На протяжении всей жизни Е.М. Магарил работала школьным учителем рисования, находя и в этой профессии источник для своего вдохновения. Сохранилась серия ее довоенных рисунков, выполненных цветными карандашами, на которых изображены школьники за партами во время уроков. Несмотря на схематичность карандашного рисунка, ее легкая штриховка метко передала индивидуальности учеников, динамику их поз, перенося зрителя в атмосферу художественного класса ленинградской школы.

С начала войны и до августа 1942 года Евгения Магарил оставалась в Ленинграде, продолжая преподавать и во время блокады. Затем она жила в эвакуации в Алтайском крае, работала учителем в городе Бийск. Блокадные работы художницы поражают яркостью красок, их обилием и насыщенностью, контрастом с бесцветной и безрадостной действительностью. Мир, созданный в рисунках Е. Магарил того периода, наполнен жизнью, его не коснулись внешние печальные обстоятельства. Цвет здесь имеет сильное эмоциональное воздействие, ассоциируясь с жизнью и приближая иную, более радостную реальность, помогая выжить в тяжелейшее время. Работы этого периода: «Очередь за хлебом», «Блокадный хлеб», «На улице» и др. Даже попав в больницу весной 1942 года, художница продолжает создавать яркие красочные рисунки, выполненные цветными карандашами («Медсестра у больной», «В стационаре», «Читающая»).  

Камерны и наполнены глубоко личными сюжетами ее наблюдения за работающим мужем-художником, которого она день за днем изображает, словно ведет дневник, пытаясь запомнить последние месяцы вместе (вскоре он погиб на фронте): «Художник работает», «За рисованием». Пожалуй, только в автопортретах видно, что стоит за жизнерадостностью и сочностью блокадных работ Магарил: лицо голодающей женщины становится все напряженнее, черты заостряются, краски блекнут.  Но отсутствие ярких цветов в рисунках Магарил связано и с тем, что у художницы попросту не осталось красок и карандашей. Некоторые работы были выполнены ламповой копотью и сажей («Автопортрет», 1941). Многие ее работы блокадного периода впервые увидели свет в 1984 году на выставке «В час мужества» в Русском музее.

Во время долгой эвакуации на Алтае Е. Магарил продолжала творить, делая зарисовки эвакуированных жителей Ленинграда. В Бийске она рисовала много бытовых сцен: уборка урожая, отдых раненых у госпиталя, зимние пейзажи реки Бии и самого города. В 1945 году она вернулась в Ленинград, где до 1951 года преподавала в Ленинградском художественном училище. В 1952 году была исключена из членов Союза художников за «несоответствие требованиям метода социалистического реализма». В этот период Е.М. Магарил не перестала заниматься живописью, освоила технику цветной литографии, привнося в нее особую живописно-экспрессивную ноту. В последние десятилетия ее любимым жанром стал акварельный портрет. Цель многочисленных работ этого периода — передать не столько внешний облик моделей, сколько их внутреннее содержание, особенности характера, их индивидуальность: («Портрет художника Кедрина», «Портрет Загянской», «Портрет бородатого художника», «Юная пианистка»).

В 1966 году было восстановлено членство Евгении Магарил в Союзе художников, в 1974-м и 1984 годах в Ленинграде прошли ее персональные выставки. Однако, она до сих пор остается неизвестна широкой публике, многие ее работы никогда не выставлялись.

Умерла Евгения Марковна в 1987 году в Ленинграде.

ТОП-15 модных брендов, поддерживающих художников • ARTANDHOUSES

Поддержкой искусства в разной мере сегодня занимаются практически все крупнейшие модные и ювелирные марки. Одни приглашают художников для разовых коллабораций — создать принты для коллекций или украсить пространство бутика инсталляцией, другие раздают гранты и дают доступ к историческому наследию и мастерским. В преддверии нового выставочного и премиального сезона ARTANDHOUSES вспоминает самые крупные инициативы знаменитых брендов, направленные на поддержку художников.

Hermès

www.fondationdentreprisehermes.org

Фонд французского дома Hermès — парижский Fondation d’entreprise Hermès — активно поддерживает творческие инициативы сразу по нескольким направлениям. Он спонсирует выставки и перформансы, вручает премии в области искусства, дизайна и фотографии, а также организует арт-резиденции.

Выставки современных художников проходят в шести галереях Фонда по всему миру — в La Verrière и во временном арт-пространстве на площади Гран-пляс в Брюсселе, Atelier Hermès в Сеуле, Aloft at Hermès в Сингапуре, Le Forum в Токио, а также в Художественном музее Saint-Louis в Сен-Луи-ле-Бич на северо-востоке Франции.

Кроме того, молодые художники приглашаются в арт-резиденции при мануфактурах Hermès — стекольной, кожевенной, текстильной. Участников отбирают известные мастера — менторы программы. Молодые художники изучают производственный процесс, а затем создают собственные арт-объекты.

Ежегодно в рамках международной конкурсной программы

Раз в два года Fondation d’entreprise Hermès вручает международную награду для молодых дизайнеров — Prix Émile Hermès. Фонд также поддерживает премию Prix Marcel Duchamp для французских художников и иностранных мастеров, работающих во Франции, премию

Бьянка Аржимон, участница арт-резиденции Holding Textile Hermès (Лион, Франция)
Фото: Tadzio
© Fondation d’entreprise Hermès

Перформанс в рамках программы Fondation d’Entreprise Hermès «New Settings №7”
2017
© James Kerwin

Cartier

www.fondationcartier.com

Фонд современного искусства легендарного ювелирного и часового бренда Cartier в Париже стал первой культурной институцией во Франции, основанной компанией. Арт-центр был открыт в 1984 году и задумывался как площадка для экспериментов. Спонсируя создание произведений искусства и выставок, Фонд стремится открыть публике новые имена, а также неожиданные стороны известных художников.

В 1994 году Fondation Cartier переехал в новое стеклянное здание, спроектированное знаменитым французским архитектором Жаном Нувелем. При этом из-за меньшего пространства пришлось пожертвовать программой арт-резиденций, зато количество заказанных художникам проектов возросло. Среди тех, кого французской и европейской публике когда-то представил именно Фонд Cartier, японский художник Такаси Мураками, французский дизайнер Филипп Старк, американский гений видео-арта Билл Виола и многие другие. Всего в коллекции Фонда — более тысячи произведений искусства, которые когда-то создавались специально для пространства арт-центра.

Fondation Cartier также привлекает художников к серии мероприятий Nomadic Nights — это могут быть дискуссии на культурные и социальные темы, перформансы, концерты и показы фильмов.

Здание Fondation Cartier в Париже
Фото: © Patrick Gries

Малик Сидибе
«Nuit de Noël»
1963
 Fondation Cartier pour L’Art Contemporain, Париж
© Malick Sidibé
Работа будет представлена на выставке «Malick Sidibé, Mali Twist» в Fondation Cartier, октябрь 2017 — февраль 2018

group.hugoboss.com/en/group/sponsoring/art-sponsoring/hugo-boss-prize,  group.hugoboss.com/en/group/sponsoring/art-sponsoring/hugo-boss-asia-art-award

Hugo Boss первым среди брендов запустил собственную премию для художников. С 1996 года немецкий модный дом вручает одну из самых влиятельных наград по современному искусству Hugo Boss Prize совместно с Фондом Соломона Гуггенхайма. Победитель определяется раз в два года на основе решения экспертного жюри из художественных критиков и кураторов из разных стран. Организаторы не ищут будущих арт-звезд, они отмечают заслуги тех, кто уже достиг успехов в мире современного искусства. При этом премия не устанавливает ограничений в плане возраста, пола, национальности художника. Победитель получает грант в размере $100 тыс., а также возможность проведения персональной выставки в Музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Среди обладателей награды такие мастера, как американец Мэтью Барни, художник тайского происхождения Риркрит Тиравания, француз Пьер Юиг, палестинка Эмили Джасир, немец Ханс-Петер Фельдман и вьетнамец Дан Во. В 2016-м Hugo Boss Prize получила кореянка Аника Йи, известная своими работами с обонянием и тактильностью.

В 2013 году бренд запустил специальную премию для художников из Китая и Юго-Восточной Азии — Hugo Boss Asia Art. Она, подобно Hugo Boss Prize, вручается в сотрудничестве с музеем раз в два года. Однако, в отличие от «старшей», азиатская премия создана для поддержки начинающих талантов. Работы четырех финалистов премии показывают на групповой выставке в Rockbund Art Museum в Шанхае, который является партнером премии.

Инсталляция победительницы Hugo Boss Prize 2016 Аники Йи
Фото: David Heald
© Solomon R. Guggenheim Foundation

Max Mara

www.collezionemaramotti.org

Итальянский модный бренд вручает награду Max Mara Art Prize for Women раз в два года совместно с Whitechapel Gallery в Лондоне. Запущенная в 2005 году премия создана для начинающих художниц, работающих в Великобритании. Победительница определяется решением жюри, которое состоит из арт-критика, куратора, галериста и коллекционера. Во время конкурсного отбора пять финалисток представляют экспертам свои предложения по проектам, которые они хотели бы осуществить за время шестимесячной арт-резиденции в Италии.

