0:59
Как поэтапно нарисовать КОСТЮМ для начинающих и … ↗

11:13
Простые рисунки #256 Русская красавица / народный костюм ↗

Идеи на тему «Театральный костюм в графике и рисунке … ↗13.01.2021 — Просмотрите доску «Театральный костюм в графике и рисунке» пользователя федорова жанна в Pinterest. … Еще у Леона Бакста: Его эскизы костюмов: как Клеопатра как Елена Троянская … Бумага, гуашь, карандаш.

Идеи на тему «Эскизы театральных костюмов» (40+) … ↗12.03.2017 — Просмотрите доску «эскизы театральных костюмов» пользователя Евгения в Pinterest. Посмотрите больше идей на темы «эскиз, костюм, …

Как нарисовать карнавальный костюм карандашом … ↗
Есть такие идеи, рисования карнавального костюма . Для этого нужно нарисовать человека, в яркой одежде, на лице овязательно …

Как нарисовать костюм карандашом поэтапно ↗В этом уроке мы узнаем как рисовать костюм карандашом – вещь, которая определяет статус мужчины. Костюм – один из последних элементов …

Как нарисовать мужской народный костюм? Рисунки … ↗Как нарисовать мужской народный костюм? Шаг 1. Рисуем рубаху. Шаг 2. Рисуем штаны и сапоги. Шаг 3. Рисуем узоры.

Как нарисовать театральный костюм карандашом

Рисунок театральный костюм карандашом ↗
Рисунок театральный костюм карандашом – Эскизы … искусством и даже запретил ему рисовать, но, преодолев сопротивление отца, …

Театральный костюм рисунок для школы и для детского сада ↗Детские рисунки театральных костюмов, картинки для образца рисования. Срисовки для цветных карандашей, красок и фломастеров.

Tag: c1D1k3PY68y5

Образ театрального героя

Урок изобразительного искусства

в 3 классе на тему:

«Образ театрального героя»

учитель изобразительного искусства

Речнова Елена Викторовна

г. Кирсанов

2018 годУ

Цели и задачи урока:

Образовательные:

• научить детей выполнять эскиз театрального костюма сказочного персонажа;

• расширить представление учащихся о связях деятельность художника с театром, актерской игрой.

Развивающие:

• развивать творческое воображение, аккуратность при выполнении работы, живописные умения и навыки.

Воспитательные:

• воспитывать чувство прекрасного, любовь к театру;

• уважение к труду художника, работающего в театре.

Оборудование:

Для учителя:

• театральные маски (на бумаге), детские рисунки, грамзапись, слайды.

Для учащихся:

• альбом, краски, кисть, баночка для воды.

План урока

1. Организационный момент.

1. Приветствие.

2. Проверка готовности учащихся к уроку.

1. Сообщение темы и задачи урока.

1. Вводная беседы.

1. Театр – особый и прекрасный мир.

2. Работа в театре специалистов при создании художественно-декоративного оформления спектакля (заслушивание докладов учащихся, основанных на поисковой работе).

3. Работа художника над эскизом театрального костюма.

Физкультминутка

1. Актуализация знаний.

1. Практическая работа учащихся.

1. Итог урока.

1. Выставка и анализ работ.

2. Заключительное слово учителя.

3. Домашнее задание.

Ход урока

1. Организационный момент.

1. Приветствие.

Подготовившись к уроку на перемене, дети заходят в класс под музыку Шостаковича «Вальс — шутка». Дети садятся за столы, музыка затихает. Обращаю внимание детей на убранство класса и музыку Шостаковича.

Учитель. Ребята, вы, наверное, обратили внимание на то, как украшен наш класс. Что необычного вы заметили? (маски, драпировка, красивые рисунки).

Учитель. А обратили ли вы внимание на музыку, которая прозвучала в начале урока? Где можно услышать её? (в театре).

II. Сообщение темы и задачи урока.

Учитель. Верно, а может быть кто-то из вас уже догадался, о чём у нас пойдёт разговор? (о театре). Правильно, мы поговорим о театре, о его актёрах, о театральном костюме. И во время практической работы выполним эскиз театрального костюма сказочного персонажа.

Учитель. Любите ли вы театр? А за что вы его любите?

(Ответы учащихся).

Учитель. А как вы понимаете слово — театр?

Ученик. Театр — (от греческого) — место зрелищ.

Учитель. Кто из вас был в театре? Что вы там видели?

(Ответы учащихся)

1. Вводная беседа.

Идут слайды с изображением театра. Звучит музыка. Рассказ учителя.
Учитель. Театр — особый и прекрасный мир. В этом мире всё необычно:
театральное освещение, декорации, артисты. Глядя на сцену, вы забываете
обо всем и начинаете сочувствовать героям, даже стараетесь как-то помочь
им. Вы переживаете вместе с ними неудачи и торжествуете победы.

Не выходя из зрительного зала, вы можете совершить увлекательное
путешествие в любую точку планеты. Театр может вернуть вас на много
веков назад и помочь вам заглянуть в будущее. Театр научит вас не
удивляться, когда на его сцене заговорят не только люди, но и животные. А главное — театр научит вас видеть прекрасное в жизни и в людях.

Здесь все прекрасно: жесты, маски

Костюмы, музыка, игра.

Здесь оживают наши сказки
И с ними светлый мир добра.

Писатели, режиссеры, композиторы, художники трудятся для того, чтобы помочь вам встретиться с главными волшебниками театра — с артистами. Они говорят на разных языках. В оперном спектакле артисты споют вам про своих героев, в балетном — все мысли, чувства, переживания героев выразят в танце, в драматическом театре они будут разговаривать, «как в жизни», в кукольном привлекут к себе в помощники кукол.

Учитель. Ребята, вы провели поисковую работу и узнали о том, какие специалисты участвуют в создании художественно — декоративного оформления спектакля. Давайте послушаем доклады.

Ученик 1. Столярный цех. Здесь по готовым эскизам и чертежам делают всевозможные деревянные конструкции для сцены: возвышения, лестницы, загородки, каркасы домов, стены, заборы, стволы деревьев и прочее.

Ученик 2. Костюмерно-пошивочный цех. Здесь работают художники — костюмеры. В соответствии с эскизами художника — постановщика они шьют костюмы и отдельные детали декорации для будущего спектакля.

Ученик 3. Малярно-художественный цех. В соответствии с заданием художника — постановщика здесь занимаются росписью (раскрашиванием) задников, кулис, а также тонируют все предметы на сцене цветом, утвержденным художником.

Ученик 4. Мебельный цех. Задача его сотрудников — обеспечить будущий спектакль мебелью, соответствующей замыслу художника.

Ученик 5. Реквизиторский цех в соответствии с заданием художника обеспечивает будущую постановку предметами быта.

Ученик 6. Бутафорский цех предназначен для того, чтобы изготавливать для сцены всевозможные «подделки» — все то, что невозможно использовать в натуральном виде: мечи, кинжалы, рыцарские доспехи, яства и т.д. Специалистов этого цеха называют художниками — бутафорами.

Ученик 7. Гримерный цех. Здесь работают художники — гримеры. По заданию художника — постановщика они выполняли индивидуальный грим (а при необходимости и парики) для каждого героя будущего спектакля.

Ученик 8. Осветительный цех. В его задачу входит обеспечение каждой сцены будущего спектакля в соответствии с замыслом художника необходимыми световыми эффектами: свет прожектора, отсвет костра, пламя пожара, восход или заход солнца, свет луны, разрыв гранаты, звездное небо и прочее. Кроме того, в задачу цеха входит освещение сцены и актеров на ней. Этим всем занимаются художники — осветители.

Учитель. Вся работа в цехах идет под непосредственным контролем художника-постановщика параллельно с репетицией, Перед выпуском спектакля на сцене устанавливаются готовые декорации и художник постановщик имеет возможность сверить свой первоначальный замысел, осуществленный в макете и эскизах, с реально получившейся декорацией. Только приведя в единое целое все детали и компоненты художественного

Перенесёмся мысленно в глубокую древность — в Грецию и коротко познакомимся с театром того времени.

