекательном, однако автор ставит цель донести до детей мысль о жестокости и несправедливости мира, с которыми они должны находить силы бороться. 

Трейлер фильма «Глаза медузы», 2013

Помимо своей творческой деятельности Мураками курирует коммерческие проекты. В 1996 году — еще в начале своей карьеры — Такаши открывает в Японии свою первую студию Hiropon Factory, а в 1998 появляется ее аналог в Нью Йорке. Позже, в 2001 году он создает компанию Kaikai Kiki Co., Ltd., которая до настоящего времени занимается продажей произведений  современных японских деятелей искусства, а также их продюсированием и организацией выставок. 

C 2002 года Такаши Мураками является куратором выставки современного искусства GEISAI, которая проходит два раза в год в Токио. 

Такаси Мураками о граффити в Японии

В своем «Инстаграме» художник рассказывает о создании инсталляции для Атриума «Гаража» и коллаборациях с японскими граффитистами.

 

Такаси Мураками: Прямо сейчас я работаю над подготовкой инсталляции для своей персональной выставки в московском «Гараже» (@garagemca) вместе с MADSAKI (@madsaki), его другом и другими японскими художниками-граффитистами (@fukitalltokyo, @tengaone, @onezker) и делаю посты в «Инстаграме» о ходе работы.

 

 

Всякий раз, стоит мне запостить фотографии работ MADSAKI и snipe1, кто-нибудь комментирует: TOY, — или: No skill («без навыков»). Я этого не понимал, поэтому спросил Такуми Касено (@ksnyang), который руководит проектами Kaikai Kiki (@kaikaikikigallery), связанными с граффити, в чем тут дело. «О, это такая пренебрежительная характеристика этих художников, — ответил он. — Граффити в США очень сложны в техническом плане, что художники подчеркивают. Думаю, отсюда эти пренебрежительные отзывы. В Европе спектр признанных манер шире: хотя есть очень умело выполненные работы, существуют также художники, которые делают вещи, характеризуемые как toy или no skill — причем безоценочно, — художники, отдающие предпочтение намеренно небрежному или детскому стилю. Не думаю, что следует воспринимать такие характеристики, как no skill, в однозначно негативном ключе. MADSAKI и snipe1 много лет прожили в США, поэтому для них слова о том, что они не уделяют должного внимания технике, как это принято в Америке, звучат, вероятно, обидно. Но есть и другие, например, UFO (@ufo907), который всегда делал “детские” работы: после многих лет создания таких произведений, не вызывающих у него никакого стыда, это стало его стилем. Так что, хотя эти комментарии к твоему посту “Инстаграме” могут показаться обидными, ценности, на которых они базируются, не являются безусловными».

Думаю, это разумное объяснение.

Но меня больше занимают субъективные взгляды художников. Иначе говоря, как выглядит реальность с точки зрения японских граффитистов? Когда я встретил MADSAKI, он уже показал свою серию «Ваннабе», в которой с помощью краски-спрея изображал на холсте исторические шедевры. Это отличалось от стрит-арта в обычном понимании, и наше сотрудничество началось, когда я купил одну его работу из этой серии.

 

 

Когда MADSAKI в юности жил в США, он входил в группу под названием Barnstormers, лидером которой был Дэвид Эллис. Но потом MADSAKI вернулся в Японию. Тут он стал разрабатывать свой стиль: писал спреем непристойные шутки и модные логотипы на небольших панелях, поскольку, как я понимаю, создание своего стиля очень важно для художника-граффитиста. Но когда начинаешь писать на холсте, то есть переходишь в контекст современного искусства, по-моему, речь идет уже не только о стиле. Конечно, такие художники, как Жан-Мишель Баскиа или Кит Хэринг, имели каждый свой мощный стиль, но, думаю, MADSAKI пришлось уйти внутрь себя, чтобы отыскать источник творчества. Я обсуждал с ним этот и другие вопросы и выяснил, что его отношения с женой висят на волоске. Тогда я предложил ему написать жену — так он начал работать над серией «Жена». С этого момента MADSAKI, можно сказать, перестал быть уличным художником или граффитистом.

Серия «Жена», написанная в его грубом стиле, была очень хорошо принята, и MADSAKI постепенно приобретает уверенность. Но надо спросить: нужны ли тут вообще технические навыки в смысле стрит-арта?

Мы не можем отрицать, что в Японии искусство граффити началось с подражания американцам и европейцам. Но нет правила, которое предписывало бы изображать в граффити будничные сюжеты, как это делает MADSAKI. Думаю, сочетание личных нарративов со стилистикой японских граффити позволяет возникнуть оригинальному художественному языку. В этом смысле комментарии вроде toy или no skill могут стать благой вестью, предсказывающей будущее японского граффити.

Японский арт-остров Наосима – загляни в себя : beaujapancom — LiveJournal

ЧИТАТЬ НА САЙТЕ

Итак, вы садитесь на паром в Такамацу и прибываете в маленькую бухту Мияура, где вас встречает…

Нет, отнюдь не прославленная желтая тыква – фирменный знак экстравагантного гения Кусамы Яёй, – но её огромная красная товарка.

А «та самая» тыква уселась чуть дальше, как раз напротив музея-отеля Benesse House – художественного центра острова, созданного бывшим главой компании Benesse Фукутакэ Соитиро.

Знаменитая желтая тыква Кусамы Яёй преображает морской пейзаж, превращая старый причал в магнит для притяжения туристов со всего мира.

Знаменитая желтая тыква Кусамы Яёй преображает морской пейзаж, превращая старый причал в магнит для притяжения туристов со всего мира. 

Наосимское искусство, как и живая природа, полно контрастов, поэтому наряду с яркими «взрывными» произведениями здесь хозяйничают и, например, скульптуры Ли Уфана, которые вы вряд ли запомните в деталях – но совершенно точно запомните ощущения, которые рождают его работы, взаимодействуя с окружающей природой. Ключевое слово в его произведениях – это ёхаку,  прелесть незаполненного пространства, которая, в отличие от элементов материковой эстетики, благодаря отсутствию вещей заставляет воображение человека работать на полную мощность и рождает безграничную креативность.

Названия произведений и имена их авторов без труда можно отыскать в Сети, однако в этот раз нам хотелось, чтобы вы увидели и почувствовали преображенное искусством пространство и себя в нем как одно целое – а это тот случай, когда описания и ярлыки совершенно не нужны.

Японцы изначально не разделяли живую и неживую природу. До сих пор в местном обществе сложно представить себе фразу “Но это же просто вещь!”. В культуре, где не принято было открыто и прямо выражать свои эмоции в словах, материальные предметы играли важную роль медиаторов в общении между людьми. И даже больше, между человеком и природой, временем, пространством. Что же лучше современного искусства подходит, чтобы без слов выразить то, что на душе?

Баня как произведение искусства? Почему нет! Фото изнутри смотрите на официальном сайте бани Naoshima Bath 「I ♥湯」 (спойлер: в дУше слон!).

Арт-проект позволил оживить остров, который, как и многие другие, страдал от обезлюдения и старения общества. Создателям удалось привлечь на остров молодежь – как из Японии, так и из-за рубежа. Так они в очередной раз убедились, что культура и искусство могут стать градообразующей силой. Как Андо, так и Фукутакэ в один голос утверждают, что культура не должна следовать за экономикой. Должно быть наоборот. Движение вперед осуществляется мечтами и мыслями человека. 

Произведения искусства настолько гармонично и плотно вплетены в полотно острова, что невольно задумыаешься, так ли уж однозначна граница между созданным природой и созданным человеком – да и самим человеком, его душой и окружающим пространством.

Современное искусство отличается тем, что не ставит себе целью очаровать или испугать зрителя застывшим образом, но заставляет его увидеть то, мимо чего он до сих пор проходил мимо. Изменить привычный угол зрения. Раскрыться с неожиданной стороны. Так эти работы изменяют пространство, которое в свою очередь изменяет находящихся в нем людей.

“Море захотело быть красивым. Остров захотел стать лесом. Архитектура – это сплав пожеланий заказчика и пожеланий природы. А мы, архитекторы – мостики между этими двумя субъектами”, – говорит главный архитектор острова Андо Тадао.

Создавая островные проекты, Андо в первую очередь думал не о потоке разномастных туристов, а о детях, приезжающих на остров. “Мы хотели, чтобы дети загорелись мечтой относительно своего будущего, почувствовали радость бытия. Мне кажется, в настоящее время в японских семьях существует очень сильный дисбаланс в отношениях между родителями и детьми. Нам бы хотелось, чтобы на острове родителей и детей объединило восхищение искусством, чтобы их сердца запели в унисон” – говорит Андо Тадао.

Фукутакэ Соитиро уверен, что современное искусство способно изменить жизнь. Именно такую цель ставил перед собой инициатор превращения маленького острова во Внутреннем Японском море в арт-пространство, где через призму искусства природа возвращает человеку – Человека.

В 2022 году Наосима и другие соседние острова Внутреннего Японского моря в очередной раз примут гостей в межународном Триеннале Сэтоути. Не пропустите!

Фото: Андрей Жигмановский

Текст: Катя Эдж, главный редактор Красивой Японии

Японское искусство | Художественный институт Чикаго

Несмотря на то, что музей хорошо известен своей исключительной и обширной коллекцией японских гравюр, коллекции японского искусства также включают значительные произведения буддийского искусства, расписные ширмы, керамику и кимоно. При рассмотрении этих разнообразных произведений — от древних до современных — становится ясно, что японское искусство во многом является живой традицией. Взгляните на эти основные моменты коллекции.

Обратите внимание, что некоторые из этих работ могут периодически не отображаться из-за конфиденциальности их материала.Каждые три месяца в галереях показывают новую выставку гравюр. Посетите наш веб-сайт, чтобы увидеть, что в настоящее время просматривается.