Итоговую работу победительницы сначала показывают в Whitechapel, а после приобретают для Collezione Maramotti, арт-пространства бренда в итальянском городке Реджо-Эмилия. Раньше в нем находился головной офис Max Mara, а сегодня можно увидеть художественную коллекцию, собранную основателем бренда Акилле Марамотти. Она насчитывает несколько сотен работ итальянских и иностранных художников, созданных после 1945 года. Среди мастеров, представленных в коллекции, — Жан-Мишель Баския, Альберто Бурри, Лючо Фонтана, Пьеро Мандзони, Билл Виола и другие. Арт-центр также сотрудничает с современными художниками, которые создают для пространства арт-объекты и перформансы. Так, например, в 2013 году здесь проходила выставка российского художника Евгения Антуфьева.

Победительница премии Max Mara Art Prize for Women 2016 Эмма Харт за работой
Фото: Andrea Piffari
Предоставлено Collezione Maramotti

Победительница премии Max Mara Art Prize for Women 2016 Эмма Харт
Фото: Thierry Bal

Bulgari

www.maxxi.art/en/events/maxxi-bulgari-prize/

Одна из крупнейших ювелирных компаний мира — итальянская Bulgari с 2012 года ежегодно вручает премию Bulgari Art Award современному живописцу из Австралии. Бренд выделяет $50 тыс. на приобретение работы художника для музея-партнера — Художественной галереи Нового Южного Уэльса в Сиднее. Кроме этого, $30 тыс. предоставляются победителю в качестве гранта на его участие в арт-резиденции в Италии.

В 2017 году Bulgari также запустила совместную премию с Национальным музеем искусств MAXXI в Риме. Кандидатами на ее получение могут стать молодые художники, которые за последние два года представляли свои проекты в Италии. Планируется, что трех финалистов объявят в октябре 2017 года во время арт-ярмарки Frieze в Лондоне, а в мае следующего года их работы покажут на выставке в MAXXI. Имя победителя, работу которого приобретут для музея, станет известно в октябре 2018 года. В жюри премии входят представители MAXXI, а также арт-директора и кураторы из разных стран.

Томислав Николич
«Just before the most significant events, people are particularly prone to deny the possibilities of the future / cause all we’re doing is learning how to die / Как раз перед самыми значительными событиями люди особенно склонны отвергать возможности будущего, потому что всё, что мы делаем, это учимся умирать»
2014–2017

Ильдико Ковакс
«Onda»
2015
Фото: Stephen Oxenbury

Furla

www.fondazionefurla.org

В 2017 году итальянский бренд аксессуаров Furla представил новую концепцию сотрудничества с миром искусства, за которую теперь отвечает независимый арт-центр Peep-Hole в Милане. Его философия и миссия в том, чтобы максимально раскрыть творчество художника через интенсивную образовательную программу. Подобного подхода основатели Peep-Hole придерживаются в партнерстве с Furla.

В основе новой арт-концепции бренда — циклы тематических мероприятий Furla Series, которые включают выставки, перформансы и лекции в сотрудничестве с ведущими итальянскими культурными организациями. Премьера состоится в сентябре 2017 года в Музее современного искусства Новеченто в Милане, где до апреля 2018 будут показывать творчество пяти авторов из разных стран.

C 2000 по 2015 год бренд вручал премию Furla Award перспективным итальянским художникам. Победитель определялся решением итальянского и международного жюри путем многоступенчатого отбора. От Fondazione Furla он получал финансовый грант на создание работы, которая затем выставлялась в Галерее Кверини Стампалья во время Венецианской биеннале.

Работы Луки Тревисани, победителя Furla Award 2007, представленные на выставке «Growing Roots» к 15-летию премии
Палаццо Реале, Милан

Работа, представленная на выставке Джимми Дерэма «Венеция: вещи, работа и туризм» в музее Фонда Кверини Стампалья, Венеция
2015
При поддержке Fondazione Furla

 Trussardi

www.fondazionenicolatrussardi.com

Fondazione Nicola Trussardi в Милане работает над продвижением современного искусства с 1996 года. При нем нет музея или коллекции, это, по словам известного куратора Ханса Ульриха Обриста, организация-кочевник, которая в сотрудничестве с известными художниками переосмысляет и по-новому открывает для зрителя общественные пространства — памятники, когда-то значимые, но теперь забытые здания, а также почти недоступные, но исторически важные места. Так, благодаря Фонду было отреставрировано несколько миланских палаццо, для которых затем создавали работы современные мастера.

Среди художников, с которыми сотрудничал Фонд, – Сара Лукас, Маурицио Каттелан, Майкл Элмгрин и Ингар Драгсет, Урс Фишер, Питер Фишли и Дэвид Уайсс, Пол Маккарти и Тино Сегал. В 2015 году при поддержке Фонда и его партнеров американо-венгерская художница Агнеш Денеш, известная своими работами на экологические темы, засеяла в центре Милана пять гектаров пшеницы на месте будущего городского парка.

С 2002 года арт-директором фонда является Массимилиано Джони. В 2013 году он стал самым молодым куратором Венецианской биеннале, а совсем недавно выступал куратором ретроспективы Рэймонда Петтибона «Облако ложного прочтения» в Музее современного искусства «Гараж» в Москве.

Работа бельгийского художника Франсиса Алиса «Не переходите мост до тех пор, пока не достигнете реки» на выставке «Неустанная земля» в Fondazione Nicola Trussardi в Милане
20 – 28 августа 2017 года

Benetton

www.fabrica.it

В 1994 году сооснователь итальянского бренда одежды United Colors of Benetton Лучано Бенеттон и фотограф Оливьеро Тоскани открыли в предместьях города Тревизо исследовательский коммуникационный центр Fabrica. В качестве директора они хотели пригласить Фиделя Кастро, но кубинский лидер от предложения отказался.

Fabrica — это своего рода креативная лаборатория; на отреставрированной вилле XVII века собираются и творят молодые таланты со всего мира. В течение года сорок участников в возрасте до двадцати пяти лет слушают лекции, посещают мастер-классы, а также работают над собственными проектами. В программе центра три основных линии: дизайн, редакторская работа и социальные кампании. Поэтому проекты участников связаны с визуальными коммуникациями, фотографией, видео, музыкой и журналистикой.

Стипендиаты Fabrica разрабатывали социальные арт-кампании для многих международных организаций, таких как ООН и ЮНИСЕФ. Кинематографические проекты участников также становились призерами самых известных фестивалей и премий, среди которых Каннский и Венецианский кинофестивали, премии «Оскар» и «Golden Globes», а также международный фестиваль креатива «Каннские львы». В 2016 году проект команды Fabrica «Узнавание» («Recognition») получил премию IK Prize от галереи Tate в Лондоне за лучшую digital-инновацию в сфере культуры.

Центр Fabrica в предместье Тревизо
Фото: Francesco Radino

Библиотека центра Fabrica
Фото: Fabrica

Ermenegildo Zegna

www.zegnart.com, www.fondazionezegna.org

Бренд мужской одежды поддерживает искусство на двух уровнях — в рамках арт-платформы компании ZegnArt и Фонда Zegna.

ZegnArt состоит из нескольких инициатив: Public, Art in Global Stores и Special Projects. Благодаря программе Public поддержку получают художники на развивающихся рынках — опытному мастеру заказывают создание паблик-арт объекта совместно с местной культурной институцией, а начинающий автор принимает участие в четырехмесячной арт-резиденции в Италии.

В рамках программы Art in Global Stores художники создают работы для бутиков бренда по всему миру. Например, в 2016 году в лондонском магазине были представлены гобелены южноафриканского художника Уильяма Кентриджа. Для вдохновения он использовал исторические учетные книги семьи Дзенья, которая владеет брендом уже в четвертом поколении. Третье направление ZengArt — специальные проекты в партнерстве с культурными организациями со всего мира.

Фонд Zegna, основанный в 2000 году, проводит выставки и резиденции для художников (в рамках партнерских премий) в культурном центре Casa Zegna в итальянском городке Тривьеро. История здания восходит к 1930-м годам, когда в нем жила семья Дзенья. Кроме того, Фонд реализует паблик-арт программу All’Aperto, приглашая международных художников создавать работы для Тривьеро.

Инсталляция Лилианы Моро «29,88 SQ KM», созданная в рамках программы All’Aperto Фонда Zegna
Фото: Marco Cappelletti DSL Studio

LVMH/Louis Vuitton

www.lvmh.com,  www.fondationlouisvuitton.fr

Помимо организации выставок в собственном музее — парижском Foundation Louis Vuitton — и культурных пространствах при бутиках Louis Vuitton в Мюнхене, Венеции, Токио и Париже, компания также проводит арт-резиденции LVMH Metier d’Art для молодых художников в своих мастерских. Цель программы — создать диалог между художниками и ремесленниками, открыть первым секреты работы с материалами и вдохновить вторых на использование арт-приемов в работе.