Ученик. В древнегреческом театре актёрами могли быть только мужчины — они исполняли и женские роли. Древнегреческий актер по ходу спектакля мог играть несколько ролей. Он выходил к зрителям в маске. На глазах у публики, приложив к лицу маску, актёр превращался в определенного героя, доброго или злого, веселого или грустного, молодого или пожилого.

Перенесёмся мысленно в глубокую древность — в Грецию и коротко познакомимся с театром того времени.

Ученик. В древнегреческом театре актёрами могли быть только мужчины — они исполняли и женские роли. Древнегреческий актер по ходу спектакля мог играть несколько ролей. Он выходил к зрителям в маске. На глазах у публики, приложив к лицу маску, актёр превращался в определенного героя, доброго или злого, веселого или грустного, молодого или пожилого.

(Слайды)

Ученик. Наши предки, славяне, тоже устраивали представления, подобно спектаклю. В этих играх, праздниках выделялись люди, которые лучше других умели петь, плясать, играть на музыкальных инструментах. Это были первые артисты Древней Руси — скоморохи. Скоморохи одевались в специальные одежды: яркие, с геометрическим или растительным орнаментом, надевали маски и бродили по селам и городам, водили медведей, разыгрывали веселые сценки. Один из скоморохов крутил ручку шарманки, а другой, под громкие звуки музыки показывал, как смешной, длинноногий Петрушка бьет царского офицера.

(Слайды)

Учитель. Итак, мы подошли с вами к кукольному театру, который существует с древних времен. Сейчас такие театры есть почти во всех странах мира. В кукольном театре актерами являются куклы. В современных театрах куклы бывают разные: одни из самых простых называются перчаточными, потом} что надеваются на руку, как перчатки. Есть куклы, которые приводятся в движение нитями — куклы на нитях.

Третьи куклы — куклы на тростях. Чаще всего их держат за центральную палку, которая проходит через всю куклу.

(Слайды)

Учитель демонстрирует кукол, изготовленных учащимися. Предлагает детям поиграть в них, изображая какое-либо действие из сказки.

Учитель. Кукольный театр любят и дети, и взрослые. А во что одет актёр, когда исполняет свою роль на сцене театра? (в театральный костюм?). Учитель. А зачем нужен театральный костюм актёру? ( По костюму мы можем сразу определить, что это за герой?).

Учитель. А кто создает театральный костюм? (Художник).

Учитель. Верно. Свою работу над костюмом он начинает с читки пьесы; отмечает те места, где говорится о внешности героя или о чертах его характера. Все это можно использовать в костюме. Затем художник на бумаге выполняет эскиз, где указывает, из каких тканей сшит костюм, какие использует украшения, грим…

Цвет костюма тоже играет важную роль. (Учитель демонстрирует детские рисунки с изображением сказочных персонажей). В костюме клоуна, Буратино, Красной Шапочки будут преобладать яркие краски, соответствующие характеру этих героев. Ведь все эти сказочные персонажи веселые, озорные. И яркий костюм будет помогать им в раскрытии образа героев.

А вот принцесса всегда очень загадочный персонаж, нежный. И для костюма принцессы подходят какие цвета? (Легкие, нежные: бледно-

голубой, розовый).

В костюме же злого персонажа будут преобладать темные тревожные тона. (Карабас, Баба Яга). Итак, цвет костюма играет важную роль в спектакле. Мы не можем представить себе платье Принцессы серым или Бабу Ягу в костюме с ярким орнаментом.

Важную роль в театральном костюме играют мелкие детали: предметы украшения, головные уборы, грим. Например, нам трудно было бы узнать Красную Шапочку, если у нее не было на голове красной шапочки, или Карабаса, не будь у него длинной бороды, или Буратино с коротким носом.

Учитель. Итак, работа художника над костюмом очень трудоемкая. Он не только составляет эскиз костюма на бумаге, но и следит за тем, как шьют костюм. А затем смотрит, как выглядит его костюм на актере.

Учитель. Ребята, как вы думаете, музыка может раскрыть образ героя? А как, мы сейчас узнаем. Перед вами рисунки с изображением героев сказок в театральных костюмах. Кто они? (Буратино, Мальвина, Карабас). Вы будете слушать небольшие фрагменты музыкального произведения и определять, какому герою соответствует характером своего звучания музыка. (Дети дают ответы).

Учитель. Молодцы! Вы очень точно определили, какому герою, каком) образу соответствует та или иная музыка. Вы еще раз убедились в том, что в театре все взаимосвязано: и актеры, и музыка, и костюм. Театр — это необычный мир.

Физкультминутка.

1. Упражнение для тренировки мышц глаз: медленно переводить взгляд с права налево и обратно (8-10 раз).

2. Исходное положение — сидя на стуле, ноги согнуты, стопы параллельны. Приподнимать пятки одновременно и поочередно, разведение стоп в стороны.

3. Исходное положение — стоя. «Замочек» — вести одну руку за голову, вторую — за лопатки. «Попилить» несколько раз, меняя положение рук.

1. Актуализация знаний.

Учитель. Итак, настало время создать эскиз театрального костюма для положительного или отрицательного героя. Во время работы вы должны учитывать не только элементы костюма, цвет, но и не забывать и о пропорциях фигуры (Таблица). При работе красками вы можете показать цвет лица: у принцессы — бледно — розовое, у Буратино — желто — коричневое, у Бабы Яги — серо — зеленое лицо.

(Показываю на доске, как быстро без карандаша нарисовать театральный костюм).

1. Практическая работа учащихся.

(Звучит музыка).

Задание: выполнить эскиз костюма театрального героя.

Во время практической работы учитель делает целевые обходы:

1. контроль организации рабочего места;

2. контроль правильности выполнения приемов работы;

3. оказание помощи учащимся, испытывающим затруднения;

4. контроль объема и качества выполненной работы

VI . Итог урока.

1. Выставка и анализ работ учащихся.

2. Заключительное слово учителя.

Учитель. Итак, вы закончили работу над эскизом театрального костюма героя. Каждый из вас выразил свои личные отношения к рисунку. Конечно, не все работы совершенны и заслуживают похвалы, но ведь это и понятно: вы только учитесь постигать язык, приемы и средства изобразительного искусства. Еще все получится, нужно только охотно желать этого.

Учитель. «Как хорошо, что есть театр!

Он был и будет с нами вечно,

Всегда готовый утверждать,

Все, что на свете человечно».

1. Домашнее задание.

Составить мини-рассказ о полюбившемся литературном герое, изобразить его по представлению в рисунке — наброске карандашом.

Е. А. Илюхина. Маски М. Ларионова и Н. Гончаровой Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

Е.А. Илюхина МАСКИ М. ЛАРИОНОВА И Н. ГОНЧАРОВОЙ*

Надо, чтобы на сцене не было ни одного предмета, соответствующего реальной жизни, и чтобы костюм был не похож ни на какие существующие одежды, чтобы были невиданные гримы и маски.

М.Ф. Ларионов. «Театральное и декоративное…»

В 1922 г. Михаил Ларионов, один из ярких представителей авангарда, известный на Западе театральный декоратор, предлагает берлинскому издательству «Академия» серию книг из 20 томов, посвященных театру. Выпуски охватывают историю театра, современные тенденции его развития в различных странах, а также подробные исследования отдельных его элементов. Первым в списке книг, носящих общее название «Театральная библиотека», обозначен том, посвященный гриму; завершает весь цикл исследование о масках.

Маска и грим становятся как бы двумя полюсами, между которыми умещаются все составляющие театра — декорации, костюмы, освещение и т.д. Для Ларионова они были основополагающими понятиями существования театра как такового. Ларионов особенно настаивал, чтобы «невиданные гримы и маски» служили главным средством перевоплощения, проникновения творческого, художественно-

* Илюхина Е.А. Маски М. Ларионова и Н. Гончаровой // Авангард и театр 1919-1920-х годов. — М.: Наука, 2008. — С. 443-455.

