39 креативных и необычных скульптур и памятников
Весна — это время пробуждения природы. Время перемен и путешествий.
После долгой, холодной зимы так хочется куда-то поехать, посмотреть на мир, вдохновиться увиденным и потом творить…
Моя публикация, наверное, больше всего может вдохновить художников, фотографов, мастеров создающих интересные и необычные скульптуры и статуэтки, мастеров которые работают с проволокой, но, возможно, кто-то из мастеров захочет создать замысловатое украшение вдохновившись увиденным.
Мы привыкли, что памятники ставят в честь знаменательных событий и великих исторических личностей. Однако памятники могут быть не только строгими и официальными — часто это шутки, сатира, милые зверушки, писающие мальчики, сказочные существа… Все это придает жанру скульптуры большую популярность — ко многим постаментам выстраиваются целые очереди. Многие неприметные городки только за счет креативных скульптур могут пробить себе дорогу в популярность и мир туризма.
Интересных памятников в каждой стране от десятков до тысяч, а мы возьмем некоторые из них:
Скульптура из стекла Художник Alexandra Reeves.
Экспансия, Нью Йорк
Эта красивая скульптура, изображающая стройную девушку, сидящую в позе лотоса, принадлежит скульптору Пэйдж Бредли.
Красивая поза, созерцательный взгляд на окружающий мир и свет, исходящий изнутри — все это выражение духовности человека.
Вместе с тем, своим произведением Пэйдж Бредли пыталась сказать о том, что многое зависит от нас самих.
С момента рождения мир стремится разместить нас внутрь индивидуального контейнера, создать для каждого определенные рамки: номер полюса социального страхования, пол, раса, профессия, уровень интеллекта. Но на самом деле человек может познать себя только тогда, когда расширит свои возможности.
Коль у нас сайт посвящен рукоделию то обязательно хочется показать работы португальской художницы, которая создает удивительные скульптуры, обвязывая крючком керамические фигурки животных.
В скульптурах португальской художницы Жуаны Васконселос (Joana Vasconcelos) смело сочетаются тенденции «актуального искусства» и чего-то домашнего, из бабушкиного сундука.
Всё так и есть. Внутри каждой скульптуры — керамическая модель животного, обернутая тонкими хлопковыми кружевами ручной вязки. Среди анималистических скульптур Жуаны Васконселос можно встретить как реалистические, так и гротескные образы, например, произведения, вдохновленные творчеством известного португальского керамиста Рафаэля Бордалу Пиньейры.
Мощная скульптура, которая показывает внутренних детей, запертых внутри взрослых.
В 2015 году на фестивале Burning Man в Неваде были представлены тысячи прекрасных произведений искусства, но только одно стало настоящим магнитом для человеческих глаз, заставляя зрителей задуматься о его истинном смысле. 
В каждом из каркасов, как в темнице, заключены по маленькому внутреннему ребёнку, тянущихся друг к другу. Ночью фигуры детей ярко светятся.
Конечно, вы можете по-своему трактовать смысл, который несёт в себе скульптура, но вот что говорит о ней сам скульптор: «Она демонстрирует конфликт между мужчиной и женщиной, а также внешние и внутренние проявления человеческой природы. Их внутренние личности выглядят как призрачные дети, которые держатся за руки через прутья клеток. Когда наступает темнота (спускается ночь) дети начинают сиять. Сияние — это символ нежности и искренности, которые объединяют людей и дают надежду на лучшее в самые тёмные времена».
Драматическая фея из проводов, Великобритания
Робин Уайт, создает красивые динамичные скульптуры сказочных фей, которые, кажется, танцуют при каждом порыве ветра.
Скульптуры из проволоки и проволочной сетки.
Скульптор из Южной Англии Кендра Хейст (Kendra Haste) всю свою жизнь посвятила созданию уникальных работ из проволоки. Её произведения выставляются по всему миру, а избранные украшают лучшие частные коллекции. Кендра — одна из известнейших современных художниц Великобритании, работающих с набирающими популярность среди скульпторов оцинкованной проволокой и сеткой из неё.
Скульптура «Лестница в небо», Австралия.
Скульптура «Diminish and Ascend» это арт-инсталляция художника Дэвида Мак-Кракена, которая под правильным углом выглядит, как бесконечная лестница «в небо».
Скульптура «Truth is Beauty» из серии «Bliss», Невада, США
Марко Кокрейн стал автором одного из самых привлекательных произведений искусства, которое появилось на фестивалеBurning Man. Это 16-метровая скульптура элегантно позирующей женщины, которая носит название «Truth is Beauty».
Исчезающий человек, Вашингтон.
В музее Мэри Хилл (Mary Hill Museum) в Восточном Вашингтоне можно увидеть эту скульптуру, которая, как под воздействием магии, медленно исчезает при правильном ракурсе.
Келпи, Фалкирк, Шотландия.
Изображение лошадей на скульптуре символизирует Келпи, шотландских мифологических существ, которые известны своей силой и выносливостью. Именно такие качества приписывают внутренним водным путям Шотландии.
Картины итальянского живописца XVI века Джузеппе Арчимбольдо известны практически каждому — даже тем, кому его имя кажется совершенно незнакомым. Художника прославили портреты, составленные из тысяч цветов, фруктов, овощей и прочих щедрых даров природы.
Сейчас скульптуры выставлены перед входом в Музей искусств Нельсона — Эткинс в Канзасе. Это композиция Four Seasons — четыре пятиметровые скульптуры, каждая из которых аллегорически представляет одно из времен года. «Портреты» времен года составлены из цветов, тыкв, фруктов, сучков деревьев (все сделано из раскрашенного стекловолокна), и в каждом из них легко опознать, какой именно сезон он изображает.
Проволочные скульптуры Сонг Мо Парка.
Корейский художник Сонг Мо Парк (Seung Mo Park) известен своими скульптурами из алюминиевой проволоки, обернутой поверх основы из стекловолокна. Ниже представлено реалистическое произведение мастера, в котором с исключительным мастерством и вниманием к каждой детали, воспроизведены изгибы ткани, а также портретные черты его прекрасной натурщицы.
«Разрушенные» скульптуры Регардта ван дер Мелена из Йоханнесбурга:
Живые скульптуры Энтони Хау приводит в движение ветер.
В кинетическом искусстве скульпторы-изобретатели создают масштабные механизмы, которые приводит в движение ветер. Кинетизм основывается на простой идее: с помощью света, движения и ветра можно создать произведение искусства.
Кинетический скульптор Энтони Хау (Anthony Howe) живет и работает в штате Вашингтон в окружении природы и ветра, вдохновляющих его на создание невероятных произведений. Хау работает в основном с нержавеющей сталью, за счет чего на фотографиях его работы кажутся пририсованными в графическом редакторе.
На самом деле каждый механизм приводит в движение малейшее дуновение ветра, неподвижными скульптуры почти никогда не бывают. К тому же, сталь на солнце дает сильные блики, порождающие эффект космической нереальности.
Художник Edoardo Tresoldi создал Incipit — скульптуру, которая, кажется, существует на границе реальности и фантазии. Скульптура — один из экспонатов Meeting del Mare в итальянском городе Камерота. Она представляет собой композицию из арок и прямоугольных блоков из проволочной сетки.
Скульптура создана специально для места, где она установлена — побережья Тирренского моря. Сквозь проволочную сетку зрители могут видеть морскую гладь и небо над морем, так что и ландшафт, и меняющееся освещение воспринимаются как детали скульптуры. Кроме того, скульптура предполагает взаимодействие со зрителем — можно пройти через ее арки и увидеть конструкцию с новых точек зрения.