Так, в 2016 году французский художник Томас Майландер изучал кожевенное производство на юге Франции, а в 2017 году в мастерскую недалеко от Барселоны отправилась скульптор и художник Амандин Гюрюсага.

Инсталляция китайского художника Хуана Юн Пина «Empires» на выставке Monumenta при поддержке LVMH
2016
© Adagp, Париж, 2016

Prada

www.fondazioneprada.org

Бизнес-партнеры по модному дому Prada, супруги Патрицио Бертелли и Миучча Прада — страстные коллекционеры. В 1993 году они создали Фонд Prada для поддержки современного искусства. Сегодня у организации три площадки — галерея в здании палаццо Ка’ Корнер делла Реджина в Венеции, арт-комплекс и пространство Osservatorio в Милане.

У Fondazione Prada активная выставочная и образовательная программа. Например, сейчас в миланском арт-комплексе показывают VR-инсталляцию Алехандро Иньярриту о миграции, в пространстве Osservatorio можно увидеть работы японского фотографа Сатоси Фудзивары, а в венецианском палаццо — многосоставной проект «Лодка протекает. Капитан лгал».

Выставочное пространство Fondazione Prada Osservatorio (выставка «Give me Yesterday»)
Фото: Delfino Sisto Legnani & Marco Cappelletti
Предоставлено Fondazione Prada

Loewe

www.craftprize.loewe.com

Креативный директор Loewe Джонатан Андерсон часто в своих интервью говорит о том, что искусство помогает люксовым брендам обрести характер и установить эмоциональную связь с аудиторией. Один из источников вдохновения для Андерсона — это творения художников-ремесленников.

История Loewe началась в середине XIX века с небольшого магазина при мастерской в Мадриде. Памятуя о своих корнях, в 2016 году бренд и его Loewe Foundation учредили премию для лучших ремесленников – Loewe Craft Prize. Призовой фонд награды составляет €50 тыс. При этом, в отличие от многих корпоративных премий, подать заявку на Loewe Craft Prize художники со всего мира могут самостоятельно. Арт-объекты, представляемые на суд международного жюри, должны соответствовать таким категориям, как прикладное искусство, ювелирное мастерство, мебельное производство, а также работа с различными материалами — металлом, текстилем и кожей.

В 2016 году победителем стал немецкий художник Эрнст Гамперль, работающий с деревом. Следующего обладателя награды объявят в мае 2018 года.

Победитель Loewe Craft Prize 2016 Эрнст Гамперль и члены жюри премии
© Loewe

Gucci

www.gucci.com/us/en/st/stories, www.guccimuseo.com

Марку отличает нестандартный подход к сотрудничеству с миром искусства: она привлекает молодые таланты к созданию капсульных коллекций, уличных граффити, а также к участию в digital арт-кампаниях. Такой неклассический формат патронажа открывает миру новые имена и часто играет определяющую роль в карьере молодых художников.

Так, в 2015 году по приглашению бренда художники, фотографы и иллюстраторы размещали в социальных сетях работы на основе принтов марки с хэштегом #GucciGram. Годом позже креаторы со всего мира размещали арт-видео в рамках онлайн-проекта #24HourAce, приуроченного к запуску новых кроссовок. В этом году, проводя кампанию, посвященную новой модели часов, бренд еще раз доказал, что с использованием технологий, да и с юмором у него всё в порядке. Художники создавали интернет-мемы на тему «TFWGucci» («That Feeling When Gucci» — «То чувство, когда Gucci…»), высмеивая культуру потребления и желание похвастаться.

Героев своих арт-коллабораций креативный директор Gucci Алессандро Микеле находит в социальных сетях. В 2016 году бренд выпускал капсульную коллекцию совместно с бруклинским граффистом Тревором «Trouble» Эндрю. Свои работы художник отмечал стилизованным двойным “G” и публиковал их в Instagram под псевдонимом GucciGhost, чем и привлек внимание дизайнера. Иллюстраторов Джейди Фиш и Анджелу Хикс Алессандро Микеле также заметил в социальных сетях. В 2017 году обе художницы участвовали в создании коллекций Gucci, а по мотивам их работ были созданы гигантские граффити «Gucci Art Wall» в Нью-Йорке и Милане.

В 2011 году марка с помпой открыла и Gucci Museo во Флоренции, где несколько лет показывает выставки о собственной истории, а также экспозиции современного искусства.

Иллюстратор Джейди Фиш на фоне Gucci Art Wall в Нью-Йорке

Tiffany & Co.

www.tiffany.com/jewelry/fall-magazine-arts-culture/explore

Американский ювелирный дом с 2017 года выступает спонсором биеннале Уитни в Нью-Йорке. Партнерство запланировано и на последующие две выставки — в 2019 и 2021 годах.

В рамках сотрудничества с брендом кураторы биеннале этого года отобрали пять молодых художников, которые создали арт-объекты после общения с мастерами Tiffany. Главным условием проекта было то, что художники сохранят полную творческую свободу и смогут проявить свою индивидуальность.

Результаты были представлены в витринах бутика Tiffany на 5-й авеню и в магазине Музея Уитни, а вырученные от продажи средства пошли на нужды музея. Некоторые из работ получились весьма неожиданными. Гарольд Мендес создал пять серебряных сосудов в виде посмертной маски доколумбовой эпохи, а Аджай Куриан — десять лимитированных визитных карточек из серебра.

Шара Хьюз, участница коллаборации с Tiffany в рамках биеннале Уитни 2017
Фото: Tiffany & Co.

Работа Рауля де Нивса для Tiffany в рамках партнерства бренда с биеннале Уитни
2017
Фото: Ricky Zehavi

Swarovski

www.swarovskifoundation.org

Созданный в 2013 году фонд ювелирного бренда ежегодно вручает премию Art Icon совместно с лондонской Whitechapel Gallery. Наградой отмечается художник, который, по мнению экспертного жюри, внес значительный вклад в развитие искусства. В честь победителя устраивается выставка его работ, а также прием Art Icon Event, на котором собираются несколько сотен представителей арт-сообщества.

Среди обладателей награды Swarovski Art Icon — колорист и график Говард Ходжкин, Ричард Лонг, работающий в жанре ленд-арта, перформанса и фотографии, мастер перформанса и видео-арта Джоан Джонас и живописец Питер Дойг.

Фонд Swarovski также сотрудничает с центром современного искусства Palais de Tokyo в Париже. Благодаря финансовой поддержке Фонда художники получают карт-бланш на интерпретацию центрального пространства этой институции.

Работа победителя премии Art Icon от Swarovski Foundation и галереи Whitechapel Ричарда Лонга
Без названия
2012
глиняные отпечатки на дереве
Фото: Steve Jackson

Ушел из жизни художник Евгений Голубцов

Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан прощается с художником Евгением Георгиевичем Голубцовым. Он ушел 4 октября 2021 года на 73-м году жизни.

Евгений Голубцов — один из самых известных современных художников Казани и Татарстана. Он окончил в 1968 году Казанское художественное училище, затем работал художником в Музее изобразительных искусств Татарстана. В 1974–1989-х бессменно принимал участие в деятельности центральной экспериментальной студии дизайна «Сенеж» в Москве под руководством Марка Коника. Член союза художников СССР с 1977 года. Успешно работал в области дизайна, художественного проектирования и оформления. В 1970-е годы под его руководством в Казани была организована группа дизайнеров «Студия 17», выполнявшая проекты и оформительские работы по всему Татарстану — на их счету оформление пивного бара «Бегемот», ресторана «Казань», Дома-музея Шишкина в Елабуге, клуба «Маяковский. Желтая Кофта». Много проектов было выполнено во всесоюзном масштабе – для Москвы, Баку и других городов страны. В 1977 году был принят в Союз художников СССР. 

С конца 1980-х Голубцов занимался станковой живописью. Значительный пласт творчества художника связан с Европой – на протяжении почти 20 лет художник работал в городах Голландии, Германии, проводя там многочисленные выставки. Он был лидером казанского искусства, вокруг которого всегда собиралась творческая молодежь и коллеги-художники. Многие из них, благодаря широкой и щедрой натуре Евгения Георгиевича, вместе с ним активно выставлялись в Европе.

ГМИИ РТ на определенном этапе также был связан с творческой деятельностью художника. В 1990-е годы состоялись две масштабные выставки русского, татарского и голландского искусства из коллекции ГМИИ РТ в Голландии, которые прошли в Амстердаме и Зютфене совместно с выставкой казанских художников «Искусство из Казани». Также группа художников (В. Нестеренко, А. Леухин, И. Артамонов) под руководством Евгения Голубцова неоднократко выступали дизайнерами новаторских выставок, проводимых музеем в 1990-2000-е годы.

Заслуженный деятель искусств РТ (2010), награжден медалью Академии художеств России «И. И. Шувалов, к 250-летию образования Академии художеств» (2010).