го начала в обыденную реальность жизни. Специальные гримы и маски присутствуют во всех оформленных им спектаклях: «Русские сказки» (1916-1918), «Байка про Лису» (1922) и «Лис» (1929), «Шут» (1921), «Карагёз» (1926), «Гамлет» (1934). Не использованы маски лишь в первом спектакле — «Полуночное Солнце», но и там они присутствуют в некоем знаковом виде — пузыри с изображением лиц в руках у шутов. Даже в спектакле марионеток «Донна Серпента» (1917) появляются персонажи «в масках как у Лонги».

При этом под гримом Ларионов понимает не традиционную для театра аффектацию черт лица, а именно его кардинальное изменение.

Грим становится эквивалентом маски, исполненным не из папье-маше или ткани, а иными, чисто живописными средствами. Для художника-живописца «роспись лица» привычней и органичней, и грим, безусловно, преобладает в ларионовских спектаклях.

Идея грима, кардинально преображающего лицо, возникла у Ларионова еще до его прихода в театр. В статье «Почему мы раскрашиваемся» (1913) он писал: «Мы связали искусство с жизнью. После долгого уединения мастеров мы позвали громко жизнь. Жизнь вторглась в искусство. Пора искусству вторгнуться в жизнь. Раскраска лица — начало вторжения.<…> Мы красимся на час, и всякое изменение переживаний требует изменить раскраску. <…> Телескоп распознал затерянные созвездия в пространстве, раскраска лица расскажет о затерянных мыслях» (цит. по: с. 445). Раскрашенные лица футуристов — В. Каменского, Д. Бурлюка, Н. Гончаровой — стали первыми опытами художественного грима. Впрочем, это был не столько способ «донести переживания» до окружающих (зрителей), сколько стремление отделиться от толпы, создать театрализованное пространство вокруг себя. Что, собственно, и происходило во время прогулок по оживленным центральным улицам Москвы. Впоследствии Ларионов в статьях о театре особенно подчеркивал умение актера создать вокруг себя атмосферу сцены, не взбираясь на подмостки. Спустя два года после этих выступлений, присоединившись по приглашению С. Дягилева к его балетной кампании в качестве художника-декоратора, Ларионов экспериментирует с гримом уже на профессиональной сцене. В «Полуночном Солнце» (первом оформленном им балете) он лишь пробует раскраску лиц — яркие пятна румянца придают лицам актеров сходство с народными игрушками и персонажами лубков. В «Русских сказках» (1916-1918) он уже извлекает из грима макси-

мальный эффект. Актерское лицо воспринимается Ларионовым как «чистая поверхность холста», на нее он свободно наносит рисунок. Разноцветные «лучистские» штрихи на лице Л.Ф. Мясина в роли Бо-вы обретают какую-то самодостаточную декоративную выразительность, а грим Нижинской (Кикиморы) — с оскаленным ртом — изменяет ее облик до неузнаваемости. Однако, преображая внешность актера, грим позволяет сохранить мимику и пластику лица, его способность к ежеминутным переменам выражения… Жесткая маска появляется у Ларионова лишь там, где она необходима, где материал, из которого она изготовлена или который имитирует, отвечает образу. Так, маска Лешего «сделана» из бересты или передает сучковатую поверхность дерева.

Пожалуй, единственный раз маски в большом количестве появляются в эскизах костюмов к балету «Байка про Лису» (1922). Русская сказка, где главными действующими лицами были Кот, Баран, Петух и Лиса, казалось бы, сама по себе требовала использовать маски. Тем более что использование масок предполагал и сам жанр музыкального произведения, указанный в партитуре И.Ф. Стравинского -ярмарочная буффонада.

Работа над этим спектаклем началась задолго до его постановки, в 1915 г. в Уши, но разного рода обстоятельства стали причиной того, что премьера состоялась лишь в 1922 г. Окончательный вариант оформления, впрочем, известный лишь по газетным воспроизведениям рисунков самого Ларионова, включал маски, напоминающие маски русских ряженых. В самых ранних рисунках к «Байке», их мы находим в швейцарских альбомах 1915г. (ГТГ), Ларионов обращается в своих поисках выразительных масок к различным историческим и национальным источникам. Лицо актера часто остается открытым, но под карандашом художника оно приобретает сходство с персонажем-животным. Ларионов как бы извлекает «маски» из лиц окружающих его людей: Гончаровой, Стравинского, Мясина, Дягилева, балетных танцовщиков. В них отражается не только физиономическое сходство, но и черты характера, а также симпатии и антипатии самого художника к изображенным. Ларионовские маски неотделимы от лица, они его производное, гротескное и характерное проявление личности изображенного. В эти годы Ларионов много раз повторяет мысль о сходстве пластики человека и животного. Так, в облике Лисички угадываются острые черты пикантного личика Нижинской, а солидный

авторитетный Кот предстает в «дягилевском» обличии, со знаменитым моноклем, и уж совсем злым гротеском выглядит превращение Бакста в Барана. Разумеется, этот остроумный вариант был осуществим лишь на бумаге, а для спектакля Ларионов исполнил яркие декоративные маски. Несмотря на внешнюю эффектность, они были довольно громоздкими, двигаться в них по сцене было, наверное, не слишком удобно. Возможно, именно поэтому, вторично обращаясь к «Лису» (в 1929 г.), Ларионов делает маски (вернее полумаски) почти неотделимыми от лица. Этот вариант маски, оставляющий половину, а иногда полностью открытым загримированное лицо, мало чем отличается от грима. В серии станковых композиций 1930-х годов, созданных по мотивам балета, маска окончательно срастается с лицом. В блокнотах Ларионова возникают какие-то мутанты со звериными головами, человеческими телами и пластикой животных.

Работа над балетом «Байка про Лису», а его Ларионов оформлял дважды — в 1922 и в 1929 гг., охватывала весь период деятельности художника в дягилевской антрепризе, отражая смену его театральных ориентиров — от увлечения фольклорным театром до конструктивистских опытов. Начав работать над книгами, посвященными Дягилеву и его балетной антрепризе, погрузившись в воспоминания и размышления о собственной «жизни в театре», Ларионов постоянно обращается к этому балету, ставшему для него своеобразным олицетворением балетного театра вообще. Именно в эскизах оформления ранней и поздней версии спектакля, в бесконечных рисунках-воспоминаниях проиграны все возможные варианты использования маски и ее интерпретации. Главная интрига сказки разыгрывается коварной Лисой, стремящейся обмануть и погубить Петуха, и именно ее манипуляции с маской представляют настоящие интермедии, воплощающие ларионовский тезис о «маске — символе лжи». Обманщица с легкостью расстается со своей лисьей маской, прикидываясь то монахиней, то молодой крестьянкой. В кульминационной сцене обольщения Петуха, отложив звериную маску в сторону, актриса открывает свое истинное — человеческое лицо. Но по сюжету (Лиса лишь притворяется очаровательной крестьянской девушкой) именно это лицо — фальшивая маска, за ней скрывается коварная Лиса. На сцене все оказывается фальшивым, лицо становится маской, а маска срастается с лицом.

Мастер мистификаций, Ларионов, каждый раз обращаясь к

этому спектаклю, «дополняет» его образ все новыми подробностями, абсолютно не соответствующими реалиям ни первой, ни второй постановки, «доказывающими», что многие театральные нововведения были сделаны Ларионовым раньше других. Так, рисунки с изображением четырех масок, созданные в 1930-е годы, однако датированные художником 1918 г., несут в себе ясно читающиеся элементы конструктивизма. В ларионовских блокнотах появляется запись о том, что идея конструктивистского оформления спектакля обсуждалась им еще в 1918 г. (вот откуда на рисунках дата — 1918), т.е. еще до наступления эры конструктивизма в театре. Хотя эти рисунки и создают иллюзию сходства с эскизами театрального оформления, но по сути они своеобразный иллюстративный ряд ларионовских книг о театре, и именно в этом контексте возникает традиционная маска.

Маска для Ларионова в большей степени атрибут, знак театра. «Маска — символ лжи и театральности», — записывает Ларионов в набросках статьи о театре в 1918 г. Не случайно в балете «Шут» (1921) маску носит обманщик-шут, «семерых шутов перешутивший». А в 1931 г., исполняя эскизы пригласительных билетов и программок для антрепризы «Опера-балет А. Бенуа», Ларионов изображает несколько традиционных масок венецианской комедии дель арте, их он практически никогда не использовал в оформлении собственных театральных постановок.