Кацусика Хокусай

Одно из самых знаковых изображений в мире, этот принт не единственный в своем роде. Кацусика Хокусай сделал эту работу в рамках своей знаменитой серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи» (Fugaku sanjûrokkei) , которую он начал в 1830 году в возрасте 70 лет. Тысячи копий были сделаны с оригинальных ксилографий, и три копии Художественного института являются одними из самых ранних созданных.Каждая итерация работы немного отличается от других — на самом деле, на оригинальном отпечатке было розовое небо, черта, которая исчезла во многих копиях. В коллекции Художественного института есть одна из таких редких версий с розовым небом. Хотя в народе она известна под прозвищем «Великая волна», на самом деле в центре внимания гравюры находится гора Фудзи, которая кажется небольшой, но непоколебимой за волной, неуязвимой для ее угроз. Узнайте больше об этой гравюре в блоге музея и изучите выдающуюся коллекцию работ Кацусики Хокусая, хранящуюся в Художественном институте.

Япония

Это изображение полностью украшенной лошади с седлом, стременами и колокольчиками спереди и сзади представляет собой ханива , терракотовую фигуру, созданную для ритуального и погребального использования. Найденная в префектуре Ибараги, к северо-востоку от Токио, эта глиняная фигурка, вероятно, находилась перед курганом, в области, заполненной различными фигурками, а также формами животных, которые, возможно, предназначались для представления имущества, которое умерший надеялся заполучить. взять с собой после смерти.Форма лошади имеет большое значение, так как породы лошадей с азиатского континента доказали свою эффективность в военном отношении и быстро стали символами богатства и власти. Лошади также долгое время считались божественными существами с особыми духовными способностями.

Эта работа выставлена ​​в Галерее 102.

Утагава Хиросигэ

Этот принт из самой известной серии Утагавы Хиросигэ — «Сто видов Эдо» . В этой серии, состоящей из 119 амбициозных изображений, показаны известные и примечательные районы столицы Японии Эдо (ныне Токио) во все времена года. «Сто видов Эдо» начиналось как роскошное издание, которое требовало специальных печатных эффектов и большого количества цветовых блоков. По мере того, как популярность серии росла и было сделано гораздо больше отпечатков, раскраска становилась все более жесткой, а печать менее искусной. Отпечатки Художественного института из этой серии отличаются тонкой цветовой градацией и широким спектром ярких цветов, что свидетельствует о том, что они, скорее всего, являются относительно ранними изданиями. Сливовый сад в Камэйдо  — один из самых узнаваемых проектов Хиросигэ, поскольку он был скопирован Винсентом Ван Гогом в 1887 году.Крупный план цветущей сливы на принте и его неожиданные оттенки, особенно красноватое небо, делают эту работу особенно инновационной. Эта работа попала в Художественный институт через Кларенса Бэкингема, который купил гравюру у архитектора Фрэнка Ллойда Райта.

Япония

Вероятно, часть группы скульптур, созданных одной студией примерно в то же время, эта скульптура изображает синтоистское божество Хатиман, а именно Согьё Хатимана, или «Хатимана в образе монаха».Культ, посвященный Хатиману, зародился в Усе на северо-востоке Кюсю, месте, относительно близком к Корейскому полуострову, а также известном раннем буддийском центре. Буддизм пришел в Японию в шестом веке, и монахи стали одним из самых узнаваемых символов его практики. Облик Хатимана отражает слияние буддийских и местных синтоистских верований в общую иконографию.

Тосюсай Шараку

За десятимесячный период между летом 1794 года и ранней весной 1795 года Тосюсай Сяраку создал около 150 гравюр на дереве в поразительно творческой и новаторской манере.Это один из самых известных образов Сяраку: актер Кабуки Отани Онидзи III играет роль Эдобэя, злого слуги, чей внешний вид внушает страх. Сяраку был известен выразительными, почти карикатурными лицами своих фигур, и здесь напряженная гримаса актера, угрожающая посадка и растопыренные руки передают ощущение готовящейся атаки.

Китагава Утамаро

Китагава Утамаро, один из самых плодовитых японских художников-граверов конца 18-го и начала 19-го века, был известен своими изображениями красивых женщин, в основном из города Эдо (ныне Токио).Это одна из нескольких гравюр, на которых Утамаро изобразил молодую женщину на сложном узорчатом фоне. Одной из специализаций Утамаро была передача прозрачности определенных предметов, и в этой работе тонкие черты лица субъекта подчеркнуты прозрачным бледно-желтым гребнем, который она держит.

Ончи Косиро

Онти Косиро был одним из крупнейших художников и главным сторонником движения сёсаку ханга середины века, или творческой печати, в Японии.Художники этой самостоятельной группы с гордостью задумывали, вырезали и печатали свои собственные работы. Они не чувствовали  , что традиционный метод укиё-э, в котором задачи проектирования, вырезания и печати были разделены между специалистами, допускал истинное творческое выражение. Ончи сделал очень мало отпечатков своих композиций, и он сделал только три оттиска именно этого оттиска. Сложный рисунок — ярко-оранжевые отпечатки древесного угля на клетчатом фоне отпечатков деревянных блоков — потребовал ошеломляющих 22 стадий печати.

Работа Онти Косиро представлена ​​на выставке Онти Косиро: Любовь к бесформенным вещам . Узнайте больше о жизни и творчестве художника в этом блоге.

Япония

Этот фурисодэ , одежда с длинными рукавами, которую носят дети и незамужние женщины в особых случаях, принадлежал семье, гербом которой был татибана , цветок мандарина. Изготовленный из риндзу (мягкий блестящий шелк), предмет одежды, вероятно, использовался как учикаке (верхнее пальто).Красная ткань соткана в узор, сочетающий геометрические и цветочные формы, а цветущая слива вышита золотыми и белыми шелковыми нитями. Это тщательно вышитое дерево. Реалистичные очертания ствола дерева переданы рукоделием, характерным для позднего периода Эдо, — края ствола сначала обшивались толстой нитью, а затем поверх этой обивки обернутая золотом нить ложилась красной шелковой нитью.


Омура Коё был звездой своего поколения. Он родился в Фукуяме, окончил Киотскую муниципальную школу живописи в 1914 году и стал учеником Такеучи Сейхо (1864–1942), известного мастера нихонга, или традиционной японской живописи.С 1912 года до Второй мировой войны Омура регулярно выставлялся на главных выставках Японии. Он также представил свои работы восхищенной публике во Франции, Германии и Италии, завоевав международную популярность, что было редкостью для японских художников в то время. Эта пара экранов с шестью панелями от Омуры представляет собой крупный план пышного тропического леса, населенного видом птиц, известным как большой аргус. Пара справа спокойно сидит, в отличие от активного самца слева, который участвует в брачном танце и размахивает своими узорчатыми перьями на нескольких панелях.На всей работе также присутствуют яркие красно-оранжевые цветы королевского цветка poinciana. Художник наблюдал за этой дикой природой во время поездки в Голландскую Ост-Индию (современная Индонезия).

Япония

Этот длинный горизонтальный свиток, заказанный и выполненный в середине XIV века, иллюстрирует основание секты Юдзу Нэмбуцу в японском буддизме. Юдзу Нэмбуцу означает «воспевание имени [Амиды] в общении» — ссылка на веру в то, что воспевание имени Будды Амиды одним человеком повлияет на всех других существ, будь то достижение индивидуального перерождения или спасение душ в аду.Священник по имени Рёнин (1072–1132 гг.) основал секту в период Хэйан (794–1185 гг.), и этот свиток иллюстрирует жизнь Рёнина. Развернутый справа налево, свиток можно было бы изучать последовательными частями, каждая из которых примерно равна ширине плеч зрителя. В этой сцене Рёнин показан отшельником в Охаре, к северу от Киото, где он оставался в течение 24 лет в молитвах и медитациях, пока распространялась его слава святого человека. Сопутствующий свиток в коллекции Художественного музея Кливленда иллюстрирует чудеса, происходящие в результате воспевания имени Амиды.

Санкционная политика — наши внутренние правила

Эта политика является частью наших Условий использования. Используя любой из наших Сервисов, вы соглашаетесь с этой политикой и нашими Условиями использования.

Как глобальная компания, базирующаяся в США и осуществляющая деятельность в других странах, Etsy должна соблюдать экономические санкции и торговые ограничения, включая, помимо прочего, те, которые введены Управлением по контролю за иностранными активами («OFAC») Департамента США. казначейства. Это означает, что Etsy или любое другое лицо, использующее наши Сервисы, не может участвовать в транзакциях, в которых участвуют определенные люди, места или предметы, происходящие из определенных мест, как это определено такими агентствами, как OFAC, в дополнение к торговым ограничениям, налагаемым соответствующими законами и правилами.

Эта политика распространяется на всех, кто пользуется нашими Услугами, независимо от их местонахождения. Ознакомление с этими ограничениями зависит от вас.

Например, эти ограничения обычно запрещают, но не ограничиваются транзакциями, включающими:

  1. Определенные географические области, такие как Крым, Куба, Иран, Северная Корея, Сирия, Россия, Беларусь, Донецкая Народная Республика («ДНР») и Луганская Народная Республика («ЛНР») области Украины, или любой отдельный или юридическое лицо, работающее или проживающее в этих местах;
  2. Физические или юридические лица, указанные в санкционных списках, таких как Список особо обозначенных граждан (SDN) OFAC или Список иностранных лиц, уклоняющихся от санкций (FSE);
  3. Граждане Кубы, независимо от местонахождения, если не установлено гражданство или постоянное место жительства за пределами Кубы; и
  4. Предметы, происходящие из регионов, включая Кубу, Северную Корею, Иран или Крым, за исключением информационных материалов, таких как публикации, фильмы, плакаты, грампластинки, фотографии, кассеты, компакт-диски и некоторые произведения искусства.
  5. Любые товары, услуги или технологии из ДНР и ЛНР, за исключением подходящих информационных материалов и сельскохозяйственных товаров, таких как продукты питания для людей, семена продовольственных культур или удобрения.
  6. Ввоз в США следующих товаров российского происхождения: рыбы, морепродуктов, непромышленных алмазов и любых других товаров, время от времени определяемых министром торговли США.
  7. Вывоз из США или лицом США предметов роскоши и других предметов, которые могут быть определены США.S. Министр торговли, любому лицу, находящемуся в России или Беларуси. Список и описание «предметов роскоши» можно найти в Приложении № 5 к Части 746 Федерального реестра.
  8. Товары, происходящие из-за пределов США, на которые распространяется действие Закона США о тарифах или связанных с ним законов, запрещающих использование принудительного труда.