Произведения Голубцова находятся в Государственном музее изобразительных искусств Республики Татарстан, музее «Царицыно» (Москва), музее города Девентер (Голландия), частных собраниях Германии, Голландии, Швейцарии, России, США, Швейцарии.

Коллектив Государственного музея изобразительных искусств искренне и глубоко скорбит о безвременном уходе прекрасного Художника и Человека Евгения Георгиевича Голубцова.

Приносим искренние соболезнования родным и близким…

Художник Евгения Двоскина о коллективной памяти детства, книжках «вопреки» и детской литературе для взрослых.

Женя, твое детство было книжным?

Евгения Двоскина: Безусловно. Самое важное, что тогда существовало — книжки. Главное развлечение, главная игра, главное визуальное впечатление. Мне не досталось семейной библиотеки — старых книг, перешедших от бабушек. Это отдельная тема — книжное детство нашего поколения: что утонуло в пучине времени, а что до нас дотянулось. Скажем, у нас было много приключенческой литературы: Майн Рид, Жюль Верн… А вот Алиса, Питер Пэн — они стали героями для следующих поколений.

Твои любимые книги и их герои?

Евгения Двоскина: Их не было. Я просто погружалась в каждую книгу и проживала ее. Среди тех, что на меня повлияли: Свифт, «Робинзон Крузо» Даниэля Дефо, «Приключения Карика и Вали» Яна Ларри, «Таинственный остров» Жюля Верна. В детстве меня больше всего завораживало освоение мира и его переустройство под себя. Из повести Гайдара «Чук и Гек» я запомнила только одно: как они делают елочные игрушки из подручных предметов.

Какую роль в твоем детском чтении играли иллюстрации?

Евгения Двоскина: Это был мир хорошего — и ужасного. Я помню первое почти тактильное удовольствие от книжки Лебедева «Усатый-полосатый» — такой мохнатый котик! А некоторые картинки вызывали страх, раздражение. Хотелось быстро перевернуть страницу, чтобы их не видеть. Много лет спустя оказалось, что это дивные художники -— Конашевич, Маврина, Каневский. Поразительно, что многое из того, что любишь в детстве, никак не отзывается во взрослом возрасте, и наоборот. Детям нравятся рисунки, как бы сейчас сказали, «мимимишные» — ужасно милые, на грани пошлости, но не переходящие за эту грань. Таков, например, Лебедев, хотя и он — один из любимых моих художников. Или Владимирский, который проиллюстрировал все книги «Волшебника Изумрудного города», «Приключения Буратино»…

То есть, «страшные» книжные иллюстрации скорее ориентированы на взрослого читателя?

Евгения Двоскина: Это бесконечно запутанная ситуация в книжном мире. Взрослые художники рисуют для детей, но рисуют свое. Как это отзывается в ребенке — абсолютно не известно. В детстве не воспринимаешь даже весь рисунок целиком. В тебя западает какая-то часть, и ты сам себе воображаешь остальное. У художника непредсказуемое попадание. Поэтому одни пытаются подстроиться под вкус детей — или, может быть, действительно понимают его. Другие настаивают: ребенок должен расти на образцах серьезного искусства. Но как отзовется и то и другое, никто не знает.

А тебе в детстве хотелось заменить «плохие» иллюстрации «хорошими», нарисовать их самой?

Евгения Двоскина: Заменить — нет, как можно! Книга и ее иллюстрации — это одно цельное визуальное впечатление. Но у меня были книги без картинок. Например, двухтомник Марка Твена и в нем самое любимое — «Янки при дворе короля Артура». И еще огромный сборник Шекспировских пьес. Лет в 10 мне впервые пришла в голову мысль, что к ним можно нарисовать то, чего зрительно не хватало. Как только я поняла, что могу строить картинками параллельную историю, я начала рисовать или придумывать иллюстрации ко всему прочитанному. Не было ничего, что я, прочитав, не нарисовала бы — в воображении или реально. И на вопрос, кем я хочу быть, с тех пор отвечала: хочу быть художником, хочу рисовать книжки. Дальше это был вопрос времени. С 74-го года я рисовала в «Комсомольской правде» на страничке «Алого паруса» — это, в общем, то же самое. Рисование — это перевод слов в картинки.

Какой была твоя первая проиллюстрированная детская книга?

Евгения Двоскина: В 1982 году меня нашел один поэт с Алтая, Владимир Башунов, и попросил проиллюстрировать его книгу стихов «Деревенские тетрадки». Книга вышла в Барнауле. А дальше все пошло одно за другим: сборник Жуховицкого, еще книги по молодежной тематике. В основном я рисовала подростков.

Мы, дети «Алого паруса», видели и ощущали себя такими, как на картинках Жени Двоскиной, даже подражали твоим персонажам. Это была какая-то особая, созданная тобой эстетика целого поколения. Но сейчас ты рисуешь подростков по-другому…

Евгения Двоскина: Потому что они и есть другие. До сих пор, вот уже сорок лет, я считаюсь художником по подросткам, хотя и они изменились, и я изменилась, я их совсем не знаю.

Какие свои книги ты считаешь самыми удачными?

Евгения Двоскина: Книжка, с которой интересно работать, — это почти всегда книжка «вопреки». Есть признанный бренд, знаменитые иллюстрации великих художников, ты знаешь их с детства, и никаких других для тебя не существует. Когда мне предлагали иллюстрировать, например, Мюнхгаузена, моя первая реакция была: нет! где эти мэтры, а где я! Что я могу еще сказать? Но — в тот же момент начинаешь придумывать, возникают первые идеи… Таких «книг вопреки», которые я открываю с удовольствием, у меня не так много: «Мюнхгаузен», «Недопесок», «Дневник Фокса Микки» Саши Черного, С Самойловым было невероятно трудно — вписать в рисунок строки, а потому интересно.

Есть что-то, что тебе хочется проиллюстрировать в будущем?

Евгения Двоскина: Всегда были одна-две или несколько книжек, которые мне страстно хотелось рисовать. Обычно это не сбывалось по разным причинам. Ведь иллюстратор — лицо подневольное, он, как портной, шьет тот костюм, который ему заказывают. А потом это перегорало. Когда я пыталась за них браться через много лет, уже ничего не выходило. Так было с «Янки при дворе короля Артура», с «Серебряными коньками». В последнее время у меня нет таких острых желаний. Давно хочется сделать «Евгения Онегина» — как бы он смотрелся, если бы персонажи были нашими современниками, но тоже боюсь, что время прошло и перегорело. Каким-то образом это воплотилось в серии о Пушкине.

Сейчас в издательстве «Речь» выходит книга твоих рисунков под названием «А Саша выйдет?» в серии «Для тех, кто помнит» о знаковых моментах нашего детства. Эти картинки имели бешеный успех в социальных сетях, ты сделала несколько наборов открыток, которые моментально разошлись. А с чего все начиналось?

Евгения Двоскина: Я пыталась объяснить кому-то, как мы играли в «колечко». А мне всегда проще нарисовать, чем рассказать. Так появилась первая картинка, и я совсем не думала, что она превратится в серию. Потом я нарисовала картинку про детские чулочки, которые надевались с лифчиком. Это было очень нечеткое воспоминание, ведь чулки я носила только в детском саду. Я поместила ее в Живом Журнале, и посыпались комментарии — все стали наперебой уточнять, у кого такие были, как это надевалось, как застегивалось. Завязалось общее воспоминание, оно потянуло за собой следующие. Сначала это были только игры, потом присоединился весь огромный материальный мир. Смотришь в прошлое, и высвечивается то одно, то другое…

Огромную роль здесь сыграл массовый отклик в интернете. Ведь я думала, что это только мое и происходило только со мной. Но оказалось — всех возили в темноте на санках в детский сад и вываливали в снег, всех родители ставили в очередь в магазине… Причем откликались люди разного возраста — и старше меня, и намного моложе. Это показало, какое у нас было похожее детство и как все долго длилось. Потом уже мир менялся буквально каждые несколько лет, и у людей, выросших в разные годы, мало общих воспоминаний. А у нас во дворе играли в игры, в которые играли мои родители, я читала книжки, которые читали мои родители. Такой замерший мир советского детства.

Как эта серия превратилась в книжку?

Евгения Двоскина: Мне давно хотелось сделать книгу коллективной памяти — с моими рисунками и комментариями разных людей. Но интернет-перекличка, такая живая в социальных сетях («а у меня было это!» — «а у меня так!»), почему-то застывает на бумаге и становится совсем не интересной. В итоге я сама написала к рисункам сто коротких текстов. Для меня очень важна эта тема, поэтому я с некоторым страхом жду, как примут книгу читатели.

В последнее время издается много «ностальгической» литературы — та же «История старой квартиры» Александры Литвиной и Анны Десницкой — о мире, которого уже нет. Подразумевается, что детям хочется знать, как жили их родители, бабушки и дедушки…

Евгения Двоскина: Честно говоря, я не верю, что детям это интересно. Может, какие-то отдельные вещи, но и только. Мы себя обманываем. Это сейчас мы жалеем, что не расспрашивали бабушек и дедушек, а много ли мы их слушали, когда они были живы? Взрослые покупают красивые книжки якобы для своих детей, а на самом деле те, которые им хотелось иметь в детстве. И вся ностальгическая литература нужна только нам — делающим книжку и читающим ее взрослым.