Особенности гравитации для слона, Париж, Франция.
На расстоянии 18 000 км от земли слон смог бы балансировать на собственном хоботе. Такое утверждение в виде скульптуры было сделано Даниэлем Фирманом.
«Моховые человечки», Ким Симонссон.
Скульптор Ким Симонссон создает керамические фигурки, которые выглядят так, словно они пришли в наш мир прямиком из северных народных сказок.
В ее серии Moss People («Моховой народ») — скульптуры, изображающие загадочных детей и лесных существ. К сожалению, покрыты эти сказочные человечки не настоящим мохом, а нейлоном, но выглядит все равно впечатляюще.
Это просто чудо! Скульптура ребенка в утробе матери расположена по дороге между Медельин в Санто-Доминго и Савио в Колумбии. Такая красота и размеры просто поражают воображение!
Гигантские цветы украсили центр Иерусалима.
HQ architects соорудили в самом сердце Иерусалима инсталляцию из четырёх 9-метровых надувных тюльпанов. Цветы наполняются воздухом, когда под ними находятся прохожие и «сдуваются», когда они уходят. Ночью цветы подсвечиваются.
Говорящая лампа, Мальмё, Швеция.
С помощью своего низкого, спокойного голоса, говорящая лампа в Мальмё поздравляет с декабрьскими праздниками всех прохожих, кто вышел погулять даже в самую холодную погоду.
В течение года статуя «путешествует» по разным улицам и закоулкам города, однако к каждому Рождеству возвращается на своё первоначальное место.
Музыку в Голландии любят. Вот, сквозь пол пробился скрипач, дабы усладить слух прохожих:
Кран в Кадизе, льющий воду с неба:
Устройство для искорененья зла, Калгари, Канада.
Всемирно известный памятник слону с картины Сальвадора Дали «Искушение святого Антония».
Мустанги в Лас-Колинас, Техас, США.
Бронзовая скульптура была создана Робертом Гленом, в память о диких мустангах, которые были исторически важными обитателями в большей части Техаса в США.
Горизонты, Новая Зеландия.
«Горизонты» — это гигантская скульптура художника Нила Доусона из Зеландии, которая, благодаря визуальной иллюзии, выглядит, как развевающийся кусок бумаги на вершине холма.
Нельсон Мандела, Квазулу-Наталь, Южная Африка.
Marco Cianfanelli — автор впечатляющей скульптуры, на которой, благодаря умелому размещению 50 стальных опор, просматривается лицо Нельсона Манделы, самого благородного человека в истории, по мнению жителей Южной Африки.
Необычный памятник «Желание стать свободным».
Работа скульптора Zenos Frudakis посвящена естественному желанию человека стать свободным и вырваться из прессформы. Освободиться от рабства — нормальное стремление человека.
Зенос говорит о том, что он пытался создать скульптуру, не посвященную какому-то конкретному человеку. Он хотел, чтобы человек, независимо от его происхождения, мог бы взглянуть и сразу понять, о чем идет речь. Памятник посвящен людям, которые изо всех сил пытаются вырваться. Эта скульптура — о борьбе за достижение свободы через творческий процесс.
Скульптуры бегемотов. Зоопарк Тайбэя, Тайвань.
Бегемоты в асфальте на площади зоопарка Тайбэя давно покорили сердца фотолюбителей со всего мира.
Итальянец Лоренцо Куинн (Lorenzo Quinn) создал скульптуру Vroom Vroom (перевести это можно как «дррым-дррым» — подражание звуку работающего мотора): гигантская рука «играет в машинки» полноразмерным Fiat Cinquecento. На фото скульптура, установленная в Лондоне, похожие установлены в Валенсии и Абу-Даби.
Площадь Сечени получила новую достопримечательность — не слишком доброжелательно выглядящего гиганта, который как будто вылезает на поверхность земли из преисподней. Скульптура сделана из полистирола (пенопласта) и называется Feltépve, что означает «внезапное появление», так что весьма вольно название этого произведения можно перевести как «Незванный гость» или «Опаньки!». Автор скульптуры Эрвин Лоран Херве (Ervin Loránth Hervé). Он соорудил этого гиганта для Будапештской Ярмарки Искусств.
Художник и скульптор Джейсон Тейлор порадовал мир своим новым творением. На сей раз американский дизайнер создал нечто грандиозное — скульптуру титана, который держит на плечах небесный свод.
Его подводная скульптура была установлена недалеко от побережья Нью-Провиденс в Нассау на Багамских островах. Вес статуи составляет почти 60 тонн, высота — 5,5 метров без постамента. Кстати, постамент — это не просто насыпь или кусок камня: специально для изваяния был создан искусственный риф.
Глубина дна вокруг статуи около 10 метров. Голова скульптуры почти достигает поверхности воды — до неё остаётся 20-25 см.
Отдельного упоминания заслуживает поза титана —– создаётся впечатление, будто бы он держит на своих плечах небо, чтобы оно не провалилось сквозь водную гладь.
Процесс монтажа был очень сложным. Сначала на суше собрали несколько крупных деталей скульптуры. После этого под водой был создан искусственный рифовый постамент, а уже после этого на него установили статую. Статуя собиралась под водой из частей, процесс установки занял несколько дней.
Памятник беременной женщине в Минске, Белоруссия.
Скульптура беременной, установленная в Минске, Беларусь, необычна тем, что в композиции участвует и папа.
Мужчина нежно обнимает животик, как бы прислушиваясь к тому, что делает кроха в животике у мамы. Интересно, что другие скульпторы предпочитают изображать беременных без мужей, в отличие от белорусского коллеги.
Ну и памятник женской сумочке.
Знакомая ситуация когда несколько минут ищешь ключи в сумочке?
Надеюсь, моя подборка вам понравилась?
Уже захотелось куда-то поехать за вдохновением?
Буду рада видеть вас в гостях у себя в магазинчике и в подписчиках.
Швайковская Оксана (Shvaykovskaya Oksana)
Авторские украшения из бисера
Стили скульптуры
Скульптура (лат. sculptura, от sculpo — вырезаю, высекаю), ваяние, пластика — в широком значении слова, искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и др. материалов изображение человека, животных и иных предметов природы в осязательных, телесных их формах.
Скульптура изображает главным образом человека, реже животных. Ее главные жанры — портрет; исторические, бытовые, символические, аллегорические изображения; анималистический и мифологический жанр.
Художественно-выразительные средства скульптуры — построение объемной формы, пластическая моделировка (лепка), разработка силуэта, фактуры, в некоторых случаях также цвета.
Различаются круглая скульптура (статуя, группа, статуэтка, бюст), осматриваемая с разных сторон, и рельеф (вид скульптуры, в котором изображение является выпуклым или углубленным по отношению к плоскости фона, основные виды — барельеф и горельеф).
Монументальная скульптура (памятники, монументы) связана с архитектурной средой, отличается значительностью идей, высокой степенью обобщения, крупными размерами. Монументально-декоративная скульптура включает все виды убранства архитектурных сооружений (атланты, кариатиды, фризы, парковая, фонтанная и фронтонная скульптура). Станковая скульптура имеет размеры, близкие к натуре или меньшие и имеет конкретное углубленное содержание.
Скульптура, в широком значении слова, делится на несколько видов:
— лепка или моделировка — искусство работать с мягким веществом, каковы воск и глина;
— литейное дело или торевтика — искусство делать изваяние из расплавленного металла;
— глиптика или скульптура в тесном смысле — искусство вырубать изображение из камня, металла, дерева и вообще твердых веществ.