Эти маски — демонстративный символ театральной игры, не дающий зрителю перешагнуть границу, отделяющую жизнь от театра. Ларионов был за проникновение театра в жизнь, но категорически против обыденной жизненности на театральной сцене, за «невиданные гримы и маски».

В театральной практике Ларионов отдавал безусловное предпочтение гриму. Для художника балетного театра, тем более для художника, увлеченного сочинением хореографии, движение, пластика были приоритетны и грим, сохраняющий возможности миманса и ничем не ограничивающий свободы балетного артиста, оказывался предпочтительнее.

В 1934 г. Ларионов планирует постановку балета «Гамлет», где грим не должен уже ограничиваться только раскраской лиц, он наносится на обнаженное тело балетного артиста. Ларионов — художник, не мыслящий себя вне театра, хочет минимизировать дистанцию между актером и художником.

В ларионовском театре первенствует художник-гример, а в станковом творчестве он отдает безусловное предпочтение маске. Портретируя близких ему людей, Ларионов отбирает наиболее характерные черты их внешности, обобщая, находит раз и навсегда выверенный облик — «маску лица», затем ее и копирует и калькирует многократно. На основании натурных рисунков 1915-1916 гг. он создает целую серию масок-ликов Гончаровой, Мясина, Дягилева, Аполлинера и многих других, свободно оперирует ими на протяжении последующих десятилетий. Порой этот найденный облик трактуется в буквальном смысле как маска. Так, в рисунке, изображающем Мясина, стилизованное лицо танцовщика нарисовано на отдельном листке и наклеено на изображение фигуры — оно «надето» будто маска. Точно так же присоединялась маска к фигуре персонажа в эскизе костюма Лешего для «Русских сказок».

Изданные в серии «Открытых писем» портреты Гончаровой, Бурлюка, самого Ларионова в 1910-х годах уже несли на себе характер устойчивых масок-имиджей. Создавались они путем повтора и перенесения ранее существующего рисунка на новый лист. На протяжении 1920-1940-х годов, работая над книгой о Дягилеве, Ларионов многократно воспроизводит свой знаменитый рисунок 1915 г. -«Профиль С. Дягилева». В 1910-1920-е годы он неоднократно повторяет портрет Гончаровой, добавляя в качестве атрибута ту или иную деталь, биографическую примету. Во второй половине 1910-х годов, после появления первых «Испанок», художник изображает ее с испанским гребнем, в 1923 г. — с завязанной вокруг головы косынкой, как у персонажей оформленного ею балета «Свадебка». Так же Ларионов поступает и с собственными автопортретами. В его облике предстает турок из «Путешествия в Турцию»; пирующие Шайтан и Шемаханская царица из «Золотого петушка» — вполне узнаваемый парный портрет Ларионова и Гончаровой. Иллюстрируя поэму А. Блока «Двенадцать» (1920), Ларионов в образах Ваньки и Маньки изображает себя и Гончарову. Гениальный «имиджмейкер» Ларионов создает иллюзию своего и Гончаровой постоянного присутствия. С такой же легкостью он использует и чужие лики.

Скрываясь под маской анонимного автора, создавая иллюзию некоей «объективности», художник пишет текст к книге о С. Дягилеве, рассказывая «о роли Ларионова в истории дягилевской антрепризы». Это своеобразный способ отстранения, позволяющий оценить

собственное творчество и… воздать должное самому себе. Это было нужно Ларионову ради продвижения своих будущих творческих планов — будь то выставка живописи, театральная премьера или перспектива работы балетного импресарио. Под маской увлекательной игры Ларионов последовательно реализует свои замыслы. Именно поэтому, быть может, Ларионов практически никогда не делал маску ради маски. Маска для него (а в широком смысле — и маска и грим) — либо некий атрибут театра, либо выстроенный, созданный творческий имидж в жизни. Маска не столько закрывает лицо, сколько открывает, освобождает от всяческих, в том числе этических, ограничений.

Маска как способ спрятать лицо Ларионова не интересует. Для него главное — возможность перевоплощений, что дает смена масок. В 1920-е годы, будучи одним из организаторов костюмированных Балов художников в Париже, Ларионов исполнил эскиз лишь одной маски, скорее по обязанности организатора, для примера другим художникам. Многообразие его творческих проявлений поражает: вместе с другими художниками он декорирует бальный зал (как правило, балы проходили в помещениях кафе или танцевальных залах), делает эскизы костюмов, пригласительных билетов и афиш, макеты программ, изобретает «специальные коктейли» и даже записывает их химические формулы. Он составляет списки приглашенных, среди них есть лица-маски, лица-фантомы — люди из ларионовского прошлого -их не было в Париже в это время. Он выступает и в роли хореографа-постановщика танцевальных номеров, причем тех же, что были недавно поставлены в дягилевской антрепризе Мясиным. Художник и балетмейстер, кулинар и химик — количество ларионовских перево-площений-«масок» могло бы заполнить специальный Бутик масок, заявленный в программе Ва1 Тгап8шеШ;а1 (1923).

«Хозяйкой» этого бутика была Гончарова, ей, как это часто бывало, предстояло осуществить на практике замыслы Ларионова. Она исполнила целый комплект масок.

Вопрос о масках для Олимпийского бала (1924) был решен Гончаровой кардинально. Ею была изобретена «универсальная маска, подходящая мужчинам и женщинам, особо рекомендуется опаздывающим» — черно-белая маска, с большим шарфом, напоминающим итальянские капюшоны, делающая равно неузнаваемыми и мужчин, и женщин. Эта похожая на мешок с прорезями маска предназначалась, как следует из ироничной подписи под ее воспроизведением в про-

грамме Бала, для тех ленивых сторонних посетителей Балов, что составляли лишенную индивидуальности толпу зрителей. Кажется, что в очередной раз Гончарова реализует одну из ранних идей Ларионова. В 1917 г., работая над либретто спектакля «Донна Серпента», Ларионов выводит на сцену демаскированных актеров, режиссера и художника, а зрителей одевает в маски, превращая их в «людей без лиц».

В отличие от Ларионова для Гончаровой маска прячет лицо, лишает его индивидуального, личностного начала. Впервые маски появляются в работе над одной из первых версий оформления балета «Свадебка» на музыку И.Стравинского (около 1915 г.). Темой балета был крестьянский свадебный обряд. Первоначально, отчасти по просьбе композитора, Гончарова пытается создать декоративное решение в духе «Золотого петушка» — праздничный вариант крестьянского костюма. Но, по ее собственным воспоминаниям, чем больше она задумывалась над смыслом свадебного обряда в России в крестьянской среде, тем меньше радостного видела она в нем. «Это был брак по расчету, подчас по принуждению», где веселящиеся гости выступали как стихийная слепая анонимная сила, подавляющая волю и желания молодых. Видимо, в момент таких сомнений она дополняет некоторые эскизы костюмов странными масками — кусками материи с прорезями для глаз. На фоне изощренно декорированного костюма такая примитивная маска делала лицо пустым, нечеловеческим, ничего не выражавшим, напоминавшим маску смерти. В окончательном варианте костюмов Гончарова отказалась от масок — идея деиндивидуализации персонажей решалась за счет абсолютно одинаковых почти монохромных костюмов.

В начале 1920-х годов Гончарова оформляет спектакль по рассказу А. Шницлера «Покрывало Пьеретты» («Шарф Коломбины») в традициях комедии дель арте. В комплекте эскизов костюмов, исполненных гуашью (ГТГ) так же, как и в осуществленном спектакле, маски отсутствуют. Однако в коллекции галереи хранятся несколько коллажей — эскизов женских костюмов, на обороте которых есть авторская надпись Гончаровой — «Покрывало Пьеретты». В архиве художников (ОР ГТГ) были обнаружены фотографии актрис в этих костюмах. Их лица закрыты простыми матерчатыми масками, придающими им сходство с безликими марионетками. Возможно, именно в силу элементарной простоты этих масок Гончарова просто

не делала их эскизов. Этот нереализованный вариант оформления спектакля «Покрывало Пьеретты» (с масками) художница осуществила позднее, «в концертном исполнении» — в маскарадных костюмах для Бала художников.