Так все-таки это литература детская или взрослая?

Евгения Двоскина: Это детская литература для взрослых — вернее, для тех детей, которыми были нынешние взрослые.

С Евгенией Двоскиной беседовала Ирина Меркина

Евгения Двоскина — известный художник и книжный иллюстратор. Училась в художественном училище памяти 1905 года. Много лет рисовала для подростковой странички «Алый парус» в «Комсомольской правде», иллюстрировала другие газеты и журналы. Автор и иллюстратор «книги о невысокой моде» «Мелкие пуговицы», (2002 г.), серий графических работ «Пушкин с нами» и «Для тех, кто помнит».

Среди детских книг, оформленных Евгенией Двоскиной: «Приключения Барона Мюнхгаузена» Э. Р. Распэ, «Эмиль из Леннеберги», «Пеппи Длинныйчулок», «Пираты с озера Меларен» Астрид Линдгрен, «Незнайка на Луне» Николая Носова, «Эмиль и сыщики» Эриха Кестнера, «Дневник Фокса Микки» Саши Черного, «Недопесок» Юрия Коваля, «Детство Лёвы» Бориса Минаева, «Из детства» Давида Самойлова и многие другие.

Член Союза Художников и Международной Федерации Художников, живет и работает в Москве.

Рождение темы. Художник почтовой миниатюры Евгений Анискин

Среди художников, работавших над созданием марок в 1974 году, мы находим имя Е.Д.Анискина, замечательного нашего мастера-миниатюриста, творческий почерк которого хорошо знаком коллекционерам. Ведь Евгений Дмитриевич — автор 140 марок, многих художественных конвертов и почтовых карточек.

Истоки этого богатейшего послужного списка уходят к событиям 15-летной давности. Тогда Евгения Анискина, художника-плакатиста, пригласили попробовать свои силы в почтовой миниатюре, подготовить марки, посвященные V Всемирному конгрессу профсоюзов в Москве.

Первые марки Анискина вышли в ноябре — декабре 1961 года, сразу вслед за пятью его конвертами, также отметившими конгресс. До сих пор в мастерской художника хранятся эскизы первенцев. Знакомясь с ними, начинаешь понимать творческую лабораторию Евгения Анискина, стремившегося к лаконизму и динамике композиции.

За успешным дебютом последовали марки «Международный день солидарности молодежи против колониализма, за мирное сосуществование!» (№ 2676), «В СССР малярия побеждена!» (№ 2686—2688) и др. В этот же период Анискин подготовил к выпуску марку в честь французского микробиолога Луи Пастера. Она ознаменовала новое решение «портретных марок».

В чем была новизна? Художник стремится уйти от традиционного построения портрета на марке, найти такой рисунок фона, который бы дал характеристику деятельности изображаемого лица. В такой манере выполнены им марки «В. К. Блюхер» (№ 2783), «Гвардии генерал-майор И. В. Панфилов» (№ 2828).

Анискин широко использует фотоснимки, художественно осмысливает их. Так он, к примеру, рисовал блок в ознаменование 10-летия полета в космос В. В. Николаевой-Терешковой. На верхней левой марке блока — портрет «Чайки». Здесь взята та же фотография, которая послужила основой марки июля 1963 года.

1966 год принес еще один успех Е. Анискину. Одними из лучших марок года были признаны две почтовые миниатюры — барельеф Руставели (№ 3395) и «Тариэл у горного потока» (№ 3396). Эти марки московский художник исполнил по эскизам грузинских мастеров Л. Бурдули и Л. Шенгелия.

Член Центрального правления советского общества дружбы с ГДР, Анискин, начиная с 1960 года, неоднократно приезжал в братскую страну. Приезжал не как турист — как гость Общества германо-советской дружбы. А в пути никогда не расставался с блокнотом и карандашом.
В 1964 году Е. Д. Анискин побывал в ГДР по приглашению председателя Президиума Народной палаты ГДР Иоганнеса Дикмана. В тот год он создал оригинал почтовой марки «15-летие Германской Демократической Республики» (№ 3101).

Подобные миниатюры рождаются после длительного осмысления виденного. Нужно ведь на небольшом квадратике бумаги отобразить главное, наиболее характерное в жизни государства. Запись в каталоге — «Рисунок, символизирующий развитие промышленности в республике» — более чем лаконична. Для художника это — десятки зарисовок.

В 1969 году Анискин создает почтовую миниатюру (№ 3804) к 20-летию ГДР. На ней появились новые символы, повествующие о современном облике Берлина. Недавно, к 25-летию республики, в коллекциях филателистов появилась еще одна юбилейная марка работы художника.

Новой вехой в творчестве Е.Д.Анискина стала серия «Славим делами тебя, Октябрь!», посвященная 57-й годовщине Великого Октября. Три алые красочные марки рассказали о трудовых достижениях советского народа в девятой пятилетке. Мы видим здесь ордена Трудовой Славы трех степеней, Камский промышленный комплекс и плотину Нурекской ГЭС.
Мучительны поиски композиции: Анискин то меняет формат марок, то варьирует расположение деталей. Эскиз миниатюры, знакомящей с КамАЗом, не удовлетворил его. Тогда изображение автомашины уходит на второй план, а акцент делается на рисунке ферм, символизирующих продолжение стройки. Но снова художник недоволен. Вновь «подвигает» автомобиль на передний план. Художественный совет утверждает зто решение. Первоначальная   интуиция не подвела…

Недавно наши друзья из ГДР побывали в Советском Союзе. В поездке их сопровождал художник Евгений Анискин. В Липецке гостям показали металлургический комбинат, рассказали о его богатых перспективах. Как зачарованный стоял Анискин у печей.

Сейчас на столе у художника — вырезки из газет, фотографии Липецкой Магнитки. Это значит — он «заболел» липецкой темой.

М. АЛЕКСАНДРОВ
(«Филателия СССР» №3, 1975 г.)
 

Евгений Гор | «Zoom» — photo-aroundart

Евгений Гор | «Zoom»

Инсталляции, объекты, графика

Выставка Евгения Гора называется «Zoom». Известно, что это возможность изменять масштаб изображения, в частности, в картах Google. «Где наше место?» — этот вопрос задавал в своей известной инсталляции Илья Кабаков. Евгений Гор похожие проблемы исследует в инсталляциях, созданных по принципу сопряжения не сопоставимых масштабов, географии земной и сакральной, той, что вдохновлена темами средневековых богословов, символами Каббалы, учениями религиозных философов.

Искать себя, свое пространство в универсальной системе координат мироздания подвигают уникально придуманные объекты Гора. Сопряжение в них архаических метафизических символов и будничных меток современного города (карт метро, уличных знаков) позволяет увидеть реальное взаимопроникновение макро и микро уровней в строении универсума. Этот паскалевский сюжет о двойной бесконечности и ускользающем месте человека художник разрабатывает в разных видах творчества. Его работы напоминают нам о том, что сакральное не исчезло. Просто требуется помнить о нем и распознавать его следы.

Согретые любовью, хранящие дорогую память старые вещи в искусстве Евгения Гора становятся ландшафтом личной географии. Каждая из них будто запечатана выполненной из металлического троса осью координат. Словно пространство памяти мы наблюдаем в окуляр геодезического прибора.

Желание художника Евгения Гора увидеть божественную логику связи всех элементов и сущностей мира в чем-то наследует учению Раймунда Луллия, который доверял разуму в его способности логически познавать фигуры истины и считал, что общие понятия обладают собственным бытием. Раймунд Луллий – столп средневекового реализма. Реалистом по сути можно назвать и художника Евгения Гора.

Сергей Хачатуров

Евгений Гор родился в 1950 году в пос. Салтыковская Московской области. В 1973 году окончил Московский полиграфический институт. Выставляется с 1974 года. Живет в Москве. Работы находятся в собраниях музеев России – ГТГ, ГРМ, ГМИИ им. Пушкина и за рубежом.

Уличный художник Евгений Сосюра (Mutus) и его лучшие стрит-арты

Евгений Сосюра, известный под псевдонимом Mutus, родился в Пинске, Беларусь. С детства он увлекался рисованием и после окончания художественной школы учился всему самостоятельно. Далее последовала армия и ПТУ, где Е. Сосюра получил образование электрика. Как утверждает он сам: «пытался найти нормальную работу». Никогда не задумывался связывать свою жизнь с творчеством, но в двадцатилетнем возрасте познакомился с творчеством английского андеграундного художника Бэнкси (англ. Banksy).

Первый арт-стрит Евгения Сосюры был создан ночью, под мостом, но был закрашен уже на второй день. С тех пор на стенах зданий Пинска начали появляться зарисовки юного дарования. Во время создания портрета Боба Марли на стене старого дома возле пинской поликлиники уличный художник был пойман милицией. За свою работу Mutus получил штраф, и именно с этого дня начался его творческий путь.