Чтобы защитить наше сообщество и рынок, Etsy принимает меры для обеспечения соблюдения программ санкций. Например, Etsy запрещает участникам использовать свои учетные записи в определенных географических точках.Если у нас есть основания полагать, что вы используете свою учетную запись из санкционированного места, такого как любое из мест, перечисленных выше, или иным образом нарушаете какие-либо экономические санкции или торговые ограничения, мы можем приостановить или прекратить использование вами наших Услуг. Участникам, как правило, не разрешается размещать, покупать или продавать товары, происходящие из санкционированных районов. Сюда входят предметы, которые были выпущены до введения санкций, поскольку у нас нет возможности проверить, когда они были действительно удалены из места с ограниченным доступом. Etsy оставляет за собой право запросить у продавцов дополнительную информацию, раскрыть страну происхождения товара в списке или предпринять другие шаги для выполнения обязательств по соблюдению.Мы можем отключить списки или отменить транзакции, которые представляют риск нарушения этой политики.

В дополнение к соблюдению OFAC и применимых местных законов, члены Etsy должны знать, что в других странах могут быть свои собственные торговые ограничения и что некоторые товары могут быть запрещены к экспорту или импорту в соответствии с международными законами. Вам следует ознакомиться с законами любой юрисдикции, когда в сделке участвуют международные стороны.

Наконец, члены Etsy должны знать, что сторонние платежные системы, такие как PayPal, могут независимо контролировать транзакции на предмет соблюдения санкций и могут блокировать транзакции в рамках своих собственных программ соответствия.Etsy не имеет полномочий или контроля над независимым принятием решений этими поставщиками.

Экономические санкции и торговые ограничения, применимые к использованию вами Услуг, могут быть изменены, поэтому участникам следует регулярно проверять ресурсы по санкциям. Для получения юридической консультации обратитесь к квалифицированному специалисту.

Ресурсы: Министерство финансов США; Бюро промышленности и безопасности Министерства торговли США; Государственный департамент США; Европейская комиссия

Последнее обновление: 18 марта 2022 г.

10 самых известных шедевров японской живописи

Японская живопись имеет очень богатую историю; его традиции обширны, а уникальное положение Японии в мире во многом повлияло на доминирующие стили и техники японских художников.Общеизвестно, что Япония на протяжении столетий была довольно изолированной — не только из-за географии, но и из-за доминирующей японской культурной склонности к изоляции, которая была отмечена в истории страны.

На протяжении столетий существования того, что можно было бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от всего остального мира. И это видно даже в японской живописи. Картины Нихонга , например, являются одним из основных продуктов японской живописи.Он основан на традициях, которым более тысячи лет, и картины обычно выполняются на васи (японская бумага) или эгину (шелк) с использованием кистей.

Вы заинтересованы в покупке и коллекционировании произведений искусства? Взгляните на эту замечательную картину Такаси Мураками, доступную на нашем рынке!

Тем не менее, японское искусство и живопись находились под влиянием зарубежных художественных практик . Во-первых, это было китайское искусство 16-го века, а также китайская живопись и традиции китайского искусства, которые были особенно влиятельны в ряде моментов.Начиная с 17 века, японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, который длился с 1868 по 1945 год, японская живопись находилась под сильным влиянием импрессионизма и европейского романтизма.

В то же время новые европейские художественные направления также находились под значительным влиянием японских художественных практик. Это влияние называется японизмом в истории искусства, и оно было особенно влиятельным для импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модерном.

Традиции японского искусства

Долгую историю японской живописи можно понять как синтез нескольких традиций, составляющих часть узнаваемой японской эстетики.

Прежде всего, буддийское искусство и техника живописи, а также религиозная живопись оставили значительный след в эстетике японской живописи; рисование пейзажей тушью в традиции живописи китайских литераторов — еще один важный элемент, узнаваемый во многих известных японских картинах; живопись животных и растений, особенно птиц и цветов, обычно связана с японскими композициями, а также с пейзажами и сценами из повседневной жизни.

Наконец, большое влияние на японскую живопись оказали античные представления о красоте из философии и культуры Древней Японии. Wabi , что означает преходящую и суровую красоту, sabi (красота естественной патины и старения) и yūgen (глубокая грация и утонченность) до сих пор являются влиятельными идеалами в японской живописной практике.

Если мы сосредоточимся на выборе десяти самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть укиё-э , который является одним из самых популярных художественных жанров в Японии, несмотря на то, что он относится к гравюре.Он доминировал в японском искусстве с 17 по 19 века, в то время как художники, принадлежащие к этому жанру, создавали гравюры на дереве и картины с изображением женщин-красавиц, актеров кабуки и борцов сумо, а также сцен из истории и народных сказок, сцен путешествий и пейзажей. флора и фауна, и даже эротика.

Всегда сложно составить список лучших картин того или иного искусства. Многие удивительные произведения искусства будут исключены; однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире.В этой статье будут представлены только те картины, которые были созданы с 19 века до наших дней.

Совет редактора: Искусство и техника японской живописи тушью суми-э: японская живопись тушью в исполнении Укао Учиямы

Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японские художники разработали большое количество уникальных техник и стилей , которые представляют собой наиболее ценный вклад Японии в мир искусства.Одной из таких техник является Sumi-e . Суми-э буквально означает «картина тушью», сочетает в себе каллиграфию и рисование тушью для создания композиций живописи кистью редкой красоты. Эта красота парадоксальна — древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но сдержанная — без сомнения, отражает духовную основу искусства дзен-буддизма. Буддийские священники привезли чернильную палочку и кисть с бамбуковой ручкой в ​​Японию из Китая в шестом веке, и за последние четырнадцать столетий Япония накопила богатое наследие живописи тушью.

Прокрутите вниз и посмотрите 10 шедевров японской живописи

Кацусика Хокусай — Сон жены рыбака

Одной из самых узнаваемых японских картин является Сон жены рыбака . Он был выполнен в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, то это удивительное произведение Хокусая нельзя считать картиной, так как это гравюра на дереве в жанре укиё-э из книги Kinoe no Komatsu , представляющей собой трехтомник сюнга эротики. .Композиция изображает юную ама-дайвершу, сексуально обвитую парой осьминогов. Эта японская живопись была весьма влиятельной в 19-м и 20-м веках. Работа оказала влияние на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луи Окок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо.

Томиока Тессай — Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическое стихотворение, глядя на луну

Томиока Тессай — псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником в традиции бундзинга и одним из первых крупных художников стиля нихонга.Традиция бундзинга была школой японской живописи, которая процветала в конце периода Эдо среди художников, считавших себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих японских художников, включая Тессаи, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.  

Фудзисима Такэдзи — Восход солнца над Восточным морем

Фудзисима Такэдзи был японским художником, известным своей работой по развитию романтизма и импрессионизма в художественном движении йога (западный стиль) в японской живописи конца 19-го и начала 20-го веков.В 1905 году он отправился во Францию, где испытал влияние французских движений того времени, особенно импрессионизма, что можно увидеть в его картине «Восход солнца над Восточным морем », написанной в 1932 году.

Китагава Утамаро — Десять этюдов женской физиогномики, Сборник правящих красавиц

Китагава Утамаро был выдающимся японским художником и художником, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен своей серией под названием «Десять исследований женской физиогномики», «Сборник царствующих красавиц», «Великие любовные темы классической поэзии». (иногда называемый Влюбленные женщины , содержащий отдельные отпечатки, такие как Открытая любовь и Задумчивая любовь ).Он является одним из самых значительных японских художников, работающих в жанре ксилографии укиё-э.

Каванабэ Кёсай — Тигр

Каванабэ Кёсай был одним из самых выдающихся японских художников периода Эдо. На его искусство повлияли работы Тохаку, художника Кано шестнадцатого века, который был единственным художником своего периода, который рисовал трафареты полностью тушью на тонком фоне золотой пудры. Хотя Кёсай наиболее известен как карикатурист, он создал одни из самых заметных картин в истории японского искусства 19 века. Тигр — одна из тех картин, где Кёсай использовала акварель и тушь для создания этой картины.

Хироси Ёсида — Фудзи с озера Кавагути

Хироши Ёсида известен как один из наиболее важных представителей стиля син-ханга (син-ханга — художественное движение в Японии начала 20-го века, в периоды Тайсё и Сёва, возродившее традиционное искусство укиё-э, уходящее своими корнями в периоды Эдо и Мэйдзи (17–19 века) Он обучался западной традиции масляной живописи, которая была принята в Японии в период Мэйдзи.

Такаши Мураками — 727

Такаши Мураками, наверное, самый популярный японский художник сегодня. Его работы продаются по астрономическим ценам на крупных аукционах, а его искусство уже вдохновляет целые поколения художников не только в Японии, но и во всем мире. Искусство Мураками охватывает широкий спектр сред и обычно описывается как суперплоское. Его работы известны использованием цвета, включением мотивов японской традиционной и популярной культуры.Содержание его картин часто называют «милым», «психоделическим» или «сатирическим».

Яёи Кусама — Тыква

Яёи Кусама также является одной из самых известных современных японских художниц. Она создает в различных средствах массовой информации, включая живопись, коллаж, скат-скульптуру, перформанс, искусство окружающей среды и инсталляции, большинство из которых демонстрируют ее тематический интерес к психоделическим цветам, повторению и узору. Одной из самых известных серий этого великого художника является серия Тыква .Знаковая тыква, покрытая горошек насыщенного желтого цвета, представлена ​​на фоне сеток. В сочетании все эти элементы образуют визуальный язык, безошибочно узнаваемый по стилю художника, который развивался и совершенствовался в течение десятилетий кропотливого производства и воспроизведения.