Если ларионовские маски большей частью забавны, то гонча-ровские скорее пугающи. Лишь однажды, оформляя балет «Жар-птица», она создает серию веселых фольклорных масок животных и фантастических существ из свиты Кощея — Кикимор, Билибошек, чудищ. Их должны были исполнить из соломы, прутьев, бумаги -того самого сора, из которого рождались ларионовские Леший и Черти «Русских сказок». В этом спектакле чувствуется влияние Ларионова — на лица многих «монстров» наложен яркий грим. Возможно, как когда-то в «Золотом петушке», Ларионов помог Гончаровой «разобраться с нечистой силой».

Концепция маски как зловещего атрибута потусторонних сил наиболее последовательно воплощена в поздних гончаровских проектах. В 1939 г. она оформляет балет «Гойески» на музыку Э. Гран-доса, в начале 1940-х годов несколько одноактных балетов для кампании «Романтический балет Б. Князева» — «Последний романтик» на музыку К. Константинова и «ОЬсе88Юп» на музыку Я. Сибелиуса. В образах гойевских «Каприччиос» и в мрачных фантазиях по мотивам произведений И. Босха для балетов Б. Князева вновь возникает тема пугающей безликой нечеловеческой силы. Теперь маски закрывают не только лица, но и тела танцовщиков, превращая их в неузнаваемое нечто, лишенное привычных пропорций, форм и очертаний. Эти маски-костюмы, маски-плащи — вариации на ту же тему итальянской бауты, её идея доведена до абсолюта. В них присутствуют глаза, но отсутствуют прорези-глазницы, по сути та универсальная маска-мешок, наконец, окончательно «додумана» Гончаровой. Художница как бы заново открыла для себя истинный первоначальный смысл итальянской бауты — под ее черным плащом скрывается лик смерти.

В самом начале своего творческого пути, когда ни один из художников еще не занимался театром, Гончарова написала «Портрет Ларионова и автопортрет в маскарадных костюмах» (1906, ГРМ), удивительно точно определив и сформулировав отношение обоих к маскарадному действу. Ларионов изображен в виде клоуна с размалеванным веселым лицом, Гончарова — неузнаваема в черном италь-

янском домино и костюме Коломбины. Этот живописный манифест художники реализовывали на протяжении десятилетий последующей жизни и работы в театре — Ларионов открыл радостную, буффонадную сторону карнавала, Гончарова заглянула под его черную маску.

С.А. Гудимова

Все По Другому Теперь Спектакль Смоленск — Голос города — Каталог статей

День театра в Смоленском драматическом отметили премьерой «Все по-другому теперь»Комментарии: 1

Спектакль по мотивам пьесы Светланы Баженовой поставил главный режиссер театра Виталий Барковский [фото]

Пьеса написана молодым орловским драматургом чуть более года назад, но уже отмечена наградой на международном конкурсе Евразия- . История из жизни простых людей — не титанов духа и интеллекта, а обычных жителей обычных пятиэтажек восходит к общечеловеческим вопросам. О родстве кровном, которое порою не совпадает с настоящим, внутренним родством, об взаимоотношениях поколений, о любви материнской и сыновней.

С текстом пьесы зритель легко может ознакомиться в интернете, а заодно и сравнить первоисточник и смоленскую постановку.

Сценическое решение Светланы Архиповой отличается лаконичностью: три белых окна с восходящими к ним лестницами, низкий компьютерный стол в центре, справа – турник с лесенкой и огромная белая же песочница, из которой персонажи достают то старые игрушки, то наушники, то кастрюли.

Господство белого цвета переносит действие из старой квартиры, о которой пишет автор пьесы, в некое абстрактное пространство и время, и подчеркивает ощущение каких-то радостных перемен, которых так ждут персонажи Все по-другому .

Смоленский драмтеатр закрыл 234-й сезон

Автор Сергей МУХАНОВ 29 июня Просмотров: 522 0

Один из старейших театров страны, Смоленский драматический имени Грибоедова, завершил очередной сезон премьерой – «Сном в летнюю ночь» Шекспира. Постановка художественного руководителя Липецкого драматического театра Геннадия БАЛАБАЕВА, художник – Светлана АРХИПОВА.

Перед началом спектакля были подведены краткие итоги сезона и названы лучшие актёры и роли.

Приза «За вклад в сезон» удостоена Юлия ПУШКИНА, сыгравшая наибольшее количество спектаклей.

«Самая долгожданная женская роль сезона» – Марья Александровна Москалёва («Дядюшкин сон») в исполнении заслуженной артистки России Ирины ГОЛОВАНОВОЙ.

«Самая яркая главная мужская роль сезона» – Князь К. («Дядюшкин сон») в исполнении заслуженного артиста России Николая КОНШИНА.

«Самая яркая женская роль второго плана» – этого приза удостоена Екатерина ШАОВА за роль Настасьи Петровны Зябловой в «Дядюшкином сне» и роль Маши в спектакле «всё по-другому теперь».

«Самая яркая мужская роль второго плана» – Террорист Олега КУЗЬМИЩЕВА в спектакле «Дура, это любовь!»

«Самый творческий ансамбль сезона» – Инна ФЛЕГАНТОВА и Вера ДУПЛИЙ в спектакле «Дура, это любовь!»

На снимках – сцены спектакля «Сон в летнюю ночь»

Фото: Сергей МУХАНОВ

Приглашаем на концерты, спектакли, экскурсии!

5.03 Ледовое шоу «Ледниковый период» (Смоленск) -2600 р.

6.03 Лайма Вайкуле (Смоленск)- 2000р.

9.03 Спектакль «Страсти роковыя…», экскурсия (Смоленск) -1100р.

9.03 Музыкальный спектакль для детей «Щелкунчик», экскурсия (Смоленск) -900 дет.,1100 р.взрослый

11.03 Севара (Смоленск)

29.03 В честь Международного Дня театра спектакль «Все по другому теперь», экскурсия по драмтеатру (Смоленск) -1100р.

Один раз в месяц поездка в торг.центр «Мэтро» (Смоленск)-550р.

Сцена, актеры, софиты, декорации, театральные костюмы. – всё это и есть ТЕАТР.

Гаснет свет. Открывается занавес. Зал замирает в ожидании предстоящего действа. На сцене зажигается свет. Появляются актеры.

И первое, что бросается в глаза, — это, конечно же, костюмы. Ни один спектакль не мыслим без театральных костюмов. Вначале зритель изучает актеров через их визуальный образ, через их одежду. Все мы помним русскую народную пословицу: «Встречают по одежке, а провожают по уму». Так и в театре. У зрителей должен сформироваться зрительный образ предстоящего действия. А как его сформировать? Ответ прост. При помощи театральных костюмов и декораций. Именно костюмы создают тот необычный колорит спектакля, его неповторимый образ. Ведь каждый спектакль имеет свои костюмы, костюмы, созданные именно для него.

Театральный костюм – это целая история.

Эскизы многих костюмов помогают актерам по-другому взглянуть на свою роль, а в некоторых случаях они кардинально меняют рисунок игры актера. Ведь костюм – это образ персонажа, переданный с помощью различных кусочков материи.

Процесс создания костюма очень трудоемкий и интересный. Сначала он придумывается художником по костюмам, а затем шьется. И прежде чем театральный костюм «заиграет», он должен пройти множество этапов: от идеи до её материального воплощения.

А теперь по порядку. Сначала в руки художника по костюмам попадает пьеса или сценарий предстоящего спектакля. Она внимательно прочитывается, в голове художника появляются какие-то наметки, соображения. Затем следует разговор с режиссером, который рассказывает о своем видении предстоящего спектакля, об образах героев… Режиссер дает главную концепцию спектакля (либо это современность, либо прошлое).

А теперь самое интересное. Непосредственная работа над костюмами. Слова творчество и художник по костюмам неразделимы, так как художник творит, он создает эскизы будущих костюмов. А процесс их создания настолько увлекателен, что художник может сделать десятки набросков одного и того же костюма, пока не увидит в нем полное воплощение собственной мысли.