По закону помимо штрафа Евгению полагалось возместить ущерб владельцу здания. Им оказался отдел культуры Пинского райисполкома. «Хулигана» попросили закрасить стену, что он и сделал. Осознав, что нелегальное разрисовывание домов чревато последствиями, Сосюра попросил отдел культуры предоставить стену для создания мурала. Недолго думая ему разрешили поэкспериментировать с тем самым зданием возле поликлиники. Новая композиция создавалась три недели. «…Деревья показывают жизненный цикл от рождения до смерти. Парень, играющий на разных инструментах — это свобода и творчество, а бабуля, что льет воду, — общество, которое мешает развиваться этому творчеству» – так прокомментировал свою первую легальную работу Евгений Сосюра.

В своих ранних проектах художник с иронией относился к реальному миру, создавая собственные миры со странными существами и локациями. В более поздних работах Mutus использовал добрые сюжеты, которые наполнял взрослым смыслом. Например, в 2014 году в Гродно в рамках проекта «MustAct-MustArt» появился мурал «За мечтой». На нем изображен человек, которого тянет за собой воздушный змей – олицетворение мечты. К подошве главного героя прилип троллейбусный билет. Тем самым художник хотел показать окружающим, что их счастливый билетик может быть где-то рядом и что самое главное – следовать за своей мечтой.

Самый известный стрит-арт Mutus расположен в Минске и называется «Цифровой мир» (Лічбавы свет). Мурал занимает стену 12-этажного дома и в высоту составляет 36 метров. Сюжет картины ссылается на миф о богине славянской мифологии Мокошь – покровительница жизненных благ и изобилия. Образ богини тесно связан с прядением, судьбами и ремеслами. Вот почему за спиной девочки изображена сеть созвездий, намотанная на веретене. «Мурал «Лічбавы свет» посвящен связи мира глобальных коммуникаций, природы и жизни человека» – говорит о своей работе Mutus. В ноябре 2019 года «Цифровой мир» был признан стрит-артом месяца и лучшим в мире.

Еще одним популярным стрит-артом Евгения Сосюры является художественная роспись «Жизненный багаж» в Гомеле. Она был создан в рамках акции «Must act – must art» в 2013 году и символизирует тяжесть и ответственность взрослой жизни. «У каждого человека свой багаж, который состоит из материальных предметов, духовных и моральных ценностей, опыта» – сказал Mutus во время интервью на радио. Торец дома выходит на школу, что подчеркивает актуальность сюжета.

Mutus с радостью занимается некоммерческими проектами, где ему дают полную свободу. Одним из таких был мурал на стене авиационного колледжа, созданный в рамках акции Urban Myths в 2015 году. На бумажном самолетике, который застрял в дереве, изображено здание первого аэродрома в Минске. Это символизировало окончание эпохи. Через полгода после создания картины, здание было снесено.

Помимо художественной росписи Евгений Сосюра пишет картины маслом и увлекается этнической музыкой. Ему сложно выбрать между стеной и холстом, так как написание картины и создание мурала – абсолютно разные вещи. Если на роспись фасада пятиэтажного дома у Евгения уходит от 2 до 6 дней, то на создание одной картины художник может потратить месяц и более.

Мы в соцсетях:

Партнерство по земельным и водным ресурсам Род-Айленда

Материалы Саммита 2011 г.

Саммит 2011 года состоялся в субботу 26 марта 2011 года. Повестка дня и программа на 2011 год приведены ниже.

• Обзор саммита 2011 г. (формат Adobe Acrobat)
• Полная программа саммита 2011 (формат Adobe Acrobat)

Избранные материалы из презентаций конференции:

• Основной доклад Стива Слоана
  • Презентация PowerPoint (PDF)
  • Темы для обсуждения (PDF)
• Плотин в эпоху изменения климата, К. Келлог и Рэйчел Калабро
  • Презентация PowerPoint Рэйчел Калабро (PDF)
  • Презентация PowerPoint от Q Kellogg (PDF)
• Рисование искусства с Земли Ана Флорес, Евгения Маркс и Алисия Лерер
  • План презентации Евгении Марк (PDF)
  • Список ресурсов от Аны Флорес (PDF)
• «Содействие сотрудничеству между комиссиями по охране природы», Сьюзан Корте
  • Презентация Power Point (PDF)
  • Контрольный список коммуникаций (PDF)
• Рыбы живут в наших реках и заливах — безопасно ли их есть? Грег Герритт, Боб Вандерслайс и Джон Торган
  • Брошюра с рекомендациями по рыбному хозяйству Коннектикута (PDF)
  • Исследование потребления рыбы в Коннектикуте (PDF)
  • Рыбный гид по семье штата Мэн (PDF)
  • Консультации по полосатому окуну и синей рыбке штата Мэн (PDF)
  • Консультации по рыбным ресурсам для беременных, Массачусетс (PDF)
  • Рекомендации по потреблению морской рыбы — N.H. Fish and Game (веб-сайт)
  • Vermont Fish Advisory: Ртуть в рыбе (веб-сайт)
• Управление средами обитания для дикой природы: тематические исследования и курьезы Скотта Рурена
  • Презентация PowerPoint (PDF)
• «Сохранение исторических ценностей и природоохранных ценностей в освоенных ландшафтах» Скотт Комингс и Вал Талмейдж
  • Презентация PowerPoint (PDF)
• Восстановление городских / пригородных водосборов с использованием нового подхода к TMDL, Честер Арнольд
  • Презентация PowerPoint (PDF)
• Управление нашими охраняемыми землями: новые инструменты для решения новых задач Ларри Тафт, Питер Август и Дэвид Грегг
  • Презентация PowerPoint Питера Августа (PDF)
  • Презентация PowerPoint Дэвида Грегга (PDF)
• Приближается лето: как поживают наши пляжи? Эми Пэррис и Лорен Руссо
  • Презентация PowerPoint Эми Пэррис (PDF)
• Энергия ветра и сохранение земли, Гарри Планкетт, Карина Лутц, Дэн Мендельсон и Чарли Вандемоер
  • Презентация Карины Лутц в PowerPoint (PDF)

Выпускник факультета инструментального искусства

Бенджамин Хохман

Обладатель престижной премии Avery Fisher Career Grant в 2011 году, красноречивые и виртуозные выступления Бенджамина Хохмана сочетают красочный артистизм и поэтическую интерпретацию, восхищая как публику, так и критиков.Он выступает в крупных городах мира в качестве солиста оркестра, сольника и камерного музыканта, работая со многими известными музыкантами. Обладая интеллектуальным и искренним музыкальным любопытством, его игра была описана Vancouver Sun как «стильная и ясная, с патрицианским авторитетом и нотками элегантного остроумия». Хохман часто сочетает знакомые и незнакомые произведения в своих концертных программах, талант, который также распространяется на его продуманный записанный репертуар, от Баха и Моцарта до Куртага и Петера Либерсона.The New York Times писала о пианисте Бенджамине Хохмане: «Лучше классической музыки не бывает».

Хохман выступал на крупных площадках, таких как Карнеги-холл, Линкольн-центр, Кеннеди-центр, 92-я улица Y, Концертхаус Вена, Берлинский Концертхаус, Концертгебау в Амстердаме, Лувр в Париже, Академия Листа в Будапеште, Мариинский театр в Санкт-Петербурге, Тиволи. Театр в Копенгагене, l’Auditori de Barcelona, ​​Suntory Hall в Токио и Kumho Art Hall в Сеуле. Основные моменты фестиваля включают Мальборо, Равинию, Санта-Фе, Бард, Гилмор, Карамур, Фестиваль струнной музыки и Вейл в Северной Америке, а также европейские фестивали, включая Люцерн, Сполето, Вербье, Рур, Прусскую бухту и Израильский фестиваль.

Хохман выступал в качестве солиста в филармониях Нью-Йорка, Лос-Анджелеса, Израиля и Праги; Симфонии Чикаго, Питтсбурга, Сан-Франциско, Цинциннати, Хьюстона, Сиэтла, Америки, Нью-Джерси, Портленда, Ванкувера и Иерусалима; Нью-Йоркский струнный оркестр, оркестр IRIS в Мемфисе, оркестр Национального центра искусств в Оттаве, солисты Тель-Авива и Стамбульский государственный оркестр. Он играл под руководством таких выдающихся дирижеров, как Джанандреа Нозеда, Дэвид Робертсон, Джон Сторгардс, Пинхас Цукерман, Тревор Пиннок, Юн Меркл, Леон Ботштейн, Брэмвелл Тови, Хайме Ларедо, Джошуа Вейлерстайн, Майкл Кастерн, Джахджа Линг, Казуайероши Акайоши. .