Найдите другие интересные работы Яёи Кусамы!

Tenmyouya Hisashi — Японский дух № 14

Тэнмёя Хисаши — современный японский художник, наиболее известный своими картинами «Нео-Нихонга».Он участвовал в возрождении старой традиции японской живописи, которая представляет собой антитезу современной живописи в японском стиле. В 2000 году он также создал свой новый стиль «Бутуха», который через свои картины показывает сопротивление авторитетной художественной системе. Японский дух № 14 был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретируемой в японской культуре как бунтарское поведение аристократии низшего сословия в период Воюющих царств, направленное на отрицание власти в погоне за идеальным образом жизни путем одевания в великолепные роскошные костюмы и действия по доброй воле не соответствовали их принадлежности к социальному классу.

Кацусика Хокусай — Большая волна у Канагавы

Наконец, Большая волна у Канагавы , пожалуй, самая узнаваемая японская картина из когда-либо созданных. На самом деле это самое выдающееся произведение искусства «сделано в Японии». На ней изображена огромная волна, угрожающая лодкам у берегов префектуры Канагава. Хотя эту волну иногда принимают за цунами, судя по названию изображения, она, скорее всего, будет большой волной-убийцей. Картина выполнена в традиции укиё-э.

Все Изображения использованы только в иллюстративных целях.

Общество японского искусства Америки — Общество японского искусства Америки способствует изучению и признанию японского искусства на международном уровне.

Американское общество японского искусства (JASA) содействует изучению и признанию японского искусства. Миссия JASA, основанная в 1973 году как Американское общество укиё-э коллекционерами японской гравюры, расширилась за счет включения смежных областей японского искусства. Благодаря своим ежегодным лекциям, семинарам и другим мероприятиям Общество представляет собой динамичный форум, на котором члены могут обмениваться идеями и опытом с экспертами в области традиционного и современного искусства Японии.

Виртуальные мероприятия в апреле и мае

Присоединяйтесь к нам в четверг, 28 апреля, в 17:00. EDT, для вебинара Zoom Великолепие самураев: фурнитура для мечей из Эдо, Япония, , представлено Маркусом Сеско, младшим куратором азиатского оружия и доспехов в Метрополитен-музее. Примечание: Требуется предварительная регистрация. Нажмите здесь, чтобы зарегистрироваться: событие 28 апреля.

И отметьте в своем календаре вторник, 10 мая, 17:00. EDT, для нашего вебинара Zoom с авторами Элис Норт и Луизой Эллисон Корт.Они обсудят свою новую книгу « Listening to Clay: Conversations with Contemporary Japanese Ceramic Artists». , в котором рассказываются истории 16 уважаемых японских художников-керамистов в возрасте от 94 до 64 лет, написанные их собственными словами. Нажмите здесь, чтобы зарегистрироваться: событие 10 мая.

Если вы не смогли посетить вебинар Reflections of a Collector, 20 марта с участием известного чикагского коллекционера гравюр Джорджа Манна , запись размещена ниже.

Подробную информацию и ссылки на это и другие мероприятия, а также предыдущие видеоролики веб-семинаров см. на нашей странице мероприятий, спонсируемых JASA.Вы также можете найти ссылки и подробную информацию обо всех записанных мероприятиях JASA на нашей странице видео лекций.


  • Лекция: Размышления коллекционера: Джордж Манн 21 марта 2022 г.

    Лекция: Размышления коллекционера: Джордж Манн

    20 марта 2022 года с программной речью на ежегодном собрании Японского художественного общества Америки выступил известный коллекционер укиё-э Джордж Манн, который рассказал о выдающихся гравюрах и легендарных фигурах в мире японской печати.

    Посмотреть другие записи лекций

  • Доступно: Impressions 43 Часть первая (2022) 23 февраля 2022 г.

    Impressions 43 Первая часть двойного выпуска (2022) отправлена ​​участникам! В этом выпуске жизнь и работа гончара Китаодзи Розанджина рассматриваются с трех точек зрения. Monika Bincsik и John Weber весело проводят время, обсуждая коллекцию кимоно Weber. Джулия Мич представляет текстиль, приобретенный знаменитым коллекционером гравюр Луи Леду . Кендалл Браун объясняет маркетинг гравюр от Охара Косон . Мы отдаем дань уважения двум выдающимся женщинам, которые изменили нашу сферу деятельности: Gunhild Avitabile и Shirley Z. Johnson . Мелинда Такеучи, Элизабет де Сабато Суинтон и Холлис Гудолл просматривают для нас новые публикации о буддийском искусстве и японских гравюрах, а Мириам Чусид раскрывает секрет картины 17-го века Приветствующий спуск .(Нажмите здесь, чтобы просмотреть Impressions 43 Part One Table of Contents.)

    Дополнительные экземпляры также можно заказать через магазин JASA или нашу онлайн-форму заказа публикаций.

  • Лекция: Авангардная каллиграфия и дзен между послевоенной Японией, Европой и США (доктор Евгения Богданова-Куммер) 13 февраля 2022 г.

    Лекция: Авангардная каллиграфия и дзен между послевоенной Японией, Европой и США Штаты

    (Эта запись разговора только аудио!)

    9 февраля 2022 г.Евгения Богданова-Куммер выступила с докладом о послевоенной японской каллиграфии. Основываясь на своей недавней книге «Бокудзинкай: японская каллиграфия и послевоенный авангард», она представила базирующуюся в Киото группу авангардистов каллиграфии под названием Бокудзинкай и изучила их международные пути. Bokujinkai — или «Люди чернил» — это группа, образованная в 1952 году пятью каллиграфами: Моритой Сирю, Иноуэ Юичи, Эгути Согеном, Накамура Бокуши и Сэкия Ёсимити. В первые послевоенные годы каллиграфы-авангардисты из Японии радикально преобразовали свое искусство с целью вывести каллиграфию на один уровень признания с абстрактной живописью.Для достижения этой цели они начали творческое сотрудничество с европейскими художниками Art Informel и американскими абстрактными экспрессионистами и вскоре начали делить с ними выставочные площади в Музее современного искусства в Нью-Йорке, Documenta в Касселе, Биеннале Сан-Паулу и Carnegie International.

    Д-р Богданова-Куммер изучила роль, которую послевоенное глобальное движение дзен сыграло в формировании успеха японской каллиграфии за рубежом, и представила их сотрудничество как один из самых ярких примеров раннего послевоенного глобального обмена искусством.

    Посмотреть другие записи лекций

  • Лекция: Японская буддийская карта мира: религиозное видение и картографическое воображение (проф. Макс Мурман) 12 января 2022 г.

    Японская буддийская карта мира: религиозное видение и картографическое воображение (Макс Моэрман)

    11 января 2022 г. Профессор Макс Моэрман выступил с докладом на тему карт в японском буддизме. По крайней мере, с 14 по конец 19 века японские монахи создавали и использовали карты для построения, представления и поиска своего места в буддийском мире.Такие карты обеспечивают пространственную историю религиозной мысли, информируют об интеллектуальной ориентации и культурной идентичности, а также раскрывают центральное место Индии в воображении японских буддистов. Японская буддийская карта мира: религиозное видение и картографическое воображение (Гавайский университет, декабрь 2021 г.) доктора Моэрмана — первая книга, в которой представлен и проанализирован этот неизвестный архив японских буддийских карт мира. Анализируя историю этих карт, а также их производства, репродукции и восприятия, данное исследование приводит доводы в пользу альтернативной истории японского буддизма через источники визуальной и материальной культуры.

    Посмотреть другие записи лекций

  • Лекция: Хокусай: кураторский взгляд 5 декабря 2021 г.

    Лекция: Хокусай: кураторский взгляд

    В 2021 году несколько великолепных выставок были посвящены мастеру-художнику Хокусаю . Замечательное шоу в Национальном музее азиатского искусства, которое будет доступно до 9 января 2022 года, посвящено коллекции рисунков, картин и ширм Хокусая, собранной его основателем Чарльзом Лангом Фриром. По ту сторону Атлантики в Британском музее проходит долгожданная выставка рисунков Хокусая, которая продлится до 30 января 2022 года.Другие кураторы музеев обратили внимание на новые публикации.

    В рамках нашей ежегодной праздничной программы 1 декабря 2021 года у нас была возможность услышать, как четыре опытных куратора и специалиста рассказывают о своем взгляде на понимание рисунков, гравюр и картин Хокусая:

    • Фрэнк Фелтенс, «Визуализация грома: Бог грома Хокусая»
    • Альфред Хафт, «Иллюстрации Хокусая к Великой иллюстрированной книге всего»
    • Андреас Маркс, «Махнуть или не махнуть: вариации гравюр Фудзи Хокусая»
    • Сара Томпсон, «Рисунки Хокусая и его учеников в Музее изящных искусств, Бостон»

    Записанное событие можно просмотреть выше.

    Посмотреть другие записи лекций

Читать дальше новости…

КРАТКАЯ ИСТОРИЯ ЯПОНСКОГО ИСКУССТВА

КРАТКАЯ ИСТОРИЯ ЯПОНСКОГО ИСКУССТВА

Древний японский артефакт

Японское искусство включает в себя широкий спектр стилей и средств выражения, включая керамику, скульптуру, живопись и каллиграфию на шелке и бумаге, гравюры на дереве укиё-э, оригами и, в последнее время, мангу, а также множество других видов искусства.Она имеет такую ​​же длинную историю, как и культура страны Восходящего Солнца, которая начинается с зарождения человеческих поселений, примерно в 10 000 лет до нашей эры, до наших дней.

Исторически Япония была подвержена внезапным вторжениям новых и чуждых идей (уместно сказать, что по своим географическим и культурным характеристикам страна почти всегда была «миром в себе»), за которыми следовали длительные периоды контактов, сведенных к минимуму. внешний мир. Со временем японцы развили способность впитывать, подражать и, наконец, усваивать те элементы чужой культуры, которые дополняли их эстетические предпочтения.