Встретившись с Анастасией Шведовой, художником по костюмам нашего Смоленского драматического театра имени А.С. Грибоедова, я окунулась в сказочный мир эскизов. Эскизов настолько много, что глаза просто разбегаются. Хочется рассмотреть всё в деталях. Хочется увидеть всё и сразу. Одни эскизы представлены в цвете акварелью, другие же набросаны просто карандашом. Рядом с одними приколоты кусочки тканей, рядом с другими сделаны пометки…

Особенно впечатляющими были эскизы к спектаклю «Снегурочка» по одноименной пьесе Островского. Процесс работы над созданием этих эскизов был настолько захватывающим, что было придумано их огромное количество. Сам по себе спектакль малобюджетный, и денег на костюмы было выделено очень мало. Как рассказывают А. Шведова и О. Фастова, технолог швейного производства, при пошиве этих костюмов использовался весь подручный материал, вплоть до старого трикотажа и вещей из second hand. Все костюмы для данного спектакля были выполнены в одной концепции, была осуществлена стилизация под язычество. Поэтому и выбор тканей пал на лен и трикотаж. Практически к каждому костюму прилагался свой неповторимый головной убор. Режиссер спектакля хотел одеть героиню, игравшую роль Елены Прекрасной, в тунику. Однако А. Шведова не пошла на уступки, объяснив, что все костюмы объединены единой концепцией, нарушив которую, нарушится вся стройность образов. Кстати сказать, работа над созданием этих костюмов оставила неизгладимый след в душе и Анастасии Шведовой, и Ольги Фастовой.

Не менее интересной была и работа по созданию костюмов для спектакля «Герой». Как вспоминает О. Фастова, необходимо было придумать костюм сельской сумасшедшей. Это платье должно было быть нарядным, но в то же время и эстетично сниматься на сцене. Времени катастрофически не хватало, раздумывать было некогда. И что же делает О. Фастова? Она садится за швейную машинку и отдается собственному воображению и фантазии. Буквально не глядя, она настрачивает куски тканей и трикотажа друг на друга. И в итоге получается восхитительный костюм, который тонко передает душевное состояние данной героини. А секрет успеха – мысленное перевоплощение технолога в сельскую сумасшедшую.

После того как эскизы нарисованы, они обсуждаются с режиссером, художником-постановщиком и технологом.

Затем наступает стадия материальной реализации эскиза. Происходит подбор тканей. Однако и здесь есть свои «но».

Во-первых, не все ткани смотрятся выигрышно со сцены. Это не зависит от стоимости ткани. Бывают случаи, что хорошие дорогие ткани теряют свое великолепие, а простые дешевенькие ткани смотрятся настолько потрясающе, что от них нельзя оторвать взгляд. Так в нашем театре произошла достаточно курьезная ситуация с одним из платьев. В спектакле «Дневник женщины» все актеры выступали в костюмах светлых тонов, а главная героиня в черном. Однако на сцене всё обстояло совсем по-иному. Как только актриса появлялась на сцене и включалось освещение, платье неожиданно меняло цвет: черный бархат, из которого был пошит костюм, превращался в вишневый. Как ни старались поменять освещение, бархат смотрелся либо коричневым, либо вишневым, но никак не черным.

Во-вторых, необходимо помнить и про смету, так как в большинстве случаев создатели костюмов не могут позволить себе буквально любые ткани и аксессуары, ведь сметы, как правило, «поджимают».

А теперь давайте подробнее остановимся на обязанностях технолога швейного производства. В то время как художник по костюмам занят творческой концепцией костюма, технолог — ее практической реализацией. Его задачей является адаптировать эскизы, т. е. сконструировать костюм с учетом индивидуальных особенностей актера и наличия тканей. Этот процесс достаточно сложный, так как у актера, режиссера, художника по костюмам и технолога есть свои «нравится и не нравится». Цель данного специалиста — свести все эти предпочтения в одно целое.

Затем костюм переходит в финальную стадию. Следуют многочисленные примерки, подгонка костюмов под фигуры актеров и настоящая «борьба» за костюм, так как достаточно редко случается так, что актеру нравится костюм с первого взгляда.

По единодушному мнению А. Шведовой и О. Фастовой, интереснее всего работать над стилизованными костюмами, особенно историческими, ведь во время работы над ними используется максимум фантазии и творческой мысли. «Творчество – это когда хочется бежать на работу. А дома думаешь о том, что сделаешь завтра»,- говорит Ольга Фастова.

И, наконец, наш театральный костюм готов. И всё это благодаря стараниям художника по костюмам, технолога, швей…

Каждый костюм, как и человек, проживает свою жизнь. От эскиза и отреза ткани до неповторимого единственного в своем роде творения, способного нести необыкновенную радость зрителям и вдохновение актерам.

Календарь

Международный хореографический фестиваль с участием детских коллективов

12.00

ОГБУК Культурно-досуговый центр Губернский

Открытие IVМеждународного театрального фестиваля Смоленский ковчег

19.00

ОБУК Смоленский государственный драматический театр им. А.С. Грибоедова

Областной литературный праздник, посвященный Международному дню детской книги Знай классическую литературу

Литературно-музыкальный вечер, посвященный 200-летию писателя В.А. Вонлярлярского Русский Дюма

Торжественное закрытие Музейного марафона- Путешествие к познанию культуры Смоленщины

Открытие передвижной выставки С полей Бородинских до Елисейских полей (из фондов Бородинского музея-заповедника)

Источники: http://www.smol.kp.ru/daily/26212/3096876/, http://www.smolgazeta.ru/daylynews/16638-smolenskij-dramteatr-zakryl-234-j-sezon.html, http://ok.ru/group/54197503131667/topic/62419129174803, http://www.journalsmolensk.ru/06_106_09/19/19.PHP, http://kultura.admin-smolensk.ru/kalendar1/news_3459.html

» — архив 64 рукописных карандашных рисунков и рисунков гуашью пиратских костюмов, созданных для… Эрнста Стерна — 1938 — из редких книг и рукописей Voyager Press, ABAC

Лондон, 1938. Архив из 64 рукописных рисунков карандашом и рисунков гуашью пиратских костюмов, созданных для конкретных лондонских актеров Эрнстом Стерном, знаменитым дизайнером театральных костюмов и сценографии, специально для музыкальной пьесы с комедийной морской темой, созданной драматургом Вивьен Эллис под названием «Флот зажжен».«Это прекрасно выполненные работы художника BJ Simmons & Co. Ltd. по рисункам Эрнста Стерна, являющиеся рабочим портфолио костюмеров Стерна. Включает 31 рисунок карандашом с разным количеством цветов и аннотаций, сделанный на отдельных листах размером приблизительно 20 x 25 см, эта группа содержалась в архивном портфеле компании BJ Simmons & Co. Ltd., театральных костюмеров, изготовивших пиратские гардеробы для этой пьесы; и 33 очень больших акварельных картины, выполненных на листах размером приблизительно 41 x 25 см, и наклеена на зеленую художественную бумагу.Аннотации включают настоящие имена актеров и певцов, размеры для пошива костюмов и размеры обуви. Небольшие складки и периодические старения, в очень хорошем состоянии, прекрасно сохранившиеся оригинальные произведения театрального искусства. Вместе с оригинальной программой, с карандашными примечаниями к списку актеров, сделанных членом производственной группы, возможно, Стерном. 8vo. напечатано Stilwell, Derby & Co. Ltd. для лондонского ипподрома, где проходило представление, 16 страниц, включая всю рекламу, оригинальные иллюстрированные цветные обертки.Центр Гарри Рэнсома Техасского университета хранит обширный архив нарисованных вручную и раскрашенных эскизов костюмов от BJ Simmons & Co.Ltd., В котором представлены рукописные копии костюмов Эрнста Стерна и других, за все годы его работы с 1857–1964 гг. Некоторые оригинальные изображения Эсрнта Стерна хранятся в «Записках Дональда Вулфита», а также в Центре Гарри Рэнсома. Вулфит был британским шекспировским актером и театральным менеджером. Оригиналы Стерна чрезвычайно редки .. Рукопись.