В сезоне 2019-2020 г-н Хохман представляет полные фортепианные сонаты Моцарта в Израильской консерватории в Тель-Авиве и продолжает свой обход цикла в консерватории Бард-колледжа. Он исполняет фортепианный концерт № 3 Прокофьева с Бангорским симфоническим оркестром под управлением Лукаса Рихмана и Фортепианный концерт Шумана с Гринвичским симфоническим оркестром под управлением Дэвида Гилберта. Он представляет две программы на тему «Слова и музыка» на 92-й улице Y в Нью-Йорке: сольный фортепианный концерт с произведениями Брамса, Адеса и Шумана и вокальную программу Яначека «Дневник исчезнувшего» и Шенберга Пьеро. Lunaire.Завершают сезон сольные концерты на прибрежных концертах в Делавэре и Центре исполнительских искусств в университете Западного Вашингтона, а также камерные концерты в Бостонском обществе камерной музыки, клубе Шуберта в Миннесоте, фестивале камерной музыки в Шарлоттсвилле и камерной музыке Линтона в Цинциннати. Он работает помощником дирижера у Рафаэля Паяре и Брэмвелла Тови в Симфоническом оркестре Сан-Диего.

Хохман дебютировал с сольным концертом в Нью-Йорке в 2006 году в Метрополитен-музее, а затем установил яркое музыкальное присутствие в Нью-Йорке благодаря концертам с Нью-Йоркским филармоническим оркестром и Американским симфоническим оркестром, а также чередой выдающихся сольных концертов и концертов. камерные спектакли на 92-й улице Ю.Он дебютировал в Карнеги-холле с Израильским филармоническим оркестром и дебютировал с Чикагским симфоническим оркестром в проекте Моцарта для фортепиано с оркестром с Пинхасом Цукерманом и Hubbard Street Dance. Он выступал с филармонией Лос-Анджелеса на шоу Hollywood Bowl и участвовал в трех сериях по подписке с Pittsburgh Symphony.

В последние годы восхищение Хохмана богатым оркестровым репертуаром побудило его заняться дирижированием. Он был назначен музыкальным помощником Луи Лангре, а также приглашенным дирижером на фестивале «В основном Моцарт» в 2016 году, включая Тьерри Фишера, Пааво Ярви и Джеффри Кахане.Он работал помощником дирижера у Леона Ботштейна на концертах Американского симфонического оркестра в Карнеги-холле и Элис Талли-холл, а также у Эммануэля Вильома в Джульярде. Недавние и предстоящие дирижерские мероприятия включают Santa Fe Pro Musica, Orlando Philharmonic и The Orchestra Now. Выпускник престижной Джульярдской дирижерской программы, где он получил стипендию Бруно Вальтера и премию Чарльза Шиффа, Хохман обучался у Алана Гилберта и Джеймса Росс. Он также работал в мастер-классах с Фабио Луизи, Дэвидом Зинманом, Стефаном Асбери, Йоханнесом Шлефли и Джеймсом Гаффиганом.Летом 2018 года он участвовал в семинаре по дирижированию в Тэнглвуде. Хохман является основателем и музыкальным руководителем Симфонического оркестра острова Рузвельта, ансамбля, состоящего из лучших оркестровых и камерных музыкантов Нью-Йорка, который представляет свой четвертый сезон в 2019-2020 годах.

В октябре 2019 года на лейбле Avie Records выйдет дебютный альбом Хохмана как дирижера и концертного солиста: Mozart Piano Concerti No. 17 и No. 24 с Английским камерным оркестром. Его альбом 2015 года для Avie назывался Variations и включал в себя произведения Лучано Берио, Оливера Кнуссена, Питера Либерсона, Джорджа Бенджамина и Брамса.Его второй сольный альбом Homage to Schubert, записанный для Avie Records в 2013 году, включает сонату Шуберта ля мажор, D. 664 и сонату ре мажор, D. 850, а также современные трибьюты Шуберту, Idyll und Abgrund: Six Schubert Йорга Видмана. Воспоминания и Посвящение Куртага Шуберту. Дебютная сольная запись Хохмана произведений Баха, Берга и Веберна была выпущена компанией Artek в 2009 году. Он также записал камерную музыку Лоуренса Диллона с квартетом Дедала для Bridge Records и Лизы Белява для Innova Recordings.

Активный сотрудник, Хохман работал с квартетами Токио, Шанхая, Мендельсона, Казальса, Пражака, Дедала, Эшера, Иерусалима и Борромео; Zukerman ChamberPlayers; и участники струнных квартетов Guarneri, Juilliard и Orion, а также пианисты Джонатан Бисс, Орион Вайс и Шай Воснер, скрипачи Лиза Батишвили и Ани Кавафян, а также виолончелисты Миклош Переньи, Эфе Балтачигил и Ральф Киршбаум.

Преданный защитник современной музыки, Хохман тесно сотрудничал с такими композиторами, как Кшиштоф Пендерецкий, Бретт Дин, Филипп Гюрель, Джоан Тауэр, Уильям Болком, Иегуди Винер, Тамар Маскал, Дэвид Людвиг, Менахем Визенберг, Джесси Браулт и Гилад Коулт. Макс Граф.

Бенджамин Хохман был выбран для участия в престижных резиденциях по всему миру, таких как The Bowers Program (ранее CMS Two) Общества камерной музыки Линкольн-центра, Международные встречи Камерной музыки Исаака Стерна в Израиле и Мастерская профессионального обучения Карнеги-Холла. Хохман получил награду «Выдающийся пианист» Академии Вербье, премию Фесторацци Музыкального института Кертиса, вторую премию Международного конкурса камерной музыки в Мельбурне и премию «Партош», присужденную министром культуры Израиля.Его выступления транслировались на Национальном общественном радио в программе Young Artist Showcase and Performance Today, WNET’s Sunday Arts, WQXR, CBC (Канада), ABC (Австралия), Radio France и израильской радиостанции Voice of Music, а также по европейской телевизионной сети. Меццо.

Родился в Иерусалиме. Хохман начал обучение игре на фортепиано у Эстер Наркисс в консерватории Академии Рубина и у Эмануэля Красовского в Тель-Авиве. Он окончил Музыкальный институт Кертиса, где он учился у Клода Франка, и Музыкальный колледж Маннеса, где он учился у Ричарда Гуда.Его исследования были поддержаны Американо-израильским культурным фондом. Он работает на фортепианном факультете Музыкальной консерватории Бард-колледжа. Хохман — художник Steinway, живет в Нью-Йорке. Его веб-сайт www.benjaminhochman.com.

Студенческий проект просто идеален «для птиц»

Мэтт Бауэр

К классу лесной грамотности Джеффри Перри в средней школе Толл-Гейт недавно был особый посетитель.

Юджиния Маркс из Общества Одюбона Род-Айленда зашла, чтобы забрать 18 гнездовых ящиков синей птицы, которые студенты построили и пожертвовали Обществу Одюбона.

Marks вручили каждому студенту благодарственную грамоту за участие.

«Ящики для синей птицы помогут в усилиях по сохранению птиц Род-Айленда», — сказал Маркс. «Общество Одюбона поставит ящики в наших убежищах, и они будут использоваться синими птицами, обитающими в Род-Айленде круглый год».

Маркс сказал, что сохранять птиц важно, потому что человеческое развитие посягает на их среду обитания.

«Раньше было много яблоневых садов, которые привлекали насекомых, которых поедают синие птицы», — сказала она.«Ящики дают птицам место для гнездования и тепла зимой; они собираются по шесть-восемь в коробке, чтобы согреться ».

Marks сказал, что размер отверстия, составляющий около 1,25 дюйма, определяет, будут ли голубые птицы использовать коробку.

«Если отверстие будет больше, они не будут использовать его, потому что другие птицы вторгнутся в них», — сказала она. «Древесные ласточки и воробьи будут пытаться гнездиться в ящике».

Маркс сказал, что со студентами было потрясающе работать.

«Мы очень благодарны мистеру Перри за то, что он продумал этот проект, и за детей, выполняющих его, они проделали большую работу», — сказала она.

Перри сказал, что этот класс работает вместе с Программой возможностей роста, специальной образовательной программой, разработанной, чтобы помочь учащимся принимать участие в мероприятиях, которые в противном случае они не смогли бы сделать.

Программа возможностей роста стартовала в старшей школе Toll Gate в 2009 году. До этого учебного года не существовало программы для учащихся с серьезными / глубокими особыми потребностями, сказал Перри.

«Урок грамотности в лесу был введен в 2012 году по образцу очень успешного урока адаптивного физического воспитания. Студенты следуют модифицированной программе, аналогичной обычной учебной программе по материалам », — сказал Перри в электронном письме изданию Beacon. «Это включает в себя безопасные методы работы, идентификацию инструмента, измерение, резку, сверление, крепление, шлифование, токарные работы, очистку и использование ручных и электроинструментов».

Перри сказал, что проект появился в результате сотрудничества между ним, Марксом и учителем специального образования Кристиной ДиЛустро.

«Mr. Перри так хорошо умеет вовлекать сообщество в свои проекты и находить проекты, которые нужно изменить и сделать из них цель », — сказал ДиЛустро. «В прошлом году он выполнил проект по созданию шкафа для ключей для полиции Уорика [для организации их ключей], а теперь работает с Обществом Одюбона в этом году».