Первые образцы сложного искусства в Японии были созданы в VII и VIII веках в связи с буддизмом. В девятом веке, когда японцы начали освобождаться от культурного влияния Китая и развивать местные формы самовыражения, все большее значение приобретало светское искусство. До конца пятнадцатого века процветало как религиозное, так и светское искусство. После войны Онин (1467 — 1477) Япония вступила в период политического распада, социального и экономического, который длился более века.В государственной организации, возникшей под руководством сёгуната Токугава, организованная религия стала играть гораздо меньшую роль в жизни людей, а уцелевшие искусства носили преимущественно светский характер.

Живопись, которую практикуют любители и профессионалы, является предпочтительным художественным выражением в Японии. Даже сегодня, как и в древние времена, японцы писали кистью, а не пером, и их знакомство с использованием техники кисти сделало их особенно чувствительными к эстетическим ценностям живописи.С ростом массовой культуры в период Эдо стиль гравюры на дереве укиё-э стал важной формой искусства, и его методы были усовершенствованы для создания красочных гравюр практически на любую тему, от ежедневных новостей до выпусков школьных учебников. Японцы всегда думали, что скульптура была средством гораздо менее чутким к художественному выражению: использование скульптуры в Японии почти всегда было прерогативой религии, и ее использование уменьшилось вместе с уменьшением значения традиционного буддизма.

Керамика, одна из лучших в мире, представляет собой первые известные артефакты японской культуры. В архитектуре японцы всегда ясно выражали свое исконное предпочтение натуральных материалов и гармоничного взаимодействия между внутренним и внешним пространством.

 

Золотой павильон (Кинкаку-дзи) в прекрасном обрамлении природы в Киото

 

Вот общепринятая периодизация японской истории:

  • Дзёмон (縄文時代) от истоков до примерно 300 г. до н.э.C.
    Период получил свое название от «струнной текстуры», которой были украшены первые керамические изделия, и включает в себя первые художественные свидетельства японского прото.
  • Яёй (弥生時代) от 300 г. до н.э. примерно до 300 г. н.э.
    Художественное производство эстетически простое, но начинает предполагать использование революционных технологий, таких как токарный станок. Фундаментальной характеристикой является внедрение металлургии.
  • Ямато (大和時代) с 300 по 710
    Это период, отмеченный господством одноименного клана, который первым объединил страну.Отличительной архитектурной особенностью является сооружение богатых и впечатляющих курганов.
  • Нара (奈良時代) с 710 по 794
    Впервые в империи появляется основной капитал: Нара. Раньше, на самом деле, она колебалась, когда Император умирал. Решающее влияние буддизма в художественном произведении.
  • Хэйан (平安時代) с 794 по 1185
    Процветает производство мандал и первых пагод. При дворе стало проявляться большое внимание к искусству.К этому времени относится знаменитый Гэндзи Моногатари.
  • Камакура (鎌倉時代) с 1185 по 1333 год
    Название происходит от сёгуната, во время которого мы наблюдаем переход власти от аристократии к классу военных самураев. В искусстве преобладает реализм.
  • Муромати (室町時代) с 1336 по 1573
    После перерыва в городе Камакура имперская столица снова стала Киото. Художники берутся за менее популярные и аристократические темы.Решающее влияние дзен.
  • Адзути Момояма (安土桃山時代) с 1573 по 1603 год
    Адзути и Момояма — соответствующие замки даймё Нобунаги и Хидэёси, чья серия войн характеризует этот период. Это утверждает художественная школа Кано.
  • Эдо (江戸時代) с 1603 по 1868 год
    Это торжество политической и военной мощи династии Токугава, которая перенесла столицу в Токио и закрыла все двери для контактов с иностранцами.Большое внимание уделяется науке и технике.
  • Мэйдзи (明治時代) с 1868 по 1912 год
    Обновление Мэйдзи возвращение власти императору после многовекового правления сёгуна. Страна, в результате мощного толчка индустриализации, стала военной державой.
  • Тайшо (大正時代) с 1912 по 1926 год
    Это фаза демократизации. Слабость императора позволяет, несмотря на империалистические тенденции в годы войны, утверждать широко распространенный культурный либерализм.
  • Сёва (昭和時代) с 1926 по 1989 год
    При долгом правлении императора Хирохито страна переживает огромные социальные и культурные потрясения, вызванные как Второй мировой войной, так и постконфликтным восстановлением.
  • Хэйсэй (平成時代) с 1989 по 2019 год
    С приходом к власти Акихито определяются культурные характеристики современной Японии: страны, где сосуществуют удивительно футуристические экземпляры и традиции предков.
  • Рейва (令和時代) с 1 мая 2019 г.
    Новая эра Японии официально началась 1 мая 2019 г., в день, когда наследный принц Нарухито взошел на трон в качестве 126-го императора Японии, сменив своего отца. Император Акихито.

Источник: Wikipedia.org

 

Вернуться на главную »

 

ЯПОНСКОЕ ИСКУССТВО > КРАТКАЯ ИСТОРИЯ ЯПОНСКОГО ИСКУССТВА


Влияние японского искусства на западных художников

На протяжении всей истории Япония оказывала значительное влияние на западное искусство и продолжает оказывать его по сей день.Художники черпали вдохновение во всех аспектах японской художественной традиции, от гравюр на дереве укиё-э до современной манги. Позвольте Artsper отправиться в путешествие во времени и культурах, пока мы рассмотрим влияние японского искусства на западных художников.

Импрессионизм и рождение японизма

Пруд с водяными лилиями, Клод Моне, 1899 и Под мостом Маннен в Фукагава, Кацусика Хокусай, ок. 1830-32

Влияние японского искусства на западных художников проявилось в конце 19 века во время движения импрессионистов.Это явление стало известно как японизм, поскольку интерес к японскому искусству резко возрос после того, как Япония возобновила торговлю с Западом в 1853 году, тем самым познакомив Европу со своими товарами и культурой. Японизм впервые был использован в качестве термина французским коллекционером и искусствоведом Филиппом Бурти в 1872 году, когда влияние Японии на западных художников стало более распространенным.

Одним из таких вступлений были гравюры на дереве укиё-э, буквально означающие «изображения плывущего мира», относящиеся к увеселительным районам Эдо (ныне Токио).На гравюрах были изображены актеры театра кабуки, пейзажи, эротические сцены и многие другие аспекты японской культуры. Одними из самых известных художников укиё-э были Кацусика Хокусай, Китагава Утамаро и Утагава Хиросигэ, чьи уплощенные перспективы, яркие цвета и четкие очертания безгранично вдохновляли западных художников.

Действительно, важно отметить, что некоторые работы этих художников считаются ориентализмом, а не простым вдохновением, поскольку они одевались в традиционную одежду и подражали японцам.Если не в то время, то, безусловно, в ретроспективе мы признаем эту практику скорее присвоением культуры, чем ее прославлением, которое мы не хотим приукрашивать.

Тема сообщения

Художники-импрессионисты, такие как Эдгар Дега, Клод Моне и Джеймс Тиссо, собрали большие коллекции японского искусства. Однако некоторые воспринимали вдохновение более буквально, чем другие. Примечательно, что тематику картин Моне « Японский мост » можно напрямую сравнить с пейзажами гравюр укиё-э, особенно с картиной Хокусая « Под мостом Маннен в Фукагава », тем самым привнося отчетливо японское ощущение в традиционно французское движение импрессионизма. .

Стиль

Прическа, Мэри Кассат, 1890-91 и Такашима Охиса использует два зеркала для наблюдения за своей прической, Китагава Утамаро, ок. 1795

Между тем, многие художники, например, Мэри Кассат и Эдгар Дега, делали более тонкие ссылки на гравюры укиё-э, особенно в стиле, а не в предмете. Кассат заново изобрела свой фирменный сюжет о женщинах и детях в стиле японских гравюр, используя плоские цвета и указывая размерность только за счет использования линий, а не тона.Это особенно заметно на ее гравюре The Coiffure , на которой изображена женщина, расчесывающая волосы каждый день. Принт напоминает картину Китагавы Утамаро Takashima Ohisa Using Two Mirrors to Observe Her Coiffure, , несмотря на то, что последняя была создана сто лет назад, тем самым подчеркивая вневременность жанра.

Точно так же Эдгар Дега, Женщина, расчесывающая волосы , как говорят, был непосредственно вдохновлен Утагавой Хиросигэ, Ямауба, расчесывающая волосы и Кинтоки. На обеих работах изображены обнаженные женщины, занимающиеся домашними делами, в соответствии с уже устоявшимся стилем Дега. Тем не менее, точка зрения зрителя, находящегося немного выше объекта, является явно японской чертой, которую он усвоил благодаря обширному знанию работ японских художников.

Постимпрессионизм

Безусловно, нельзя говорить о влиянии японского искусства на западных художников, не упомянув о творчестве Винсента Ван Гога.Хотя он немного опоздал с пониманием, чем парижские художники того времени, японское искусство произвело на него неизгладимое впечатление. Его любовь к природе и пейзажам, изображенным на гравюрах укиё-э, даже побудила его переехать в Арль на юге Франции в поисках вдохновения для более достоверного воссоздания японского стиля живописи, которым он восхищался.

Будь то предмет или стиль, ясно одно: импрессионисты не могли насытиться японским искусством!

Ар-нуво и новое вдохновение

Портрет Адели Блох-Бауэр I , Густав Климт, 1907

Переходя к стилю ар-нуво, Густав Климт тоже был вдохновлен гравюрами укиё-э, свидетельства которых особенно заметны в плоских плоскостях, замысловатых узорах и ярких цветах его работ.Кроме того, он, как говорят, был большим поклонником школы Ринпа в Киото, известной своим искусным использованием фона из сусального золота и изысканным стилем. Конечно, это можно увидеть во всей «Золотой фазе» Климта, где его принадлежность к сусальному золоту и деталям проявилась сама собой.