К жанрам скульптуры можно, сверх того, причислить гравюру, резьбу на твердых и драгоценных камнях и изготовление штампов для монет и медалей (медальерное искусство). Материалы скульптуры — металл, камень, глина, дерево, гипс и др. Методы их обработки — лепка, высекание, литье, ковка, чеканка и др.
Все по-настоящему ценное — ценно во все времена! (с) Stone2art Group
Композиция на уроках скульптуры в ДХШ
Дорогие друзья, мы рады познакомить вас с Сараевым Константином Николаевичем, преподавателем МБУДО «ДХШ г. Ливны». Сегодня Константин Николаевич делится с нами полезным материалом о композиции на уроках скульптуры в ДХШ. Данный материал будет интересен педагогам ДО.
Краткий комментарий к статье от Константина Николаевича:
«Скульптура – это единственный вид деятельности, который собирает множество представлений об объекте восприятия в цельный образ». Выполнение творческих скульптурных композиций способствует повышению познавательной, творческой и умственной активности учащихся. Лепка в силу своей специфики является эффективным средством познания объёмно – пространственных свойств действительности. В раннем возрасте она представляет собой более активное развивающее начало, чем рисунок. Трёхмерное изображение объёмных предметов помогает ученикам познать и понять форму объектов в реальной полноте, что в дальнейшем облегчает работу над изображением тех же предметов в рисунке».
Познавательного чтения…
Композиция на уроках скульптуры в ДХШ
«Скульптура – это единственный вид деятельности, который собирает множество представлений об объекте восприятия в цельный образ». Выполнение творческих скульптурных композиций способствует повышению познавательной, творческой и умственной активности учащихся. «Лепка в силу своей специфики является эффективным средством познания объёмно – пространственных свойств действительности.
В раннем возрасте она представляет собой более активное развивающее начало, чем рисунок. Трёхмерное изображение объёмных предметов помогает ученикам познать и понять форму объектов в реальной полноте, что в дальнейшем облегчает работу над изображением тех же предметов в рисунке».
Подготовка к работе, порядок на рабочем месте, любовное отношение к пластилину и глине, а также беседы, в которых четко определяются задачи и делаются необходимые пояснения — дают рабочий и творческий настрой и хорошие результаты. Педагог знакомит учащихся с разными формами, видами и жанрами скульптуры: круглая скульптура и рельеф; станковая и декоративная скульптура; портрет, изображение животных; скульптурная группа, которая объединяет несколько фигур, связанных единым художественным замыслом, общностью сюжета и пластики. С помощью сюжетных композиций изображаются поступки, состояние, характеры людей, исторические события, бытовые жанровые сцены. В процессе работы очень важно найти наиболее выразительный момент.
Класс скульптуры в нашей школе пронизан духом творчества и свободы выражения. Заходя в класс, дети видят множество готовых скульптурных композиций — это лучшие детские работы, призёры многих выставок детского творчества и бесценный методический фонд. Дети с третьего класса знают к чему им надо стремиться, они лепят профессиональной глиной, работают на хороших станках, чувствуя себя
настоящими скульпторами. Каждый этап обучения — своеобразная планка, цель, которой должен достичь ученик на определённом этапе обучения. Достижение этой цели мы видим в выпускных, дипломных работах по скульптуре. Уровень этих работ достоин детских выставок любого ранга. Роль преподавателя очень важна на начальном этапе обучения. Нужно заложить основу, настроить ребёнка на длительную творческую работу, помочь ученику раскрыть его внутренний мир посредством объёма, формы и содержания.
С этого момента, очень осторожно, ненавязчиво, не загружая лишней информацией, преподаватель начинает объяснять ребёнку, что форма и содержание взаимосвязаны, что скульптура — это не макет, где можно
расставлять фигурки и предметы по всей доске.
Существуют определённые законы композиции, а пропорции человека имеют свои особенности. Так постепенно, не теряя у детей интереса к самовыражению, преподаватель должен открывать детям элементарные законы композиции.
Композиция на уроках скульптуры.
Создавая самостоятельно новые художественные образы, художественное воображение помогает учащимся создавать композиционные решения на основе имеющихся знаний и впечатлений, полученных путём активной познавательной деятельности, путём целенаправленного воспитания у себя этого воображения.
Основными свойствами способностей детей к изобразительной деятельности является образное мышление и воображение, а также природная способность, которая помогает скорее и лучше овладеть навыками, образное видение, развитое чувство пластики и ритма, композиционное мышление. Скульптурная композиция – это гармоничное распределение объёмов в пространстве. Силуэт, форма и содержание — вот отличительные черты успешной композиции. И, конечно, творческая составляющая, индивидуальность автора.
В композиции всё должно быть подчинено образу, той идеи и цели, которую ставит перед собой автор. Даже трактовка материала, техника исполнения самой композиции должны работать на образ, идею задумки автора. Начинается работа над композицией с поиска формы и силуэта. Любая творческая работая начинается с выполнения эскиза. Трудно начать большую работу без выполнения ее маленькой миниатюры. Далеко неправы те , кто этого не делает.
Эскиз – это всегда выражение наиболее характерных черт будущего произведения. Оригинальность, необычность формы и силуэта — залог хорошей, интересной композиции. Ученик, который придумал тему и сюжет композиции, начинает в объёме, в пластилине, глине искать форму и силуэт, учитывая все законы композиции. В этот момент начинается самый интересный процесс работы над композицией.
Применяя знания, умения, навыки, наблюдательность, фантазию ученик находит тот единственный вариант, гармонию формы и содержания. В результате этого сложного творческого процесса рождается интересная, неповторимая композиция.
Ценность этого творческого процесса в индивидуальности, уникальности автора, который передаёт своё личное отношение к окружающему миру. Педагогу необходимо своевременно объяснить учащимся, что композиция в круглой скульптуре должна иметь не одну точку зрения и быть рассчитана на круговой обзор, что скульптуре свойственны соотношение объёмов, равновесие масс, движение в пространстве, выразительность силуэта, игра света и тени, цельность композиции. Эти свойства композиции в скульптуре являются основой работы в течение всего времени обучения.
«Скульптура обладает большей наглядностью в передаче пространства, чем другие виды изобразительного искусства. Основным средством организации пространства в скульптуре является трёхмерный объём. Уровень выполнения скульптурных композиций зависит от способности объёмно – пространственно мыслить».
Дипломная работа по скульптуре.
Последовательность работы над дипломной скульптурной композицией включает в себя подготовительный этап: ознакомление с темой будущей композиции, осмысление цели и задач выполнения скульптурной работы, раскрытие смыслового содержания задания, постановка учебно – художественных и творческих задач, просмотр и обсуждение работ из методического фонда.
Практическая работа: выполнение композиционно – творческих эскизов, поиск пластического, творческого решения работы. Работа в материале, в глине, проработка формы, поиск пластических, объёмно – конструктивных отношений, передача особенностей построения фигур. В завершающий этап работы входит обобщение, подчинение деталей общей форме, окончательная отделка работы.
Хороший уровень выпускной, дипломной работы, характеризуется наличием в работе учащегося гармоничного, выразительного, целостного образа, решённого с помощью достоверных пропорций пластики и движения в скульптуре, что свидетельствует о наличии умений навыков и знаний. В процессе этой работы у учащихся заметно возрастает уровень творческой активности, повышается интерес к этой работе.
Критерии дипломной работы
Владение знаниями, умениями и навыками работы с материалом.