Перри сказал, что студенты добились большого успеха, выполнив множество проектов, помимо скворечников и шкафов для ключей, включая полки, табуреты, перфорированную доску и сезонные проекты.

«У класса часто есть выбор проектов, и голосование определяет проект», — сказал Перри. «В этом году класс состоит из 13 учеников, которые много работали над скворечниками и имеют чувство выполненного долга, что их проекты помогут Обществу Одюбона Род-Айленда и синим птицам».

Перри сказал, что он связался с Марксом несколько лет назад через Sierra Club, в котором работает его жена.

«Мы хотели сделать больше классного проекта, чем индивидуального. Все мои классы выполняют похожие проекты », — сказал он.«Это была правильная ситуация и нужный класс, чтобы выполнить проект и помочь окружающей среде».

Перри сказал, что студенты использовали торговое оборудование, такое как ручные дрели, сверлильные станки, ножовки, молотки и заглушки, при постройке ящиков для скворечников, а также измерили винты, чтобы закрепить ящики.

«Им понравился проект», — сказал он. «Дети узнают об инструментах, безопасности, голубых птицах и проблемах окружающей среды. Это отличный проект для детей, он помогает Обществу Одюбона.”

Перри сказал, что в следующем году он планирует, чтобы класс построил защитные боксы.

«В настоящее время на пляжах Уорика продаются боксы с защитой от линии», — сказал Маркс. «Они используются для сбора лески, чтобы птицы не запутались в ней».

студентов, построивших коробки и получивших сертификаты: Александрия Бернад, Брайан Камерлин, Адам Селона, Кайла Доусон, Нико Дойл, Джошуа Жермен, Джастин Горман, Джошуа Ланжевен, Александр Ортез, Кессандра Регин, Кайлан Савицки, Райан Смит и Деннис Томпсон.

Влажная погода стала причиной меньшего количества бабочек

Подведены итоги подсчета бабочек в этом году, и бабочки избегают этого влажного лета.

По данным Общества Одюбона Род-Айленда, шестой ежегодный подсчет Североамериканской ассоциации бабочек показывает снижение общих показателей по сравнению с прошлым годом. Эти два исследования были проведены для штата 27 июня для Восточного залива и 11 июля для Западного залива. В эти дни 72 участника зарегистрировали в общей сложности 2 484 бабочек, что на 30 процентов меньше, чем в 2008 году.Было замечено 48 видов бабочек, что немного меньше, чем 51 вид в 2008 году.

Оба подсчета проводились в дни с «благоприятной для полета погодой». То есть это было в 70-е и солнечно », — говорит Евгения Маркс из Одюбона. Результаты были аналогичны тем, которые были зарегистрированы на Северо-Востоке.

«Общество Одюбона Род-Айленда предоставляет образовательные, волонтерские и совместные ресурсы для предоставления информации для национальной базы данных», — сказал Лоуренс Тафт, исполнительный директор Общества Одюбона Род-Айленда.«Долгосрочные тенденции в популяциях животных показывают влияние управления средой обитания, изменения климата и других факторов окружающей среды».

Результаты подсчета можно сравнить с предыдущими и будущими записями, чтобы «проследить, как мы делаем с точки зрения экологической устойчивости», — сказал Маркс. На устойчивость бабочек влияют два фактора: естественная изменчивость и антропогенное воздействие. Она пришла к выводу, что результаты этого года отражают естественную изменчивость из-за прохладного дождливого лета.

«Бабочкам для полета мускулов требуется температура выше 65 градусов.Они не умеют летать под дождем, крылья сделаны из прозрачной пленки ».

Она также сказала, что их долгосрочная устойчивость зависит от человеческих факторов в отношении изменений в землепользовании и распыления пестицидов, предназначенных для других насекомых.

Еще одно объяснение спада в этом году — взрослые бабочки летят по расписанию. Маркс объяснил, что есть «окно возможностей» для обнаружения бабочек, поскольку некоторые летают только весной, а другие летают только две недели летом.Она добавляет, что продолжительность жизни зависит от вида, но большинство взрослых бабочек живут от двух до шести недель.

В отличие от общего числа бабочек, количество зарегистрированных видов было лишь немного сокращено, и многие заметные находки были зарегистрированы при учете. Директор по охране окружающей среды Одюбона Скотт Рурен обнаружил горячую точку для Bog Coppers, бабочки из Списка природного наследия Род-Айленда.

«Эта бабочка встречается только в клюквенных болотах», — сказал Рурен. Но может быть в изобилии на тех участках, где встречается.Он насчитал 35 на удаленном, практически недоступном клюквенном болоте на одном из убежищ Одюбона. Это было напоминанием о том, как важно сохранить эти редкие и хрупкие места обитания.

Еще одна интересная находка — это панцирь комптонской черепахи, вид с точным статусом неизвестен в Контрольном списке бабочек Род-Айленда. Наблюдатель, Фрэнсис Андервуд из Крэнстона, сделал фотографию, которую Гарри Павулаан, эксперт по бабочкам Род-Айленда и соавтор Контрольного списка, смог опознать.По словам Павулаана, подсчет заслуживает похвалы как средство, побуждающее людей выходить в поле и открывать новые участки для редких или потенциально находящихся под угрозой исчезновения видов.

Больше всего бабочек подсчитали директор по политике Одюбона Юджиния Маркс и участники Дебра и Курт Стиффель из Уоррена и Хью Уиллоуби из Риверсайда. Группа зафиксировала 843 бабочки в Центре экологического просвещения Одюбона и на частном поле в Бристоле. «Это конкретное поле всегда имеет большое количество Baltimore Checkerspots, яркую черную бабочку с оранжевыми и белыми пятнами», — сказал Маркс.В этом году их было больше, чем когда-либо, вероятно, из-за пика всплеска. Насчитали 700.

Наибольшее количество видов — 23 — наблюдались на территории монастыря Камберленд членами группы Элиз Бэрри из Пакстона, Массачусетс, Уолтер Боссе из Камберленда, Венди Миллер из Бойлстона, Массачусетс, Пэт Моллой из Восточного Провиденса и Долорес Прайс из Норта. Графтон, штат Массачусетс. Старая собственность монастыря Камберленд, находящаяся в ведении города Камберленд, — одно из лучших мест для поиска бабочек в Род-Айленде, — говорит Маркс.А Уолтер и его товарищи по команде отличные «бабочки».

«Подсчет бабочек на Род-Айленде» является частью более крупной программы, координируемой Североамериканской ассоциацией бабочек в Морристауне, штат Нью-Джерси, по исследованию бабочек в Северной Америке. Подсчет в Род-Айленде открыт для всех, кто интересуется бабочками, и Общество Одюбон проводит семинары по идентификации бабочек для начинающих в начале лета. Бабочек ненадолго ловят с большой осторожностью, чтобы помочь идентифицировать, а затем отпускают.

«Идентификация зависит от маленькой точки», — объясняет Маркс. «Их помещают в банку, чтобы найти определяющую особенность, а затем отпускают». Точность обеспечивается обучением и проверкой.

Дополнительную информацию, результаты подсчетов за предыдущие годы и ссылки на ресурсы, такие как онлайн-дискуссионная группа Ocean State Butterflies, можно найти на веб-сайте Общества Одубона в Род-Айленде по адресу www.asri.org. Прокрутите в нижний левый угол и нажмите «Бабочки с Одюбоном».

Искусство и коллекционирование Пастель Маяк Живопись Оригинальное искусство Мягкая пастель Морской пейзаж Морское искусство от Евгении Чотола

Маяк Живопись Оригинальное искусство Мягкая пастель Морской пейзаж Прибрежный.Оригинальная 100% ручная роспись пастелью — единственная в своем роде художница Евгения Чотола. Это не копия и не распечатка. Это оригинальная пастельная картина маяка в Делавэре, США. Средний: фирменные пастельные стикеры на профессиональной архивной пастельной бумаге Canson Touch Размер изображения: прибл. 10,5×9,5. Оригинальная 100% ручная роспись пастелью — единственная в своем роде художница Евгения Чотола. Это не копия и не распечатка. Это оригинальная пастельная картина маяка в Делавэре, США. 。Средний: фирменные пастельные стикеры на профессиональной архивной пастельной бумаге Canson Touch. Размер изображения: прибл.10,5×9,5 дюймов или 26,5×24 см Подпись и дата спереди и сзади。 。Мат и элементы декора на картинке предназначены только для демонстрации и не входят в комплект. Обратите внимание, что цвета картины могут немного отличаться в зависимости от вашего монитора. настройки. 。Эта картина НЕ оформлена в раму. Его нужно будет оформить за стекло за стеклом, чтобы избежать случайных подтеков и повреждений. 。Картина будет отправлена ​​вам в надежной защите. Покупка этой картины не передает права на воспроизведение .。 。Спасибо за поддержку моего искусства! © Евгения Чотола。。

Маяк Живопись Оригинальное искусство Мягкая пастель Морской пейзаж Морское искусство от Евгении Чотола

2.El Arabanızı Değerinde
Trink Alıyoruz.