Японский диван, Анри де Тулуз-Лотрек, 1892 и Две женщины, Китагава Утамаро, ок. 1790

Между тем, еще одним художником ар-нуво был Анри де Тулуз-Лотрек, чья излюбленная тема танцевальных залов и публичных домов Монмартра представляет собой европейский эквивалент районов удовольствий Эдо.Он считал частью своей коллекции укиё-э гравюры Китагавы Утамаро, который был арестован в 1804 году из-за его гравюр исторических личностей, изображенных с куртизанками на вечеринках. Художники были явно родственными душами, несмотря на разницу поколений и культур! Использование Тулуз-Лотреком цвета, темных контуров и отсутствия глубины в его плакатах особенно характерно для гравюр театров Кабуки. Его произведение Divan Japonais является прекрасным примером его обожания всего, что связано с Японией.

Абстрактный экспрессионизм и искусство каллиграфии

Махонинг , Франц Клайн, 1956 г.

Влияние японского искусства на западных художников не прекратилось на рубеже веков. Однако центры интересов развивались, как и центр западного художественного влияния; переезд из Парижа в Нью-Йорк. Говорят, что художники американского движения абстрактного экспрессионизма на протяжении 1940-х и 50-х годов также искали вдохновения на Востоке. Две страны оказали большое взаимное влияние в послевоенные годы, что свидетельствует о проникновении японской культуры в коллективное бессознательное того времени.На юнгианскую теорию коллективного бессознательного часто ссылались абстрактные экспрессионисты, поскольку это то, что они намеревались выразить в свободе своих работ. Хотя это иногда оспаривается, обычно считается, что на широкие мазки в работах Франца Клайна, Виллема де Кунинга и Джексона Поллока повлияла японская (и китайская) каллиграфия.

Франц Клайн

Кроме того, Франц Клайн, в частности, интересовался авангардной каллиграфической группой Bokujinkai , , базирующейся в Киото.В то время группа обратилась к нему и другим художникам, отметив сходство между их работами и его серией Black and White . Клайн переписывался с ними многими письмами и даже пропагандировал японскую каллиграфию среди американской аудитории, ссылаясь на определенное сходство стиля их работ. Однако с течением времени Клайн позже начал отрицать сходство между своей работой и каллиграфией, аргументируя это тем, что его работы были чисто визуальными, а не письменными.Вероятно, это связано с чувством национализма, которое росло в Америке после войны, и его желанием стать частью движения абстрактного экспрессионизма. Общеамериканская эстетика так нравилась американским искусствоведам, что подавлялось влияние японского искусства.

Джексон Поллок
Эхо: номер 25 , Джексон Поллок, 1951 г.

Кроме того, Джексон Поллок, хотя и известен своими абстрактными работами, был также очарован концепцией письма и заново изобрел письменность многих культур, включая японскую каллиграфию, в абстрактном стиле в своих картинах.Более того, Поллок использовал японскую бумагу при создании своих работ, особенно тех, которые являются частью его серии Black , визуальный стиль которых особенно напоминает свободно плавные мазки каллиграфии.

Итак, будь то современный миф или настоящий источник вдохновения, визуальное сходство между японской каллиграфией и этими абстрактными рисунками очевидно.

Современное искусство и появление манги

Radiant , французская манга

До наших дней увлечение японским искусством не перестало существовать среди западных художников.Теперь настала очередь манги, буквально означающей комиксы (и ее анимационной формы, аниме), характеризующейся преувеличенными выражениями лица и яркими цветами. Начиная с середины 1990-х годов, Франция глубоко ценит японскую мангу и в настоящее время представляет собой второй по величине рынок в мире после Японии. Это привело к тому, что такие издатели, как Glénat, выпустили собственную мангу на французском языке, а также возникла концепция движения La Nouvelle Manga, в котором участвуют франко-бельгийские и японские художники.

Поп-культура

Кроме того, это совпало с феноменом покемонов, охватившим мир в 1990-х годах, который выдвинул японский художественный стиль на первый план. Это больше не неизвестный стиль рисования, а элемент популярной культуры. Между тем такие художники, как Такаши Мураками, который и по сей день является одним из самых громких имен в современном искусстве, также пережили значительный рост популярности в этот период. Его искусство сыграло ключевую роль в представлении эстетики каваи на Западе, известного своими пастельными тонами и милыми персонажами.Следовательно, японское искусство было вездесущим в 90-х годах, будь то в форме комиксов, игр или картин, поэтому неудивительно, что оно укоренилось в умах западных художников.

Песня тигра, Кэролайн Морель, 2019 г.

Сегодня французские и американские художники, в частности, продолжают этот вид искусства по-своему. Они в значительной степени черпают вдохновение из персонажей и стиля манги, но сочетают их с западными влияниями. Например, на Artsper вы можете найти нескольких художников, таких как Кэролайн Морел и Арно Мец, которые использовали этот современный стиль японского искусства в своих работах.

Итак, путешествуя из Японии во Францию ​​и в Соединенные Штаты, мы можем видеть, что японское искусство оказало большое влияние на западных художников за последние два столетия. Без сомнения, японское искусство останется богатым источником вдохновения на долгие годы, поскольку они являются пионерами современных технологий, которые становятся все более популярными в качестве предмета современного искусства. Но какой вид искусства вдохновляет вас больше всего? Сложность гравюр укиё-э, поразительная природа каллиграфии или повествование манги?


Японское искусство — самые известные японские художники и произведения искусства

Японское искусство имеет длинную и яркую историю, начинающуюся с 10-го тысячелетия до нашей эры до наших дней.На протяжении всей истории этого региона различные империи вторгались в страну и оставляли свое влияние на традиционное японское искусство. Со временем японские художники выбрали элементы вторгшихся культур, которые соответствовали их предпочтительной эстетике, впитывая и усваивая из них концепции, техники и мотивы, создавая таким образом уникальные стили японского искусства из этих иностранных влияний.

 

 

Известные японские художники и их произведения

Буддизм был важным компонентом в создании сложного искусства в 7-м и 8-м веках в Японии.Религиозные сюжеты были распространены в древнем японском искусстве, но японские произведения искусства в конечном итоге распространились на другие предметы, отражающие повседневную жизнь и окружающую среду местных жителей.

Сегодня мы рассмотрим десять известных японских художников и японские картины, которые привлекли к ним внимание публики.

 

Тэнсё Сюбун (1414–1463)

Национальность японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Период Муромати
Известные произведения искусства Чтение в бамбуковой роще (1446)

Цвет воды, Свет на вершинах (ок.15 век)

Выпас быков Серия (ок. 15 века)

Тэнсё Сюбун родился в японской провинции Оми в конце 14 века. Позже он переехал в Киото, став директором бюро придворной живописи, учреждения, состоящего из влиятельных японских меценатов. Историки считают Шубуна отцом живописи тушью Суйбоку, стиля, зародившегося в Китае, но который Шубун помог включить в традиционное японское искусство.

№ 6. Дом верхом на быке (ок. 15 века) Тэншо Шубуна. Это одно из десяти изображений, широко известных на английском языке как (или пастьба быков) изображений, созданных японским монахом Риндзай Дзэн XV века Сюбуном. Говорят, что это копии утерянных оригиналов, которые традиционно приписывают Какуану, китайскому мастеру дзэн XII века; Tenshō Shūbun, общественное достояние, через Wikimedia Commons

После изучения китайских мастеров, таких как Ма Юань и Ся Гуй, Сюбун взял элементы их работ и создал стиль рисования тушью, продвигая его, пока он не стал местным стилем той эпохи.Затем Шубун стал наставником японской живописи для будущих мастеров, таких как Кано Масанобу и Сесшу Тоё. Чтение в бамбуковой роще , написанная в 1446 году, считается самой известной картиной Сюбуна, получившей звание национального достояния Японии.

 

Чтение в бамбуковой роще (1446)
Дата создания 1446
Средний Светлый цвет на бумаге
Размеры 134.8 см х 33,3 см
Текущее местоположение Токийский национальный музей

Отражая более ранние работы китайских художников Южной Сун, этот ранний образец древнего японского искусства изображает пейзаж и поэзию, написанные на поверхности свитка. Он принадлежал дзен-монаху из храма в Киото, но, как говорят, был создан Сюбуном, другим монахом из храма в Сёкоку-дзи.

Деталь картины «Чтение в бамбуковой роще » (1446) Тэншо Сюбуна.Полная прокрутка: 134,8 х 33,3 см;  Tenshō Shūbun, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Многие дзэнские монахи добавили к свитку предисловие и дополнительные стихи, что затрудняет определение того, кто именно создал это древнее японское произведение искусства. Тем не менее, он считается одним из немногих существующих примеров японских рисунков той эпохи, которые соответствуют фирменному стилю Сюбуна.

Таким образом, эта картина передавалась из поколения в поколение в храме Мёти-ин в Киото как оригинал Сюбун.

 

Сэссю Тоё (1420-1506)

Национальность японский
Где жил художник Битчу, Япония
Ассоциированные движения Период Муромати
Известные произведения искусства Пейзажи четырех сезонов (1469)

Сансуи Чокан (Длинный свиток пейзажей) (1486)

Хуйке предлагает свою руку Бодхидхарме (1496)

Сэссю Тоё был одним из немногих традиционных японских художников периода Муромати, который пользовался большим уважением не только в Японии, но и в Китае.Это произошло из-за влияния художников китайской династии Сун на его работы, которым он затем придал свой собственный японский характер. Он считался крупнейшим представителем японской живописи тушью, которая была основана Тэнсё Сюбуном, его мастером, который научил его японским художественным стилям, таким как суми-э (рисование тушью).

Портрет Сэссю Тойо, ок. 16-ый век; 不詳 неизвестно, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Тоё взял традиционный стиль своего мастера Сюбуна и придал ему особый японский характер за счет использования более плоского пространственного пространства, более толстых линий и большего контраста между тенью и светом.Его сверстники, а также историки считали Тоё величайшим художником Японии, и его влияние до сих пор можно увидеть в японских картинах.

 

Пейзаж четырех времен года (1486)
Дата создания 1486
Средний Чернила и светлый цвет на бумаге
Размеры Свиток 40 см x 15 м
Текущее местоположение Музей Мори, Ямагути, Япония

Считающийся величайшим образцом японской живописи тушью, Пейзаж четырех времен года историки считают шедевром Сесшу Тоё.На 15-метровом свитке изображены различные времена года, начиная с весны и заканчивая зимой.