• Художественно – образное воплощение замысла, выбор сюжета и полнота его раскрытия.
• Объёмно – пространственное решение композиции, выразительность формы, пластики, движения.
• Оригинальность композиционного построения в работе.
• Творческая активность в процессе выполнения задания.
• Верная передача пропорций и конструктивных особенностей фигуры.
• Степень завершённости дипломной работы.
Заключение. Трудно переоценить значение занятий скульптурой в развитии художественно — пластических и, как следствие, творческих способностей.
«Занятия по скульптуре должны строиться с учётом не только логики развития художественной культуры детей, но и развития художественно – пластических и творческих способностей, то есть развития целого комплекса способностей. И очень важно, чтобы уже на начальной стадии обучения учащихся в художественной школе все специальные предметы были направлены на развитие художественно – пластических способностей, без которых не может быть сформирована творческая личность».
Список использованной литературы :
- Ростовцев Н.Н. Методика преподавания изобразительного искусства в школе 1974 г. стр.3-12.
- Скульптура , программа для детских художественных школ искусств. Москва 1982г. стр.3-21.
- Боголюбов Н.С. Скульптура на занятиях в школьных кружке. Москва 1986 г. стр.3-15
- Малеев В.Ю. Развитие творческих способностей детей средствами скульптуры. «Изобразительное искусство в школе», 2009 г. № 1 стр. 68-75.
скульптурная композиция не была бы понятна без исследователя
Просмотры сообщений: 80
СКУЛЬПТУРНАЯ КОМПОЗИЦИЯ
ПРЕДИСЛОВИЕ
Этот проект исследует традиционное духовенство игбо по отношению к свету Оффиа Угву в деревне Осили Энугву — Укву, район местного самоуправления Нджикока штата Анамбра.
«Священники выбираются богами для особой цели. Они выступают посредником взаимодействия между сенсорным и сверхчувственным миром.Они являются представлением невидимого покровителя любого данного сообщества или подразделения ». Наряду с другими атрибутами и атрибутами священника и его службы исследователь тщательно изучил и задокументировал их, поэтому для понимания проект состоит из пяти глав. Глава первая основана на предыстории исследования, постановке проблемы, целях и задачах, ограничении объема исследования и определении терминологии. Вторая глава посвящена обзору литературы. В третьей главе обсуждаются методология, используемые носители, разработка и завершение проекта.Четвертая глава посвящена анализу проекта и, наконец, пятая глава посвящена заключению, т.е. достижениям и рекомендациям.
СОДЕРЖАНИЕ
ГЛАВА ПЕРВАЯ
1.1 История вопроса
1.2 Постановка проблемы
1.3 Цели и задачи
1.4 Объем проекта
1.5 Терминология
1.6 Ограничение 1.6ГЛАВА ВТОРАЯ
2.1 Обзор литературы
ГЛАВА ТРЕТЬЯ
3.1 Средний (описание
3.2 Разработка проекта
(материалы, инструменты и выполнение приложений)
3.3 Окончательная обработка
ГЛАВА ЧЕТВЕРТАЯ
4.1 Анализ проекта
5.
1 Достижение
5.2 Рекомендации / предложения
5.3 Библиография
ПЕРЕЧЕНЬ ФИГУР (FIG) И ТАБЛИЧЕК (PL)
Рис. 1 Предварительные наброски ……………………………… 26
Рис. 2 Утвержденный эскиз ………………… …………………… ..27
PL 1 Моделирование модели и изготовление пресс-формы …………… .29
PL 2 Загрузка формы (прямое литье) ………………… 30
PL 3 Полуфабрикаты (расположение деталей) ……………… 31
PL 4 Готовые работы …………………………………………… 33
ГЛАВА ПЕРВАЯ
1.1 ИСТОРИЯ ВОПРОСА
Концепция скульптурной композиции не была бы хорошо понята, если бы исследователь быстро не взглянул на историю скульптуры и не изучил ключевые слова в концепции, то есть «скульптурный» и «композиция»
Происхождение искусства скульптуры восходит к происхождению человека, синхронизируя с первобытными переживаниями доисторического человека. У древнего человека внезапно возникла потребность в совершенствовании своих навыков и, аналогичным образом, в уменьшении хаотического характера природы и достижении определенной степени контроля и содействия плодородию. Он добился этого, вырезав на стенах забот и камней надрезанные контуры фигурок животных палками и пальцами. В эти контуры он нанес минеральные, растительные, камешки и другие материалы.
По мере того, как человеческий кругозор и опыт расширялись, возникла необходимость в экспериментах, начиная с доисторической и кончая современной эрой технологий научной эволюции.
Различия в философских определениях, географическом расположении и методах подхода характеризовали историю и рост скульптуры от одного образца или стиля к другому, что привело к возникновению различных движений, таких как пещерная скульптура (катакомбы), средневековье, Возрождение, барокко, романтизм, реализм , Импрессионизм вплоть до кубизма.
В настоящее время в 20 веке такие художники, как Пабло Пикассо, считаются отцом указанной эпохи. Он известен своими стихотворными знаниями во всех аспектах искусства. Он исполнил самую первую скульптурную композицию. Это было обнаружено в его скульптуре головы барана, которую он достиг благодаря использованию велосипедных ручек в качестве рога и сиденья в качестве лица, а также других использованных предметов, как сфабрикованных, так и найденных.
Согласно Словарю для продвинутых учащихся «Скульптура» означает «относящаяся к скульптуре» и означает «искусство формирования твердых фигур из камня, дерева, глины, металла и т. Д.». Оно также определяет «композицию как», искусство соединения, чтобы сформировать что нибудь»….
«Скульптурное сострадание» — это художественное выражение, включающее изготовление компоновки металлов, дерева, волокна, связки, камня и любых скульптурных материалов.
В рамках данного исследования рассматривается деревня Осили в Энугву Укво, район местного самоуправления Нджикока в штате Анамбра, в отношении святыни «Оффиа Угву» и его хранителя.
СКАЧАТЬ ПОЛНЫЙ МАТЕРИАЛ ПРОЕКТА
СКУЛЬПТУРНАЯ КОМПОЗИЦИЯ
Связанные
Памятники и скульптурные композиции «Три грации»
Фрагмент Трех граций, Весна, Боттичелли.Памятники и скульптурные композиции Три Грации
Памятники и скульптурные композиции «Три грации»
Многие шедевры скульптуры живут веками, а иногда и тысячелетиями пользуются неизменным успехом.
Их привлекательность, благодаря красоте и внутреннему значению, остается неизменной во все времена и для всех народов. Как правило, эти шедевры доживают до нашего времени благодаря репликам, создаваемым зачастую по прошествии столетий после появления оригинальной идеи и ее воплощения.Как невозможно сосчитать алмазы в каменных пещерах, так и не посчитать, сколько памятников и скульптурных композиций по сюжету «Трех Грасий» существует во всем мире.
Как в мире появилась тема Трех граций? Это происходит из древнегреческой мифологии. Хариты, как богини благодати, чар и красоты, были музами вдохновения, близкими к искусству. В римской мифологии их называли грациями (лат. Gratia — «очарование, изящество, влечение, благодарность»). В Древнем Риме грации — прекрасные спутники Венеры и Афродиты.Они наделяют смертных веселостью, ловкостью, приятным расположением духа, а также щедростью и расчетливостью. Их атрибуты — роза, мирт или яблоко.
Парк Ломоносова. Садовая улица, Ленинградская область
Подобно Харитам, римские грации подобны друг другу, как сестры.