Croquis: Fashion Sketches, Part II

Лиша Видлер

Примечание. Эта статья была впервые опубликована на сайте Your Wizard Unlock’d . С тех пор он был пересмотрен. Все изображения можно увеличить, нажав.

~~ * ~~

Вы когда-нибудь хотели нарисовать свои собственные модные эскизы? В этой статье, состоящей из двух частей, мы изучаем основы приготовления Croquis . Ранее мы рассмотрели, как пропорционально пропорции вашей модели, используя концепцию 8 голов, как поставить фигуру, добавить реалистичные черты лица и как нарисовать руки и ноги.Теперь давайте узнаем, как рисовать волосы (в том числе кудри и косы), как использовать тени и блики, чтобы добавить глубины рисунку, как рисовать ткань и добавлять цвета. Наконец, вы можете собрать все, что вы узнали, и создать модный набросок, которым вы гордитесь!

Добавление деталей: волосы
Волосы важны, потому что, во-первых, они есть почти у всех, а также потому, что они обрамляют лицо и добавляют размер вашей модели. Имейте в виду, что волосы всегда выше макушки, если они не гладкие.

Набросайте набросок того, как вы хотите уложить волосы, будь то короткие и дерзкие, длинные и элегантные, строгий пучок или игривые косы. Если ваша модель поставлена ​​динамично, вы можете позволить ее волосам двигаться, как если бы она была в движении. Однако, если она просто стоит там, волосы могут выпадать прямо. Помните о гравитации: если ваша модель наклоняется в сторону, ее волосы упадут на землю.

Несмотря на то, что волосы состоят из тысяч отдельных прядей, вы не видите их на расстоянии.Вместо этого вы видите массу цвета и формы. Вот что ты должен нарисовать. Помните, что края будут выглядеть более реалистично, если они будут неровными и тонкими, а не сплошными линиями.

Волосы: сплошная масса

Добавьте свет и тени, чтобы придать волосам трехмерность, но не переусердствуйте. Это набросок, а не подробный портрет. Мели будут появляться там, где свет падает на волосы, изгибаясь по форме головы, касаясь краев локонов или косичек. Тени будут наиболее темными вдоль кожи головы, там, где волосы загибаются сами по себе и где волосы исчезают в хвосте или косе.

Набросок ниже был выполнен в оттенках серого, чтобы вы могли видеть светлые и темные области, не отвлекаясь на цвет. Обратите внимание на легкость этой части (где видна кожа головы) и на то, как волосы становятся темнее по мере того, как они отклоняются от света.

Волосы: мелирование и тени

При рисовании прически, например булочки или французского твиста, используйте тени и блики, чтобы придать форму голове. Там, где волосы собираются, будет тень. Попробуйте добавить прядки волос перед ушами, на висках и у области декольте.Помните, что линия роста волос не должна быть прямой, а следует использовать мягкие неровные линии.

Французский твист

Локоны
Рисуя вьющиеся волосы, не пытайтесь прорисовывать каждый локон по отдельности. Это гарантированно сведет вас с ума! Обрисуйте основную часть волос, затем создайте впечатление завитков, добавив деталей на концах волос и прядей вокруг лица и шеи. Или вы можете нарисовать локоны в качестве верхнего слоя с затемненными участками, чтобы под ними было больше волос.

Вьющиеся волосы

Чтобы нарисовать отдельные завитки или локоны, представьте ленту, обернутую вокруг соломки или карандаша.

1. Нарисуйте две параллельные диагональные линии.
2. Нарисуйте короткие линии, чтобы соединить концы, создавая параллелограмм.
3. Нарисуйте вторую ниже.
4. Соедините его сзади двумя линиями, наклоненными в противоположном направлении.

Кудряшки пошаговые

Когда вы приведете его в порядок, закруглите края и смягчите линии, чтобы он напоминал волосы. Добавьте тени к задним изгибам и краям, сужая тень для создания трехмерного эффекта.Добавьте блики по краям, куда может попадать свет.

Деталь: Колечки

Когда вы освоите основную форму локонов, вы можете крутить и изгибать их для более реалистичного эффекта. Сила тяжести притягивает кудри, заставляя их удлиняться и вытягиваться. Любой локон, который касается чего-либо (например, другого локона или плеча), будет изгибаться или изгибаться.

Колечки Тома Тирни ~ Dover Publication, © 2004

Учет всего этого поможет вам создать реалистично выглядящие локоны и локоны.

Косы
Косы поначалу могут показаться сложными, но как только вы овладеете ими, их довольно легко нарисовать.

1. Нарисуйте ряд изогнутых выемок. Это один край косы. Зеркально отразите те же формы на другой стороне косы, но сдвиньте их на половину надреза, чтобы они не совпадали.
2. Добавьте слегка изогнутую диагональную линию к концу каждой выемки слева.
3. Добавьте еще одну слегка изогнутую линию под углом к ​​первой, соединив первую линию с противоположной выемкой косы.Это дает вам основной контур косы.
4. Добавьте намек на волосы, а также тени и блики.

Этапы рисования кос

При добавлении глубины полезно представить косу в виде трех скрученных вместе прядей веревки. Создайте тень на краях, где веревка пересекается, и добавьте блики к частям, которые изгибаются наружу.

Трехмерная тесьма

Если вы заплетаете модели длинные косы, помните, что волосы мягкие и гибкие.Позвольте косичкам хотя бы немного скользить по форме тела, чтобы добавить реализма. То же самое и с длинными волосами — они будут изгибаться там, где они касаются тела, поэтому позвольте волосам изгибаться там, где они должны. Добавьте тени и блики, чтобы поддержать иллюзию.

Деталь прически, «Британи» ~ © Лиза Видлер

Собираем все вместе
Теперь, когда вы освоили каждый шаг, пришло время собрать все вместе для создания полноценной основы из крокуса, то есть обнаженной фигуры, которую вы позже сможете одеть.

Набросайте фигурку фигурки в технике рисования. Не забывайте соблюдать точные пропорции. Добавьте фигуре плоти, затем начните добавлять детали: волосы, черты лица, руки и ноги. Если вас беспокоит идея обнаженной модели, добавьте однотонный купальный костюм. Не забывайте рисовать легко, пока ваша фигура не будет завершена и вы не будете уверены, что она вам понравится. Когда вы будете удовлетворены, продолжайте рисовать линии твердым карандашом или ручкой. Сотрите все следы эскиза, которые вы не хотите оставлять, но имейте в виду, что некоторые неровности придают рисунку более художественный вид.

Готовая база — это то, что вы будете использовать, чтобы создать свой последний кроки. Не беспокойтесь о его раскраске. Это будет позже, когда вы добавите одежду.

Готовая база

Одежда
Когда у вас есть базовая фигура, вы можете приступить к ее одеванию. Не рисуйте прямо на исходной основе, а возьмите лист кальки или тонкую бумагу для рисования и положите его на фигуру. Вы нарисуете свою одежду на бумаге, и когда будете удовлетворены, можете добавить тело или объединить их в новый рисунок.Для этого пригодится световой короб, но вы также можете прикрепить свои рисунки к стеклянному окну в солнечный день. Солнечный свет будет освещать рисунок сзади, позволяя легко проследить изображение.

Одевая фигуру, помните, что одежда не облегает тело. Практически вся одежда имеет легкость, что позволяет ей удобно сидеть. Если вы не натягиваете корсет или гидрокостюм, позвольте вашей одежде скользить по фигуре и морщиться там, где это необходимо.

Помните о перспективе.Подол должен быть не прямым, а изогнутым. Добавляя карманы, воротники, ремни или лямки, обязательно придавайте им трехмерный вид, слегка выступая по краям.

Что можно и что нельзя делать с одеждой

Ткань
Ткань может показаться трудной для рисования, но если ее сломать, это будет просто форма со светом и тенями, как и любая другая. Поначалу делайте это просто, пока ваша уверенность не возрастет.

Добавьте линии напряжения везде, где тело касается ткани.Чем больше объем одежды, тем больше складок и складок необходимо для того, чтобы она выглядела реалистично. Прямая юбка будет иметь несколько мелких складок, а полная юбка потребует множества складок. Придайте им немного глубины, и ваша одежда быстро станет реалистичной.