Китайское влияние прослеживается как в стиле, так и в теме композиции, однако Тоё привнес в это произведение японский характер, что отличает его от искусства китайской династии.

СЛЕВА: Пейзаж четырех времен года, зима (15 век) Сесшу Тоё; Sesshū Tōyō, общественное достояние, через Wikimedia Commons  | СПРАВА:  Пейзаж четырех времен года, лето (15 век) Сесшу Тоё; Sesshū Tōyō, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Тоё также рисовал другие стили японского искусства и предметы, такие как японские рисунки Будды и другие картины под влиянием дзэн.Тем не менее, именно Пейзаж четырех времен года больше всего определяет стиль, благодаря которому Тоё считается мастером традиционного японского искусства.

СЛЕВА: Пейзаж четырех времен года, осень (15 век) Сесшу Тоё; Sesshū Tōyō, общественное достояние, через Викисклад | СПРАВА: Пейзаж четырех времен года, весна (15 век) Сесшу Тоё; Sesshū Tōyō, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Хасэгава Тохаку (1539–1610)

Национальность японский
Где жил художник Нанао, Япония
Ассоциированные движения Школа Хасэгава
Известные произведения искусства Клен (1593)

Сосны и цветковые растения (1593)

Сосны (1595)

Хасэгава Тохаку родился в 1539 году в городе Нанао, Япония.Он начал свою карьеру художника, рисуя изображения Будды в своем родном городе, и к двадцати годам стал достаточно успешным, чтобы стать профессиональным художником. К середине 30-х он переехал в Киото, чтобы продолжить обучение в уважаемой школе Кано. Многие из ранних работ Тохаку написаны в стиле этой школы.

После этого он начал развивать свой уникальный стиль живописи суми-э, который был ближе по стилю к его минималистским предшественникам.

Он считался пятым преемником мастера Сесшу Тоё и мастером периода Адзути-Момояма вместе со своим соперником Кано Эйтоку.Тохаку уважают по всей Японии за его невероятное японское искусство, и многие из его работ внесены в список национальных сокровищ Японии.

Сосна и цветущие растения (1593) Хасэгава Тохаку; Хасэгава Тохаку, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Сосны (1595)
Дата создания 1486
Средний Пара шестистворчатых экранов; тушь на бумаге
Размеры 156 см x 356 см
Текущее местоположение Токийский национальный музей

В этой серии из шести экранов изысканных японских рисунков Тохаку удалось запечатлеть свет и движение, используя только тушь в качестве выбранного им носителя, что позволило ему придать своим произведениям ощущение пространства, применяя три различных слоя затенения.Своим уникальным манипулированием мазками он смог создать впечатление, что картина удаляется, когда вы приближаетесь к ней.

На этой картине мы можем видеть, как грубое нанесение его мазков на бумагу создает ощущение едва заметных сосен на отдаленном фоне.

Сосны (1486) Хасэгавы Тохаку; Токийский национальный музей, общественное достояние, Wikimedia Commons

Зритель может почувствовать ветер, гуляющий по роще, благодаря использованию художником специально размещенных в композиции сосен.Тохаку хотел создать впечатление, что он втянут в картину, и он достиг этого, добавив слои затенения, чтобы создать эффект частей сосен, выходящих за пределы самой картины.

 

Кано Эйтоку (1543–1590)

Национальность японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Период Момояма
Известные произведения искусства Картина с изображением кипариса (1590)

Сцены в столице и ее окрестностях (ок.1590)

Птицы и цветы четырех времен года (ок. 1590)

Кано Эйтоку родился в 1543 году в Киото, Япония, внук мастера Кано Мотонобу. Мотонобу обучал своего внука в стиле, на который сильно повлияли китайские движения. Наряду с другими членами своей семьи, такими как его отец, Эйтоку был известен своей работой в храмах, где он устанавливал красиво расписанные потолочные и раздвижные двери, а также украшал ширмы.

Птицы и цветы четырех времен года  (16 век) Кано Эйтоку, часть росписей на перегородках комнат в покоях аббата Дзюко-ин в Дайтоку-дзи, Киото, Япония, тушь на бумаге. На этом рисунке показаны четыре из 16 панелей фусума (раздвижных дверей) в ритуальной комнате; Кано Эйтоку (狩野永徳) и его отец Кано Сёэй (狩野松栄), общественное достояние, через Wikimedia Commons

Его самым большим вкладом в выбор стилей школы Кано был его монументальный стиль, также известный как Тайга , , который обычно характеризуется использованием смелой кисти, фигур, которые непропорционально велики для их фона, и акцентом на переднем плане. аспекты.Эйтоку был очень популярен в свое время и имел много покровителей, которые заказывали его работы.

Самым известным из этих произведений является восьмипанельный экран с изображением кипариса.

 

Изображение кипариса (1590)
Дата создания 1590
Средний Чернила на бумаге с золотыми листьями
Размеры 170 см x 460 см
Текущее местоположение Токийский национальный музей, Токио

Эта картина-ширма состоит из восьми панелей, на которых изображен пейзаж с кипарисом на переднем плане.Эти экраны, сделанные из нескольких панелей, соединенных вместе, использовались для разделения внутренних пространств, чтобы обеспечить некоторую конфиденциальность на больших площадях.

Однако изначально Эйтоку не нарисовал это на ширме, а сначала нарисовал на раздвижной двери. Затем ширма использовалась в аристократической резиденции, построенной в 1590 году.

Эйтоку нарисовал деревья силой кисти, создав эффект подавляющей силы, а фон покрыл сусальным золотом.Общий контраст произведения был достигнут за счет этих сильных линий, а также за счет ограничения количества цветов, используемых в композиции.

Кипарисы (16 век) Кано Эйтоку; Кано Эйтоку, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Таварая Сотацу (1570–1643)

Национальность японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Школа Ринпа
Известные произведения искусства Водоплавающие птицы в пруду с лотосами (ок.1630)

Бог Ветра и Бог Грома (ок. 1630)

Секия и Миоцукуси (1631)

Хотя точная дата рождения Таварая Сотацу неизвестна, предполагается, что это около 1570 года. Он наиболее известен своим сотрудничеством с Хонами Коэцу, созданием декоративных и каллиграфических работ, а также его удивительными складными ширмами, многие из которых стали национальным достоянием Японии, в том числе Бог Ветра и Бог Грома и Секия и Миоцукуси.

Бог ветра Фудзин (справа) и Бог грома Райдзин (слева) работы Таварая Сотацу, 17 век; 俵屋宗達 (Таварая Сотацу) (1570-1643), общественное достояние, через Wikimedia Commons

Сотацу был известен как японский дизайнер мебели, а также японский художник школы Ринпа, которая не была школой в традиционном смысле, а скорее коллективом художников, создающих японские рисунки и другие произведения искусства под влиянием Коэцу и Сотацу. Он также известен тем, что впервые применил тарашикоми, технику, при которой краску добавляют каплю за каплей, пока предыдущий слой еще влажный.

 

Секия и Миоцукуси (1631)
Дата создания 1631
Средний Чернила, цвет и золото на бумаге
Размеры 152,6 см x 355,6 см
Текущее местоположение Художественный музей Сейкадо Бунко

Эта прекрасная работа Сотацу считается шедевром японских искусствоведов.Изображая личную интерпретацию художника традиционного стиля живописи Гэндзи, Сотацу адаптирует стиль миниатюрных японских рисунков Гэндзи к более крупному формату, помогая трансформировать элемент визуального повествования иллюстрации Гэндзи за счет использования упрощенной и чистой геометрии.

ВВЕРХУ: Глава I «Повести о Гэндзи, Сэкия и Миоцукуси» (XVII век) Таварая Сотацу; Tawaraya Sōtatsu, общественное достояние, через Wikimedia Commons | ВНИЗ: Глава II «Повести о Гэндзи, Сэкия и Миоцукуси» (17 век) Таварая Сотацу; Таварая Сотацу, общественное достояние, Wikimedia Commons

Этот фрагмент состоит из двух экранов, каждый из которых представляет случайную встречу Гэндзи и его бывшей возлюбленной.На каждом экране изображены ворота, представляющие собой путешествие, что, вероятно, является основной причиной того, что они были соединены вместе. Эта картина — одна из двух работ Сотацу, датированных с достаточной точностью, и поэтому она считается жизненно важной для понимания истории этого художника, о которой мы до сих пор мало знаем.

 

Огата Корин (1658-1716)

Национальность японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Школа Ринпа
Известные произведения искусства Ирисовая ширма (1705)

Хризантемы (1706)

Красные и белые цветы сливы (1710)

Огата Корин родилась в 1658 году в богатой семье, которая занималась продажей и дизайном тканей для богатых женщин города.Его отец познакомил его с различными искусствами, и он часто работал вместе со своим братом Кензаном. Он не только рисовал в различных стилях японского искусства, но также был дизайнером и лакировщиком. Однако Корин наиболее известен своими украшенными складными ширмами.

Важный арт-объект Цветущие растения осенью (18 век), приписываемый Огате Корину;  Приписывается Огате Корин, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Корин также известен тем, что возродил школу Ринпа, основанную 50 лет назад мастерами Сотацу и Хонами Коэцу.Корин пренебрег обычными условностями и идеалами натурализма, создав свой уникальный стиль, воплощенный в использовании упрощенных форм и импрессионистской эстетике.

Он сосредоточился на использовании цветовых узоров в абстрактной манере, и его работы передавали ощущение плоского, одномерного декоративного дизайна.

 

Красные и белые цветы сливы (1710)
Дата создания 1710
Средний Цвет на серебре и сусальном золоте на бумаге
Размеры 156 см x 172 см
Текущее местоположение Художественный музей МОА, Атами

Красные и белые цветы сливы — одна из самых известных картин в Японии, которая в настоящее время находится в Художественном музее MOA в Атами и зарегистрирована в Японии как национальное достояние.Эта простая, но красиво стилизованная двухпанельная ширма изображает текущую реку с узором из закручивающихся плоских волн и сливовыми деревьями по обеим сторонам. Наличие цветов сливы предполагает, что сцена представляет собой весенний период.