Древнегреческий поэт Гесиод в поэме «Теогония» назвал их имена: Аглая («Сияние»), Ефросина («Радость») и Талия («Цветение»). Аглая символизировала целомудрие, Ефросина — красоту тела, Талия была воплощением любви.По древнему преданию, три грации изображались так: Аглая и Талия — по бокам, лицом к зрителю, Ефросина — в центре, спиной. Римский философ Сенека по-разному интерпретировал символическое значение трех милостей: «обеспечение добрых дел, принятие добрых дел и оплата добрых дел».
В эпоху Возрождения флорентийские гуманисты придали этой триаде новое значение. Согласно интерпретации Полициано, придворного поэта Лоренцо де Медичи, грация олицетворяет целомудрие, красоту и любовь.Кстати, стихи Полициано вдохновляли Сандро Боттичелли, когда он работал над картиной «Аллегория весны».
Памятники и скульптурные композиции «Три грации»
Антонио Канова. 1813-1816 гг. Мрамор. 182 см. Неоклассицизм. Эрмитаж
Батист Карпо
Копенгаген, Дания
Фрилли Антонио, Три грации
Парк Гагарина в Симферополе.
1966 г. Памятник Трем грациям. Россия
Джузеппе Армани «Весенний танец»
В Марианских Лазнях, Чехия
Минск, Беларусь
Мозырь, Беларусь
Арт-парк Музеон в Москве, Россия
Нью-Йорк три грации
Павловск (копия скульптуры Кановы)
Римская копия греческой скульптуры II века нашей эры, Лувр
Ровно, Украина
Скульптурная композиция Три грации в парке искусств «Музеон».Москва, Россия
Остров Ведо (Корея). Три грации, сад Венеры
Мейсен, музей. Три Грация
Женщины в черном — Три грации (над входом в Национальный драматический театр) в Вильнюсе, Литва
Мир танца. Рига, Латвия
источников изображений
liveinternet.ru
antik-forum.ru
Скульптура также имеет — или имела до настоящего века — две основные техники: лепку и резьбу. Что касается истории европейской скульптуры, то наиболее важным событием было изобретение, вероятно, в Греции в V веке до нашей эры, техники, которая позволила скульптору вырезать на камне точную версию модели из глины. гипс или другое легко поддающееся обработке вещество. На концах модели были отмечены «точки», и расстояния между ними и отвесом или деревянным каркасом были измерены, чтобы в мраморных блоках можно было просверлить отверстия эквивалентной глубины в соответствующих точках. Модель была разработана для измерения любых выступов или впадин в модели с трех фиксированных точек и, таким образом, облегчения отделки мрамора. Путем простого умножения или деления различных измерений можно вырезать увеличенную или уменьшенную версию модели.В Европе девятнадцатого века эта техника работы с точками позволила многим скульпторам ограничиться лепкой из глины и передать трудную задачу резьбы ассистентам — во Франции их называли практиками, практиками своего дела, в отличие от творческих художников. Однако мастера-лепщики ограничены свойствами глины, так как никакая форма, выходящая далеко за пределы глыбы, в которую она естественным образом опускается в сырость, не останется без внутреннего каркаса из дерева или металла. в глине был покрыт воском до толщины, необходимой для бронзы, а затем был покрыт большим количеством глины, оставив отверстия в этом внешнем покрытии, через которые можно было заливать расплавленную бронзу, и множество более мелких отверстий, через которые воск, который плавился при контакте побег.В качестве альтернативы, путем отрицательного процесса литья полые формы были изготовлены с двух сторон модели, их внутренние поверхности были покрыты воском соответствующей толщины, затем они были соединены вместе и заполнены стержнем, была залита бронза и воск изгнан. Так как полые бронзовые статуи намного легче по весу, чем эквивалентные куски камня (особенно мрамор и другие мелкозернистые камни, отличающиеся своей прочностью), а также обладают некоторой упругостью, материал позволяет использовать более широкий спектр формальных эффектов. Каменные скульптуры должны быть столбчатыми, кубическими или пирамидальными, если они должны стоять вертикально. Ноги стоящей фигуры нельзя расставить широко, если не будет предоставлена третья опора для предотвращения перелома в лодыжках.С другой стороны, бронзовые фигуры могут быть тонко, даже ненадежно уравновешены, создавая впечатление живого, дышащего движения, редкого для мраморных статуй. Из камня и дерева, а также из глины и бронзы скульпторам во многих частях света, тем не менее, удалось создать изображения, которые убедительно похожи на живые — более того, чем слепки, сделанные с живых тел. Их изготовление подразумевает гораздо больше, чем тщательное имитацию форм и поверхностей. Но это редко рассматривалось как основная цель скульптуры, большая часть которой была посвящена религиозным и потусторонним предметам — статуям Будды и индуистским божествам, культовым фигурам, вырезанным в Африке и Полинезии, и маскам на северо-западе Америки.В двадцатом веке правдоподобие полностью игнорировалось многими западными художниками, которые воспринимали скульптуру как искусство создания трехмерных форм, часто едва ли, если вообще, представляющих по своему замыслу. Техника рисования и материалы Единственная основная практическая проблема, с которой столкнулись художники, заключалась в том, чтобы закрепить пигменты на земле, чтобы сохранить их (хотя долговечность не всегда была желательной; многие картины были и предназначены для того, чтобы длиться не более короткого времени). Для настоящей фрески стена или потолок обычно покрывались довольно гладким слоем штукатурки, которой давали высохнуть перед нанесением росписи на другой слой штукатурки, пока он был еще влажным и свежим.  сделано в процессе покраски.Также был ограничен диапазон пигментов, которые можно было использовать. Некоторые цвета, особенно синий, а также несколько красных и зеленых, можно было наносить только после высыхания фрески (по-итальянски — secco ). В Италии пятнадцатого века художники все чаще использовали пигменты, нанесенные a secco. Но около 1500 года произошло возрождение чистой техники фрески, которая стала рассматриваться теоретиками искусства как идеальное средство для росписи стен и потолков, а также как средство, наиболее ярко раскрывающее художественное мастерство.Для этого требовалась, как позже заметил Джорджо Вазари, рука «ловкая, решительная и быстрая», «ловкая и свободная». Фрески большие, но до начала шестнадцатого века была разработана подобная техника для рисования акварелью на небольших листах бумаги. Пигменты были смешаны с камедью, которая растворяется в воде и, таким образом, дает прозрачные пятна. Это тоже требовало быстрой и свободной обработки, поскольку после того, как цвет был нанесен и поглощен землей, акварелист, как и художник фресковой живописи, не мог вносить никаких изменений — кроме как путем наложения их твердыми пигментами или цветами тела. Для росписи деревянных панелей в Европе примерно с XII века была широко распространена техника темпера: порошковые пигменты, обрабатываемые (темперируемые) яичным желтком и смешанные с некоторой формой камеди. Подложка была покрыта левкасом (гипсом, смешанным с клеем), на котором была нанесена композиция и / или надрезана. Если некоторые участки нужно было позолочить, как это часто бывает, их покрывали штыком (разновидностью тонкой красной глины), который полировали, а затем покрывали очень тонкими листами сусального золота.Остальные части были окрашены в низкие тона желаемых цветов и покрыты одним слоем полупрозрачной темперной краски, каждый из которых должен был быть завершен быстро, прежде чем он высохнет. Детали можно было передать с большей тонкостью, чем на фреске, а финальная работа также имела большую яркость. Но таких эффектов легче достичь с помощью масляной краски, которая в пятнадцатом веке постепенно вытеснила темпера (возродить ее можно было только в двадцатом веке). над деревянной рамой, которая стала предпочтительным типом поддержки для всех, кроме очень маленьких картин маслом по всей Европе.