Юбки различной полноты

Чтобы попрактиковаться в рисовании ткани, возьмите кухонное полотенце и положите его на стол. Затем защипните один край, чтобы образовалась складка. Нарисуйте, как это выглядит, уделяя особое внимание изгибам.Добавьте еще складок на полотенце и продолжайте рисовать. Также попробуйте повесить полотенце, чтобы посмотреть, как оно выглядит, когда ткань драпируется.

Драпированная ткань

А как насчет полос и узоров? Сохраняйте их предельно простыми, особенно поначалу. Любой узор будет нарушен складками ткани. Вычислите, где бы были полосы, если бы ткань была плоской, а затем разорвите их, чтобы уравновесить рябь на ткани.

Ткань в полоску

Не переусердствуйте с драпировкой.Небольшое количество складок поможет. Добавьте ровно столько, чтобы ткань выглядела реалистично.

Добавление деталей: затенение
Чтобы добавить реалистичности вашему рисунку, вам понадобятся тени и блики. Сначала выберите направление, откуда должен исходить свет. Там, где свет попадает на тело, кожа будет намного светлее. Противоположная сторона будет темнее, но также будет отраженный свет, добавляющий небольшие блики. Все, что блокирует свет, вызовет отбрасывание тени.

Сфера и цилиндр

Как это связано с вашим рисунком? Добавьте более темные тени на нижней стороне конечностей, которые обращены в сторону от света, и добавьте блики в местах, где свет касается кожи.Добавьте тени, отбрасываемые одеждой, например, вдоль верхней части ног под юбкой. Тщательно заштрихуйте кожу, и она будет больше похожа на рисунок фигуры. Вы можете выбрать, будут ли края обведены контуром или нет, но имейте в виду, что чем темнее контур, тем более фальшивым будет изображение.

Примеры штриховки

Пример отбрасывания тени

Вы также можете добавить тени и блики к своей одежде. Определите, откуда исходит источник света.По мере того как ткань изгибается вокруг тела, на ней появляются тени, а на стороне, ближайшей к свету, будут светиться. Складки на ткани будут иметь темные тени, а выступающие области будут отражать свет.

Затененная одежда

Цвет
Раскрашивать кроки необязательно, но если вам нужен полноцветный дизайн, вы можете выбрать один из нескольких вариантов: цветные карандаши, акварельные карандаши, акварельные краски и цифровая обработка.

Цветные карандаши самые простые, но они не всегда придают изысканный и изысканный вид.Используйте их для более непринужденного рисунка. Они легко доступны в магазинах для рукоделия и искусства и стоят недорого. Избегайте карандашей студенческого уровня, таких как Crayola или RoseArt, если вы только не практикуетесь. Существует огромная разница в качестве между оценкой художника и студента, и эта разница проявится в вашей работе. Попробуйте такие бренды, как Prismacolor, Derwent и Faber-Castel. Они дороже, но в конечном итоге стоят каждой копейки.

Акварельные карандаши и цветные карандаши

Для получения ровного тона цветных карандашей держите их острыми и рисуйте мелкими плавными мазками.Используйте бесцветный блендер, чтобы растворить воск и получить сплошные цветные участки. Доступен бесцветный карандаш для смешивания, или вы можете купить ручку для смешивания, которая химически растворяет воск. Я добился хороших результатов от обоих, хотя кажется, что карандаш прослужит дольше.

Пример эскиза цветным карандашом

Акварель — беспорядочный вариант, но может выглядеть потрясающе, если все сделано хорошо. Краска бывает в маленьких лепешках, например, в детском саду, или в тюбиках, которые выдавливаются наружу.Добавьте воды, чтобы разбавить краску, и нанесите кистью. Всегда покупайте самые лучшие кисти, которые вы можете себе позволить. Дешевые щетки не прослужат долго и могут вызвать проблемы. Некоторые проливают волосы на вашу картину!

Хороший компромисс — акварельные карандаши. Это карандаши с водорастворимым грифелем. Вы можете окунуть их в воду и нарисовать, чтобы получился густой, размытый вид, или вы можете раскрасить свою картину, а затем нанести воду с помощью кисти, чтобы растворить пигмент и создать картину, которая очень похожа на стандартную акварель.

Пример наброска акварельным карандашом

Вы также можете добавить цвет в цифровом виде с помощью такой программы, как Window’s Paint, Photoshop или Paint Shop Pro. Я использую Photoshop Elements для большинства своих цифровых работ.

Вы можете использовать мышь или сенсорную панель ноутбука, чтобы рисовать на компьютере, но это будет сложно и займет много времени. Лучшее решение — цифровой планшет. Вы рисуете на поверхности планшета стилусом, который транслирует ваши движения на экран. Цифровые планшеты для профессионалов могут быть довольно дорогими, но вам не нужна модная модель.Планшет начального уровня можно купить менее чем за 100 долларов, и он станет хорошим вложением, если вы планируете много рисовать.

Цифровые изображения обладают собственным стилем. Великий художник может сделать их такими же реальными, как если бы они рисовали акварелью или цветными карандашами, но для этого требуются колоссальные навыки, качественная программа рисования и глубокие знания того, как она работает.

Одно из преимуществ цифрового рисования перед более традиционными методами заключается в том, что вы можете добавлять текстуры и специальные эффекты.Это может быть полезно при рендеринге ткани.

Пример цифровых эскизов

Поиграйте с цветом и техникой, создавая собственный стиль. Вы можете выбрать ограниченную палитру со смелым четким рисунком или приглушенный набросок с яркими всплесками цвета или что-то среднее. Попробуйте наполнить рисунок чем-то уникальным, каким-то элементом, который идентифицирует стиль как ваш и только ваш. Например, бумажные куклы Тома Тирни всегда идентифицируются как принадлежащие ему.Он наделяет их неповторимым, утонченным стилем, который не вызывает сомнений.

Удачи! Регулярно тренируйтесь, и вскоре вы будете создавать модные эскизы, которыми можно будет гордиться.

Модный эскиз

Примечание: Для получения более подробных руководств по рисованию посетите нашу учетную запись deviantART.

Рекомендуемая литература

( Yes)

~~ * ~~

Вы нарисовали собственные модные эскизы? Есть ли у вас какие-нибудь советы?

театральных постановок | театр | Britannica

История

По сравнению с историей западного театра, история сценического оформления коротка. В то время как золотой век греческого театра наступил более двух тысячелетий назад, интенсивное использование декораций в театре началось только после 1600 года, и должность художника-декоратора — человека, ответственного за внешний вид и функции декораций и собственности. элементы театральной постановки — не стали общепринятой производственной позицией до середины 1920-х годов.Роберт Эдмонд Джонс, как правило, считается одним из первых художников-декораторов, создавших в 1915 году постановку «Человек, женившийся на немой жене» .

Термин декорации может включать в себя любой визуальный элемент, не являющийся костюмом, используемый для поддержки постановки. Однако в контексте этой статьи он будет определяться как любой непостоянный двух- или трехмерный фон или элемент окружающей среды, который помещается на сцену, чтобы указать на исторический период, место действия и настроение разыгрываемой пьесы.В то время как свойства — например, набор опор (диваны, стулья, драпировки и т. Д.) И ручные опоры (любые предметы, не относящиеся к костюмам, с которыми работают актеры, такие как стеклянная посуда, столовые приборы или книги) — делают то же самое, они, как правило, не считаются подходящими. быть декорациями.

До начала 1600-х годов в западных театрах использовалось очень мало декораций. В то время как греческие и римские пьесы исполнялись на открытом воздухе в сложных и внушительных структурах, существует мало физических свидетельств того, что декорации, как определено выше, использовались на этих сценах.Средневековая европейская драма использовала стандартизированные сценические элементы, называемые «особняками» (изображения рая, ада, Эдемского сада и т. Д.), Чтобы изобразить различные места, необходимые в литургической драме, составлявшей большую часть пьес того времени. Особняки часто устанавливались в нефе церкви, на платформе перед церковью или на городской площади. Они также использовались в сочетании с фургонами для театрализованных представлений, которые обычно содержали от одного до трех особняков, перемещались с места на место и располагались так, чтобы создать соответствующую обстановку.