Красные и белые цветы сливы (1710) от Огаты Корин;  Огата Корин, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Эта работа считается прекрасным примером школы живописи Ринпа, где Корин применил технику под названием Тарашикоми, чтобы создать крапчатый вид деревьев.Эта текстура создается путем игры серии капель друг на друге без обычного периода высыхания, обычно практикуемого при покраске. Считается, что, судя по датировке картин и другим свидетельствам, это, скорее всего, было последнее нарисованное произведение Огаты Корина перед смертью через несколько лет после его создания.

 

Китагава Утамаро (1753 – 1806)

Национальность японский
Где жил художник Эдо, Япония
Ассоциированные движения Период Укиё-э
Известные произведения искусства Три красавицы современности (1793)

Рукоделие (1794)

Женщины, играющие в зеркале (1797)

Китагава Утамаро родился в Эдо в 1753 году.Он считается одним из самых известных японских художников, занимающихся живописью и гравюрами на дереве в стиле укиё-э. Он также хорошо известен своими японскими рисунками красивых большеголовых женщин. Кроме того, известно, что Утамаро занимался естественными исследованиями, в частности, серией иллюстрированных книг о насекомых.

Портрет Утамаро, нарисованный в 1931 году; 井上和雄編 渡辺版画店 1931, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Работа Утамаро в конце концов достигла берегов Европы, где была очень хорошо принята.Говорят, что его акцент на тени и свете и применение частичных взглядов сильно повлияли на европейских импрессионистов.

Когда европейские художники говорят о «японском влиянии», они обычно имеют в виду, в частности, творчество Утамаро.

 

Три красавицы современности (1793)
Дата создания 1793
Средний Цветная гравюра на дереве
Размеры 37.9 см х 24,9 см
Текущее местоположение Музей изящных искусств, Бостон

Эта композиция изображает трех женщин в треугольном строю. Все женщины были знаменитостями в то время и были постоянными героями работ художника. Каждая женская фигура украшена одеждой с фамильным гербом. Несмотря на сильно стилизованные лица, все же можно различить индивидуальные черты, изображенные на каждом лице, которые отличались от обычных типовых лиц, изображенных в работах художников, предшествовавших Утамаро.

Три красавицы наших дней (ок. 1793 г.) Китагавы Утамаро; Китагава Утамаро, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Этот вид искусства был очень популярен в 17-19 веках, его сюжеты были сосредоточены на обычных людях, таких как актеры кабуки и куртизанки, а также на тех, кто связан с районами удовольствий японской культуры. Чаще всего такого рода принты создавались для рекламы местных развлекательных заведений.

Сегодня этот шедевр считается лучшим представителем ранних работ Утамаро.

 

Кацусика Хокусай (1760-1849)

Национальность японский
Где жил художник Эдо, Япония
Ассоциированные движения Укиё-э
Известные произведения искусства Большая волна у Канагавы (1829 г.)

Тридцать шесть видов на гору Фудзи (1830)

Экскурсия по водопадам провинции (1832)

Кацусика Хокусай родился 31 октября 1760 года.Он был известен тем, что преобразовал стиль, который был в основном ориентирован на актеров, куртизанок и красивых женщин, расширив предмет, представив работы, включающие растения, животных и пейзажи. Из большинства японских художников Хокусай, скорее всего, является наиболее всемирно известным, в основном благодаря картине «Большая волна у Канагавы, », которая считается лицом японского искусства во всем мире.

Автопортрет Кацусики Хокусая в возрасте 83 лет; Public Domain, ссылка

Говорят, что Хокусай использовал более 30 различных псевдонимов, с помощью которых он создавал японские картины и другие стили, такие как ксилография.Однако его самый важный вклад в японское искусство был написан только в последние годы его жизни после того, как ему исполнилось 60 лет. Это включает в себя его изображение священной горы в течение сезонов, известное как Тридцать шесть видов на гору Фудзи .

 

Большая волна у Канагавы (1829)
Дата создания 1892
Средний Гравюра на дереве
Размеры 25.7 см х 37,8 см
Текущее местоположение Метрополитен-музей и другие

Большая волна у Канагавы известна как самая узнаваемая японская картина в мире и самая известная работа художника Хокусая. Он был опубликован примерно в 1892 году как первое издание серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи ». На картине изображена огромная угрожающая волна, возвышающаяся над тремя небольшими рыбацкими судами в заливе Сагами, на фоне горы Фудзи.

Размер волны заставил некоторых предположить, что на картине изображено цунами, в то время как другие согласны с тем, что это скорее изображение огромной волны-убийцы.

После периода изоляции от Запада стили японского искусства были экспортированы в Европу, где они были быстро приняты, термин, называемый японизмом. Это конкретное произведение было известно своим влиянием на европейскую художественную культуру, и даже Винсент Ван Гог , большой поклонник работ Хокусая, высоко оценил качество линий в японском рисунке, заявив, что визуальные эффекты оказали влияние, которое можно описать как «эмоционально ужасно.

Большая волна у Канагавы  (1829 г.) из 36 видов на гору Фудзи  Кацусика Хокусай. Хотя он часто используется в литературе о цунами, нет причин подозревать, что Хокусай намеревался интерпретировать его таким образом. Волны в этой работе иногда ошибочно называют цунами, но более точно их называют окинами, поскольку они представляют собой большие волны в открытом море; После Кацусики Хокусая, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Томиока Тессай (1837 – 1924)

Национальность японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Движение Нихонга
Известные произведения искусства Абэ-но-Накамаро (1918)

Встреча с бессмертными женщинами (1919)

Танец двух божеств (1924)

Родившийся в 1837 году как Томиока Юсукэ, Томиока Тессай — псевдоним этого японского художника.Он известен как последний практик традиции Бундзинга, а также как родоначальник стиля Нихонга. Родившийся в купеческой семье, его неспособность слышать заставила его семью поощрять его стать ученым, а не торговцем. Он изучал литературу и философию.

Портрет Томиока Тессай, до 1923 г.; Неизвестный автор Неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons

После смерти отца Тессай переехал в синтоистское святилище. Проведя там более десяти лет, он начал учиться у многих опытных художников и вскоре разработал свой уникальный стиль.Западное искусство начало оказывать влияние на восточный мир, и Тессай призывал художников вернуться к традиционному стилю живописи, тем самым положив начало движению Нихонга.

 

Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическое стихотворение, глядя на луну (1918)
Дата создания 1918
Средний Цвет на шелке
Размеры 52 см x 145.2 см
Текущее местоположение Художественный музей Адачи

Этот прекрасный шедевр был создан Томиокой Тессай в 1918 году. На этом шелковом полотне изображен пейзаж сельской Японии, яркие красные и зеленые цвета оживляют бежевую композицию. На картине изображена спокойная сцена, в которой можно увидеть фигуру, сидящую под одной из пагод.

Фигурка Абэ-но-Накамаро, поэта и ученого периода Нара.Как следует из названия картины, он занимается написанием стихов, за что его очень почитали, наблюдая, как полная луна поднимается над далекими холмами.

Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическую поэму, любуясь луной  (1918) Томиока Тессай; Томиока Тессай, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Такаси Мураками (1962 – настоящее время)

Национальность японский
Где жил художник Город Итабаси, Токио, Япония
Ассоциированные движения Superflat, Современное искусство
Известные произведения искусства Гладкий кошмар (2000)

Мой одинокий ковбой (1998)

Тан Тан Бо (2014)

Такаси Мураками () родился 1 февраля 1962 года, что делает его самым последним дополнением к нашему списку известных японских художников.Он современный художник, работающий не только с живописью и скульптурой, но и с анимацией, товарами и модой.

Он известен тем, что придумал термин «Суперплоский», описание, отражающее эстетический стиль современной японской культуры в послевоенную эпоху.

Этот стиль указывает на лежащее в основе наследие двухмерных плоских изображений, которые пронизывали японское искусство и кино. Подобно движению поп-арта, «Суперплоский» стремился переработать визуальные элементы, которые обычно считались «низким искусством», и переупаковать их по-новому, подняв их до уровня «высокого искусства».

Абстрактное изображение «Superflat» художника Такаши Мураками в лондонской галерее; Тадеас Навратил, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

 

Гладкий кошмар (2000)
Дата создания 2000
Средний Печать с ПК, ручка, маркер и лента
Размеры 40 см x 40 см
Текущее местоположение Отпечатки доступны для покупки онлайн

Такаши Мураками был удостоен звания Энди Уорхола Азии и считается самым известным японским художником 21 века. Smooth Nightmare является представителем его «суперплоской» эстетики, используя образы, которые не представляют видимой глубины пространства.

На картине изображены различные объекты, которые превращаются из человекоподобных фигур в грибы. Центральная фигура гриба с глазами занимает большую часть холста, а фон выполнен в плоском полутоновом оттенке.

 

Сегодня мы узнали о десяти известных художниках-мужчинах в истории японского искусства, от ранних стилей 15-го века под влиянием Китая до современных ультрасовременных стилей последних художников, расширяющих границы с помощью новых техник и средств.

 

 

Взгляните на нашу веб-историю японской живописи здесь!

 

 

Часто задаваемые вопросы

 

Отличается ли японское искусство от других восточных культур?

Короче говоря, да. Хотя первоначально китайская династия Сун оказала большое влияние, ранние японские художники вскоре адаптировали стили и техники, чтобы они лучше соответствовали их собственной эстетике, и вскоре искусство начало подниматься из региона, носившего отчетливо японский характер. .После периода изоляции от остального мира из-за войны стиль японского искусства в конечном итоге покинул границы Японии и продолжал влиять на остальной мир, например, на Европу.

 

Самая известная картина Японии?

Большая волна у Канагавы , несомненно, самая известная японская картина в мире.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.