Она позволяла рисовать красками гораздо свободнее, чем темпера, а также предлагала неограниченные возможности для затенения, растушевки (неравномерное нанесение слоя непрозрачного или полупрозрачного пигмента так, чтобы часть цвета под ним оставалась видимой), ретуши и наложения глазури (прозрачные пленки, которые изменяют основные цвета. ). Художники разработали бесчисленные варианты основной смеси, чтобы получить не только желаемые цвета, но и консистенцию среды, которая могла быть жидкой или настолько густой, что ее можно было наносить шпателем, если не пальцами.Со временем были предприняты попытки заново открыть те, что были найдены эмпирическим путем — руководствуясь опытом и, возможно, случайно — самыми известными художниками, в частности Тицианом (11,45; 46; 47; 48). Художники на Западе продолжают использовать масляные краски и по сей день. Фактически, не существовало другой среды, столь же удовлетворительной для крупномасштабной живописи на подвижных опорах, до появления в 1960-х годах акрила, синтетической эмульсии (разновидности пластика), которую можно было бы наносить таким же образом.Художники часто использовали акрил в качестве реакции против мистики масляной краски (21,19) — преувеличенного престижа, придаваемого самой среде, особенно ценителями, восхищавшимися смелой кистью и их вкусом к консистенции самих пигментов. Картина в рамке на холсте — это западный феномен (не имитируемый нигде до девятнадцатого века), и его популярность на Западе объясняет престиж, приобретаемый искусством живописи начиная с шестнадцатого века. Этим также объясняется различие между живописью и ремеслами. В средние века картины на драгоценных металлах с эмалью (разновидность цветного стекла, требующего большого мастерства в обращении) ценились выше, чем картины темперой, которые с их позолотой часто создавались в имитации.Точно так же мозаики, состоящие из маленьких кубиков из разноцветных камней и стекла, вышитые панно и тканые гобелены, были более высоко оценены и более дорогими, чем фрески для покрытия стен и потолка, — не только потому, что они требовали больших затрат времени и материалов. Типографское При производстве гравюр, в основном на Западе, с XVI века также существовало разделение труда между дизайнерами и исполнителями. Целью печати является изготовление нескольких копий одного рисунка на листах бумаги, шелка или любого другого материала, впитывающего чернила. Самой ранней техникой была гравюра на дереве, при которой рисунок был нарисован на гладком деревянном бруске, части, которые должны были быть белыми на отпечатке, были вырезаны, а те, которые должны были быть черными, были оставлены стоять рельефно и покрыты чернила, так что когда блок прижимался к бумаге или текстилю, он оставлял впечатление обратного рисунка. Ксилография, гравюры, офорты и литографии, разработанные и выполненные одной и той же рукой, называются «оригинальными оттисками», в отличие от «репродуктивных оттисков», выполненных специализированными печатниками, которые копировали работы художников или рисовальщиков с использованием различных техник. , часто с большим мастерством. В девятнадцатом веке было обнаружено, что оттиски очень высокого технического качества могут быть сделаны с гравюр на пластинах со стальным покрытием, что дает гораздо большее количество копий, чем легко повреждаемая медь.Но художники мало интересовались этим процессом, который использовался в основном для иллюстраций — в книгах и периодических изданиях — до тех пор, пока его не вытеснила фотография. Тем временем японские художники разработали процесс гравюры на дереве для создания цветных гравюр, которые были импортированы в Европу и Америку с 1850-х годов и были с энтузиазмом приняты многими художниками, которые приветствовали отход от европейской традиции масляной живописи. Фотография Фотография со времени ее изобретения в 1830-х годах была тесно связана как с живописью, так и с гравюрой. Давно было известно, что свет, проходя через очень маленькое отверстие, проецирует изображение (в обратном направлении) на сторону темной камеры — камеру-обскура, иногда используемую художниками в качестве вспомогательного средства для рисования городских пейзажей и интерьеров. перспектива.Первоначальной целью фотографии было зафиксировать такие изображения, и одновременно были разработаны два процесса. То, что обнаружил французский художник Луи-Жак-Манде Дагер в 1837 году, зафиксировало изображение на сенсибилизированной медной пластине, называемой дагерротипом. Последующие разработки были в основном техническими улучшениями, в частности, такими, которые сократили время, необходимое для экспонирования, и к 1870-м годам сделали возможным фотосъемку движущихся фигур за доли секунды (15,58).Между тем было много споров относительно того, должна ли фотография считаться искусством (см. Культ уникального арт-объекта привел к тому, что некоторые фотографы отвергли возможность изготовления бесчисленных отпечатков с одного негатива и выпустили ограниченные тиражи, каждый из которых был пронумерован и подписан и немного отличался от других в результате манипуляций в темной комнате. 1 | 2 | 3 | 4 | 5 | 6 | 7 | |
Поскольку один зависит от наращивания глины или другого пластичного материала, а другой — от измельчения куска камня или дерева, они называются аддитивными и вычитающими процессами. (Литая бронзовая скульптура обычно получается в результате лепки, также как и железные статуи, изготовленные в основном в Китае пятнадцатого и шестнадцатого веков; но в настоящее время железо чаще всего выковывают и сваривают — см. Ниже. либо отливают в лепной форме, либо отливают в форму и высекают с помощью техники, родственной резьбе.) Резчики ограничены природными характеристиками, формой и консистенцией их материалов, а также эффективностью инструментов, с помощью которых они изготавливаются. Цилиндр ствола дерева, например, подобен невидимой клетке, в которой находится статуя, вырезанная из цельного куска дерева. Регулярность каменного блока, высеченного в карьере, аналогичным образом определяет форму фигуры, когда резчик начинает с рисования контуров на ее четырех сторонах. Твердость или хрупкость камня определяет степень деликатности, с которой его можно обрабатывать.
Железные долота и сверла, которые вошли в употребление на Западе в первом тысячелетии до нашей эры, значительно облегчили задачу резчика и открыли новые возможности, особенно в области подрезки, хотя в основном они привели к увеличению производства. Некоторые из самых искусно обработанных статуй, когда-либо созданных, были вырезаны без их помощи из самого твердого камня в Древнем Египте. В дереве эффекты величайшей сложности и деликатности часто получались с помощью простейших инструментов, таких как каменные хлопья и морские ракушки в Меланезии.
Глиняные фигурки также непостоянны, если их не запечь в духовке, то есть превратить в терракоту, в духовке, температуру которой необходимо контролировать, чтобы предотвратить фрагментацию. Во второй половине третьего тысячелетия до нашей эры в Месопотамии (и несколько позже в других местах) было обнаружено, что прочная версия глиняной статуи может быть изготовлена из бронзы с помощью литья по выплавляемой восковой модели. Позднее были разработаны две аналогичные процедуры. По одной смоделирована фигура
Какой бы процесс ни применялся, внешний кожух снимали, когда металл остыл и затвердел, затем вытряхивали остатки исходной модели или сердечника, оставляя бронзовую оболочку, которую обработали молотком и соскоблили все пятна.(Для литья бронзовых сосудов во втором тысячелетии до нашей эры в Китае была разработана другая система; см. Стр. 89-91.)
Наглядным примером является греческий образец «Мальчик из Антикитеры » IV века до н. Э. (0,3). Когда греческая бронзовая статуя копировалась в мраморе во времена Римской империи, необходимо было вставить третью опору, обычно пень, и в результате фигура потеряла большую часть своей жизненной силы. (Это очень очевидно в копиях Myron’s Discobolus, 4,33.)
Многие отказались от давно установленных техник резьбы и лепки, а также от таких традиционных материалов, как мрамор и бронза. Вместо этого железо широко использовалось в качестве материала, обрабатываемого процессами ковки, молотка и сварки, которые ранее использовались для изготовления оружия и утилитарных предметов.Именно использование железа сделало возможной великую революцию в скульптуре в этом столетии: переход от «закрытой» (твердой) к «открытой» (построенной) форме. Работа Гонсалеса и, в частности, его сотрудничество с Пикассо в 1920-х и 1930-х годах стали катализатором этого прорыва. Сам Гонсалес был одним из величайших ее сторонников (20,23). Позже были освоены новые синтетические материалы, и были созданы трехмерные работы путем «сборки» кусков самых разных материалов. Некоторые художники расширили « скульптуру », включив в нее собственное тело (см.864).
Картина обычно состоит из трех слоев: подготовленный грунт между пленкой пигмента и основой, которая может быть каменной поверхностью, стеной или каким-либо переносимым материалом, таким как дерево, бумага, холст или другой текстиль.Пигменты в основном бывают двух типов: пятна, которые впитываются в землю, и цветные порошки (в основном минеральных веществ), смешанные с каким-либо адгезивным связующим и наносимые на землю. Первые использовались с очень давних времен во многих частях мира для рисования впитывающих штукатурных стен и потолков. Это те, которые приняты для фрески — термин, который часто используется для различных типов настенных росписей, но должен быть зарезервирован для тех, в которых пигмент впитан в поверхность стены, особенно техника, усовершенствованная в Италии к концу тринадцатого века Джотто.
{фреска на итальянском языке). Поскольку штукатурка быстро сохнет, за один раз можно было красить не больше, чем часть композиции, такая часть в Италии называется giornata или «дневная работа» (0,4). Чтобы избежать разрывов между одним законченным фрагментом и другим — опасность такой разрозненной работы — некоторые художники XIV века зарисовывали контуры своих композиций красным охристым пигментом (так называемый sinopia) на первом слое штукатурки.(Некоторые из этих так называемых рисунков sinopie были обнаружены в недавних реставрациях.) Позже композицию иногда рисовали на бумаге (называли карикатурой), временно накладывая на сухую штукатурку, на которую наносили сквозные отверстия, проделанные вокруг основных контуров. (Рафаэль сделал это, когда писал Stanze в Ватикане). Большое преимущество фресковой живописи состоит в том, что пигменты, впитавшиеся в толщу штукатурки, обладают большой долговечностью — с соответствующим недостатком, что никакие изменения или исправления не могут быть
Пигменты смешивали с маслами для некоторых видов живописи (например, на щитах) в древнеримские времена и в раннем средневековье.И живопись маслом, как этот термин понимается сегодня, была не изобретением, приписываемым человеку в определенный момент, а постепенным, возможно, методом проб и ошибок, развитием в мастерских художников, некоторые из которых смешивали пигменты с маслом как а также яичный желток. Однако к 1430-м годам Ян ван Эйк и, вероятно, другие художники в Нидерландах разработали смеси, которые включали масло (из льняного семени или орехов), сплавленное с твердой смолой (янтарь или копал), разбавленное маслом, полученным из лаванды или розмарина. Это была легкая текучая среда, которая высыхала легко, но медленно, что позволяло аккуратно изображать мельчайшие детали.Прозрачные масляные пигменты, нанесенные слоями, давали эффект необычайной яркости, что можно увидеть, например, в Ghent Altarpiece (0,5). Однако этот тип масляной среды подходил для рисования только на панелях или виссоне, которые впоследствии приклеивались к деревянной основе.
Другая смесь, включающая мягкую, а не твердую смолу, была разработана в Италии для рисования на холсте, натянутом на
Пигменты, порошкообразные и соединенные с другими веществами в мастерских средневековых художников, к началу шестнадцатого века стали все более доступными и готовыми к использованию специалистами по цвету. Художники отличались друг от друга пигментами, которые они использовали для основного цвета, и еще больше — смесями, которые они использовали для получения окончательных оттенков.Лишь в девятнадцатом веке спектр красок, полученных из природных минеральных и растительных источников, расширился за счет промышленного производства синтетических пигментов, которые аналогичным образом смешивались с льняным семеном и другими маслами.
назвали matiere по-французски, намекнув на их сочность, сочность и другие чувственно восхитительные качества. (Единственным конкурентом портретной живописи была пастель: живопись непрозрачными сухими мелками, смешанными с небольшим количеством клея, усовершенствованная в восемнадцатом веке [14,18] и, попав в немилость, возродилась в конце девятнадцатого.)
Позже отношения изменились, и картина стала стандартом. Хотя гобелены оставались самой дорогой формой украшения стен до конца восемнадцатого века, они обычно создавались художниками, известными как живописцы, а их искусные ткачи считались подчиненными мастерами.Вышивка, очень часто выполняемая женщинами и менее зависимая, чем модели гобеленов от художников, также была понижена в рейтинге.
С. 608). С начала девятнадцатого века художники также создавали гравюры методом литографии — рисования масляным мелком на камне (15,18).
На Западе эти гравюры иногда копировались, и их эффекты эмулировались масляной краской, а также влияли на травление и литографию (см.662). В начале двадцатого века несколько европейских художников вернулись к печати с использованием ксилографии, подчеркнув явно вырезанные вручную неровности для выразительного эффекта.
Это был уникальный объект, похожий на картину или рисунок, который часто использовался для портретов. В Англии Уильям Генри Фокс Талбот преуспел до 1839 года в закреплении негативных изображений на листах полупрозрачной бумаги, которые затем можно было поместить на листы непрозрачной сенсибилизированной бумаги и подвергнуть воздействию света для получения позитивных отпечатков.Преимущество состояло в том, что с одного негатива можно было сделать множество идентичных отпечатков. Однако они были немного нечеткими из-за неровной текстуры полупрозрачной бумаги (15,31). Внедрение стеклянных пластин для негативов в 1850-х годах облегчило производство гравюр, получивших четкое определение как дагерротипы, которые они вскоре вытеснили.
Стр. 674). До середины века фотографии иногда вешали среди литографий на официальных выставках искусства. После этого они были исключены и показывались только на специализированных выставках. Примерно в то же время самосознательные артистические фотографы начали выбирать предметы, похожие на те, что были у художников, концентрируясь на мягко сфокусированных изображениях неподвижных фигур и сцен. Иногда результаты могут быть почти ошибочно приняты за фотографии картин.«Благословенное искусство ты среди женщин» (0,6) американского фотографа Гертруды Касебир (1851–1934), например, занимает несколько примечательных картин среди самых убедительных изображений того периода. Достижения в науке фотографии использовались в основном фотографами-документалистами, чьи снимки уличных сцен (15,59) в настоящее время считаются одними из лучших когда-либо сделанных фотографий, но в то время рассматривались просто как фоторепортажи, а не как работы Изобразительное искусство.
.Хотя процесс цветной фотографии был усовершенствован в 1940-х годах, большинство из них по-прежнему, как и некоторые до сих пор, предпочитают монохромный. Нет более яркого примера несинхронизированного и часто противоречивого развития технологий и искусства, чем тот, который представлен полуторавековой историей фотографии. Несмотря на огромные достижения стольких фотографов, он только недавно получил широкое признание как средство художественного самовыражения с уникальными возможностями даже при использовании самого простого оборудования.Зимний дворец в Санкт-Петербурге Россия
В настоящее время Зимний дворец Санкт-Петербурга является частью архитектурного комплекса одного из крупнейших музеев мира — Государственного Эрмитажа. Дворец расположен в самом центре Санкт-Петербурга. Его южный фасад, объединяющий ворота, служащие главным входом в музей, обращен на Дворцовую площадь, а северный фасад — на набережную Невы.
Наряду с Зимним дворцом в музейный комплекс Эрмитаж входят соседние с дворцом здания, исторически получившие следующие названия: Малый Эрмитаж, Большой Эрмитаж, Новый Эрмитаж и Эрмитажный театр. Все они соединены между собой несколькими переходами, а также левым крылом Главного штаба на противоположной стороне площади.
В течение 155 лет Зимний дворец использовался как главная резиденция русской царской семьи, начиная с императора Петра III и до последнего российского монарха — Николая II.Его строительство началось по приказу Елизаветы I, дочери основателя Санкт-Петербурга и первого российского императора Петра I. Пока дворец строился, ее королевское высочество Елизавета и ее двор населяли деревянную версию Зимнего дворца, расположенного неподалеку. Это также место, где в 1761 году скончалась Елизавета I, всего за год до завершения строительства роскошного архитектурного шедевра, который мы видим сегодня, творения итальянского архитектора Франческо Растрелли.Зимний дворец имеет форму квадрата с просторным внутренним двором и четкими линиями фасада, общая длина которых составляет 200 метров (656 футов) и 117 метров (384 футов) в ширину. Высота Зимнего дворца, составляющая 28 метров (92 фута), долгое время была постоянной величиной, определявшей высоту возводимых в столице новых зданий. Зимний дворец — один из самых ярких, прекрасных, гармоничных и одновременно один из последних достижений высокого барокко, стиля, который стремился показать торжественность, обстоятельство и грандиозность.
Монархия в России пала в 1917 году в результате Февральской революции, и Зимний дворец стал стратегическим местом, используемым в основном для встреч и дискуссий Временного правительства. Однако в октябре 1917 г. он был прекращен отрядами крестьян и пролетариата, поднявшими бунт большевистской политической партией. После революции дворец был национализирован и превращен в музей, открытый для публики.
Изысканность внутреннего убранства Зимнего дворца раньше поражала посетителей королевской семьи так же, как поражает в наши дни.Миллионы туристов со всего мира восхищаются интерьером дворца. Проходя через различные залы, можно познакомиться с разнообразными архитектурными и декоративными стилями, которые интересовали мир в последние полтора века: елизаветинское барокко, полосатый классицизм и тонкий эклектизм.
Высококвалифицированные архитекторы с тонким вкусом использовали в отделке редкие и драгоценные материалы. Ступени, колонны и стены из белоснежного каррарского мрамора, избыток позолоченных предметов, скульптур и скульптурных композиций, замысловатый паркет из самых ценных пород дерева, живописные плафоны, серебряные люстры, лампы и канделябры, натуральный полудрагоценный камень такие как малахит, лазурит (горный синий), порфир, авантюрин и многие другие.Некоторые из этих камней использовались в отделке комнат, украшали вазы и мебель. Здесь же можно увидеть полированные образцы предметов декоративно-прикладного искусства русских, немецких, французских и английских мастеров, а главное — шедевры западноевропейских художников. Перечислить и описать все предметы в коллекции музея невозможно; надо идти и их собственными глазами!
Что нужно иметь в виду, если вы хотите обогатить и оптимизировать свое посещение музея (?)
Прежде всего, не поднимайте больше, чем вы можете унести!
Дворец очень просторный, его общая площадь составляет 60 000 квадратных метров (645 835 квадратных футов).
Постарайтесь соотнести и распределить время, которое у вас есть, соответственно с экспонатами, которые вы определенно хотели бы увидеть. В среднем, самая общая экскурсия занимает от 40 минут до часа, однако весьма вероятно, что вы захотите увидеть весь музей, потому что самые яркие шедевры и сокровища коллекции Эрмитажа, такие как картины Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан, Эль Греко, Диего Веласкес, Питер Пауль Рубенс, Рембрандт экспонируются в зданиях Большого Эрмитажа и Нового Эрмитажа.В таком случае вам потребуется не менее 2 с половиной часов.
Это точное время, чтобы вы могли увидеть коллекцию только в том случае, если вы не заблудитесь по пути и не будете ходить кругами, пытаясь найти правильный вход или выход в определенный выставочный зал или галерея. Поэтому можно предположить, что обзавестись гидом — не такая уж плохая идея. Не только гиды знают свой путь по музею, но они также знают места, где представлены самые важные экспонаты, они также смогут рассказать вам предысторию каждого шедевра и сделают все возможное, чтобы развлечь вас и ваши попутчики.
Согласно правилам и положениям музея, группам людей в сопровождении гида, в составе которых более 5 человек, разрешается двигаться только в одном направлении, т.е. вам придется сделать круг, чтобы вернуться и увидеть что-то еще раз, если есть необходимость. Эта политика проводится во избежание переполнения залов в случае возникновения чрезвычайной ситуации. Администрация музея делает все возможное, чтобы посещение музея было удобным как для индивидуальных посетителей, так и для групп.Несмотря на это, вы теряете возможность свободно перемещаться из галереи в галерею, если вы являетесь частью группы. С моей точки зрения, формирование группы менее пяти человек — очень умный ход, который дает вам разумную цену и хорошее качество посещения.
Я уверен, что к этому моменту вы поняли, что вам придется много ходить, поэтому убедитесь, что вы носите удобную обувь! Для отдыха посетителей в большинстве залов установлены скамейки и стулья.Однако очень часто туристы не имеют возможности уделить время отдыху во время туров, ведь там слишком много интересного, чтобы посмотреть, а времени очень часто не хватает!
Имейте в виду, что билет дает вам только один вход в музей, поэтому, если вы выйдете из музея, вам придется купить новый билет, чтобы повторно войти.
Если вы везете багаж, посылки или личные вещи, вы должны хранить их в гардеробе во время вашего визита. Также нельзя входить в выставочные залы с едой или напитками.
Если вы приняли решение посетить музей в составе группы или индивидуально и хотите, чтобы вас сопровождал гид, и если у вас возникнут какие-либо вопросы относительно тура, стоимости или направления, текущие экспонаты, пожалуйста, не стесняйтесь обращаться ко мне.
| Круглый год | |||
|---|---|---|---|
| Понедельник | выходной | ||
| Вторник | 10.30 — 18.00 | ||
| Четверг | 10.30 — 18.00 | ||
| Суббота | 10.30 — 18.00 | ||
| Воскресенье | 10.30 — 18.00 | ||
| Последний вход | 48 17.0079 | 48 17.00 79 | — 21.00|
| Пятница | 10.30 — 21. 00 | ||
| Последний прием | 20.00 | ||
| Дворец | Адрес | Дворец | Метро | ||
|---|---|---|---|---|---|
| Адмиралтейская | |||||
| Автобусы | |||||
| Дворцовая площадь | 7, 10, 24, 191 | ||||
| Троллейс | Дворцовая площадь | Дворцовая площадь | 11|||
| Маршрутки (маршрутка) | Дворцовая площадь | К-252 | |||
Зимний дворец входит в мои частные экскурсии:
Также вы можете составить индивидуальный тур или забронировать экскурсию внутри.
Поделиться
.